Erkki Aaltonen

Überblick

Erkki Aaltonen gehört zu jener Generation finnischer Komponisten, deren künstlerische Entwicklung in den 1930er Jahren begann und durch die Spannungen zwischen Spätromantik, Nationalromantik, europäischer Moderne, Kriegserfahrung und Nachkriegszeit bestimmt wurde. Er war kein radikaler Avantgardist im engeren Sinn, sondern ein Komponist, der aus einer national gefärbten, traditionsbewussten Tonsprache heraus arbeitete und diese in einzelnen späteren Werken für neuere Impulse der finnischen Nachkriegsmusik öffnete. Music Finland beschreibt genau diese Entwicklung: Aaltonen sei in einer Phase gereift, in der die finnische Musik nach einem Jahrzehnt der Moderne wieder stärker national und traditionell orientiert gewesen sei; die Nationalromantik bilde die Grundlage seines Stils, während spätere Werke auch Züge der Nachkriegsmusik aufnähmen.

Sein Werk besitzt mehrere Schwerpunkte. Erstens ist Aaltonen ein Sinfoniker. Die fünf Sinfonien bilden das Rückgrat seines Orchesterwerks und zeigen den Anspruch, gesellschaftliche, menschliche und historische Themen in großformaler Musik zu verarbeiten. Zweitens ist er ein Praktiker des Orchesters. Seine Ausbildung als Violinist, seine Tätigkeit als Orchestermusiker und seine spätere Arbeit als Dirigent gaben ihm eine konkrete Kenntnis instrumentaler Klangkörper. Drittens erscheint er als Komponist mit öffentlichem, teilweise ausdrücklich aktuellem Themenbewusstsein. Besonders Hiroshima zeigt, dass Musik für ihn nicht nur private Ausdrucksform, sondern auch kulturelle Stellungnahme sein konnte.

Aaltonens Rang liegt daher weniger in einer internationalen Kanonstellung als in seiner repräsentativen Stellung innerhalb der finnischen Musik des mittleren 20. Jahrhunderts. Er steht zwischen professioneller Orchesterpraxis, nationaler Traditionsbindung, chorischer Kultur, pädagogischer Musik, Friedensethos und dem Versuch, historische Erfahrungen sinfonisch zu deuten. Gerade diese Verbindung macht ihn für ein Kulturlexikon ergiebig: An seinem Werk lässt sich zeigen, wie finnische Musik jenseits der großen Namen Sibelius, Madetoja, Merikanto oder Rautavaara ein breites Feld institutioneller, gesellschaftlicher und künstlerischer Arbeit bildet.

Kurzdaten

Namensform und editorischer Hinweis

Der deutschsprachige Ansatz verwendet die Form Erkki Werner Aaltonen. In englischsprachigen Nachschlagewerken, besonders bei Encyclopedia.com nach Baker’s Biographical Dictionary of Musicians, erscheint die Form Erkki (Erik Verner) Aaltonen beziehungsweise Erik Verner Aaltonen. Da die öffentliche Komponistenidentität international überwiegend unter Erkki Aaltonen geführt wird, verwendet diese Seite im Titel und im Fließtext die kurze Namensform Erkki Aaltonen, während die Varianten im JSON-LD-Block und in diesem editorischen Abschnitt mitgeführt werden.

Die Schreibvarianten sind für Kataloge, Werklisten und Literaturrecherche relevant. Wer Aaltonen in internationalen Musiklexika, Bibliothekskatalogen oder Diskografien sucht, sollte sowohl nach Erkki Aaltonen als auch nach Erik Verner Aaltonen suchen. Für die URL wird gemäß der Personenregel des Kulturlexikons der Familienname vorangestellt: aaltonen-erkki.shtml.

Biografischer Weg

Erkki Aaltonen wurde am 17. August 1910 in Hämeenlinna geboren. Die Stadt ist für seine biografische und musikalische Identität nicht nur ein geografischer Herkunftsort. In seinem Werk erscheint Hämeenlinna auch als Klang- und Erinnerungsraum, etwa in der späteren Hämeenlinna-Rhapsodie beziehungsweise in Werken, die lokale und nationale Färbungen aufnehmen. Aaltonen wuchs in einer Zeit auf, in der die finnische Musik stark durch die Nachwirkung des Nationalromantischen, durch Sibelius’ übermächtige Stellung, durch neue europäische Modernismen und durch die institutionelle Professionalisierung des Musiklebens geprägt war.

Seine musikalische Laufbahn begann von der instrumentalen Seite her. Er studierte Violine am Konservatorium in Helsinki und erhielt zusätzlich private Kompositionsausbildung. Diese doppelte Ausbildung ist für sein späteres Werk bedeutsam. Der Violinist und Orchestermusiker kennt Musik als körperliche, technische und klangliche Praxis; der Komponist ordnet diese Erfahrung in größere Formen. Aaltonens Musik verrät immer wieder diese Nähe zum konkreten Instrument und zum Orchesterapparat.

Als Kompositionsschüler von Väinö Raitio und Selim Palmgren stand Aaltonen in einem Spannungsfeld unterschiedlicher finnischer Traditionen. Raitio war mit modernistischen und farblich intensiven Tendenzen verbunden, Palmgren dagegen mit spätromantischer, pianistischer und national geprägter Musikkultur. Aaltonen entwickelte daraus keine radikale Synthese, sondern eine eigene, eher traditionsbewusste, aber nicht unzeitgemäße Tonsprache. Seine Musik bleibt häufig tonal beziehungsweise modal grundiert, sucht große Linien und klare Formprofile, ist aber nicht auf einfache Folkloreillustration reduzierbar.

Nach der Ausbildung arbeitete Aaltonen als Orchestermusiker, Chorleiter, Dirigent und institutioneller Musikpädagoge. Er spielte im Umfeld des Helsinki Philharmonic Orchestra, leitete den Kullervo-Chor von 1956 bis 1963 und wirkte von 1966 bis 1973 in Kemi als Musikdirektor beziehungsweise Leiter des dortigen Musikinstituts. Diese Tätigkeiten zeigen ihn als Kulturarbeiter im breiten Sinn. Er komponierte nicht nur für den Notentisch, sondern arbeitete mit Chören, Orchestern, Ausbildungseinrichtungen und regionalen Musikstrukturen.

Ausbildung und musikalische Prägung

Aaltonens Ausbildung führte ihn an das Helsinkier Konservatorium, die spätere Sibelius-Akademie. Dort studierte er Violine, während die Kompositionsausbildung privat bei Väinö Raitio und Selim Palmgren erfolgte. 1947 schloss er außerdem eine Dirigierausbildung an der Sibelius-Akademie mit Diplom ab. Diese drei Säulen – Violine, Komposition und Dirigat – erklären die besondere Struktur seiner Berufslaufbahn.

Die Violine gab Aaltonen Zugang zum professionellen Orchesterleben. Sie schulte Melodik, Phrasierung, Klangfarbe, Bogenführung, polyphone Hörfähigkeit und das Verhältnis zwischen Einzelstimme und Gesamtklang. Das Dirigat vermittelte ihm die großformale Kontrolle über Klangkörper, Probenarbeit und Aufführungssituation. Die Komposition schließlich führte diese praktischen Erfahrungen in Werkgestalten über. Aaltonens Orchesterwerke sind daher nicht bloße theoretische Konstruktionen, sondern Musik eines Komponisten, der das Orchester von innen kannte.

Seine Lehrer stehen für unterschiedliche Kräfte der finnischen Musik. Raitio verweist auf Modernität, Farbenreichtum und eine gewisse Unabhängigkeit von konservativen Stilnormen. Palmgren steht stärker für die romantisch-virtuose und nationale Tradition, besonders im Bereich des Klaviers und der lyrischen Form. Aaltonens eigenes Werk folgt eher der zweiten Linie, nimmt aber in späteren Kompositionen auch nachkriegszeitliche Schärfungen und thematische Aktualität auf.

Orchesterpraxis, Violine und Dirigat

Die berufliche Praxis Aaltonens war eng mit dem Orchester verbunden. Encyclopedia.com/Baker nennt seine Tätigkeit im Helsinki Philharmonic und die Leitung des Kullervo-Chors sowie seine spätere Tätigkeit in Kemi. Solche Angaben sind für das Verständnis seiner Musik wichtiger, als es bei einer rein werkorientierten Betrachtung zunächst scheint. Aaltonen war kein Komponist, der abseits der Aufführungspraxis arbeitete. Seine Musik steht in Beziehung zu realen Ensembles, zu Chören, zu regionalen Institutionen und zu konkreten Klangkörpern.

Als Dirigent bewegte er sich zwischen Chor- und Orchesterkultur. Die Leitung des Kullervo-Chors verweist auf eine finnische Chorkultur, die seit dem 19. Jahrhundert eng mit nationaler Sprache, Volksbildung, Vereinswesen und kultureller Selbstbehauptung verbunden ist. Die Tätigkeit in Kemi zeigt zudem, dass Aaltonen nicht nur im Zentrum Helsinki wirkte, sondern auch in der regionalen Musikorganisation aktiv war. In Finnland war und ist die regionale Musikinfrastruktur für die Verbreitung klassischer und zeitgenössischer Musik von besonderer Bedeutung.

Aus dieser Praxis erklärt sich auch Aaltonens Werkverteilung. Er schrieb großformatige Orchesterwerke, aber ebenso Chorwerke, Kammermusik, Solostücke und pädagogisch verwendbare Kompositionen. Sein Katalog wirkt nicht wie das Programm eines avantgardistischen Einzelgängers, sondern wie das Schaffen eines Musikers, der für unterschiedliche institutionelle und aufführungspraktische Kontexte komponierte.

Stilprofil: Nationalromantik und Nachkriegsoffenheit

Music Finland fasst Aaltonens Stil prägnant: Er reifte als Komponist in den 1930er Jahren, als sich die finnische Musik nach einem Jahrzehnt der Moderne wieder stärker nationalen und traditionellen Werten zuwandte. Die Nationalromantik wurde zur Grundlage seines Stils, auch wenn spätere Werke Züge der Nachkriegsmusik aufnahmen. Damit ist ein wichtiger Deutungsrahmen gegeben. Aaltonen steht nicht für den Bruch mit der Tradition, sondern für ihre Weiterführung unter veränderten historischen Bedingungen.

Nationalromantik bedeutet bei Aaltonen nicht bloß folkloristische Oberfläche. Sie zeigt sich in breiten melodischen Linien, in der Bedeutung von Landschafts- und Herkunftsräumen, in der Verwendung volkstümlicher oder volksliednaher Gesten, in einem Sinn für heroische, elegische und gemeinschaftliche Affekte und in der Vorliebe für großformale, sinfonische Ausdrucksweisen. Zugleich wird diese Tonsprache durch die Erfahrung des 20. Jahrhunderts verändert. Die Zweite Sinfonie Hiroshima kann nicht als ungebrochene nationale Feiermusik gehört werden; sie stellt Leid, Zerstörung, Mitleid und Friedenssehnsucht in den Mittelpunkt.

Stilistisch ist Aaltonens Musik daher als traditionsgebundene Moderne zu verstehen. Sie sucht Verständlichkeit, formale Klarheit und affektive Direktheit, ohne deshalb rein konservativ zu sein. In einzelnen Werken nähert sie sich den Spannungen der Nachkriegszeit, in anderen bleibt sie stärker im Umkreis einer national gefärbten Spätromantik. Diese Spannweite macht Aaltonens Werk dokumentarisch wertvoll: Es zeigt, wie sich finnische Komposition jenseits der avantgardistischen Hauptlinien im mittleren 20. Jahrhundert weiterentwickelte.

Sinfonik und Orchesterwerk

Die Sinfonik bildet das Zentrum von Aaltonens Werk. Nach Baker/Encyclopedia.com umfasst sein sinfonisches Schaffen fünf Sinfonien: eine Erste Sinfonie, die in der Werküberlieferung mit 1947 verbunden wird, die Zweite Sinfonie Hiroshima von 1949, eine Dritte Sinfonie von 1952, eine Vierte Sinfonie von 1959 und eine Fünfte Sinfonie von 1964. Daneben stehen Orchesterwerke wie Hämeenlinna, Folk Music, Canzona popolare, Polca sinfonica, Valzer villanesco, Klavierkonzerte und ein Violinkonzert.

Der sinfonische Anspruch ist bei Aaltonen eng mit Öffentlichkeit verbunden. Die Sinfonie war im 20. Jahrhundert nicht mehr selbstverständlich das führende Medium neuer Musik, blieb aber ein starkes Format für historische Deutung, nationale Selbstverständigung und großräumige Affektdramaturgie. Aaltonens Wahl der Sinfonieform zeigt, dass er an der Möglichkeit festhielt, gesellschaftliche und menschliche Themen in großformatiger Orchestermusik zu bearbeiten.

Die Orchesterwerke verknüpfen verschiedene Tendenzen: nationale Rhapsodik, populäre Tanzformen, konzertante Virtuosität, volkstümliche Elemente, dramatische Steigerung und elegische Klangflächen. Dabei ist das Orchester nicht bloß Klangmasse, sondern Träger einer Erzählbewegung. Aaltonens Titel und Werkbezüge machen deutlich, dass er Musik häufig von einem thematischen Impuls her dachte: Ort, Volk, Tod, Menschlichkeit, Frieden oder Erinnerung können als Ausgangspunkte kompositorischer Formung erscheinen.

Die Zweite Sinfonie Hiroshima

Die Zweite Sinfonie Hiroshima ist Aaltonens bekanntestes und kulturgeschichtlich bedeutendstes Werk. Sie entstand 1949, vier Jahre nach dem Atombombenabwurf auf Hiroshima. Das Hiroshima Peace Media Center beschreibt sie als ein Werk, in dem der finnische Komponist Mitgefühl mit der bombardierten Stadt ausdrückte und zugleich die Kraft der Menschen Hiroshimas angesichts der Katastrophe musikalisch zu vermitteln suchte. Damit gehört die Sinfonie zu den frühen musikalischen Reaktionen auf die atomare Zerstörung und zu den seltenen Fällen, in denen ein nordeuropäischer Komponist unmittelbar nach dem Krieg Hiroshima zum sinfonischen Thema machte.

Die Rezeptionsgeschichte der Sinfonie ist bemerkenswert. Sie wurde 1955 in Hiroshima aufgeführt, zehn Jahre nach dem Atombombenabwurf, durch die Kansai Symphony Orchestra, die heutige Osaka Philharmonic Orchestra, unter Takashi Asahina. Später geriet das Werk in Vergessenheit. Das Hiroshima Peace Media Center berichtete 2014 über die Wiederauffindung beziehungsweise öffentliche Präsentation der vollständigen Partitur im Hiroshima Municipal Archives und 2015 über eine erneute Aufführung in Hiroshima nach rund sechzig Jahren. Diese Geschichte macht Hiroshima zu einem Werk, dessen kulturelle Bedeutung nicht nur in der Partitur, sondern auch in seiner Erinnerungs- und Wiederaufführungsgeschichte liegt.

Musikalisch lässt sich die Sinfonie als Versuch verstehen, Leid, Katastrophe und Wiederaufrichtung in eine großformale Dramaturgie zu überführen. Ihre besondere Stellung ergibt sich aus der Verbindung von europäischer Sinfonietradition, fernem moralischem Mitgefühl und konkreter Erinnerung an Hiroshima. In diesem Sinn gehört sie nicht nur zur finnischen Musikgeschichte, sondern auch zur internationalen Musikgeschichte der Friedens- und Antiatomthematik.

Kammermusik, Solowerke und pädagogische Stücke

Neben der Sinfonik schrieb Aaltonen Kammermusik und Solowerke. Music Finland führt unter anderem Klaviersonaten, Preludi ja allegro für Violine oder Viola und Klavier, Sonata grande fa maggiore für Oboe und Klavier, Flötenstücke wie Il flauto d’argento und Il flauto di legno, Klavierstücke wie Valzer piccolo, Valzer concertante, Toccata e fuga, Gavotta alla Bach, Romanza und Impressione. Baker/Encyclopedia.com nennt außerdem fünf Streichquartette.

Diese Werke zeigen eine andere Seite Aaltonens. Während die Sinfonien öffentliche und historische Dimensionen ausbilden, sind die Kammer- und Solowerke stärker auf instrumentale Form, technische Beherrschung, Charakterstück, pädagogische Verwendbarkeit und kleinere Ausdrucksräume gerichtet. Die häufig italienischen Titel einzelner Stücke verweisen auf eine klassische und neoklassizistische Bildungssprache, während Walzer- und Tanzformen eine Verbindung zur populären und salonhaften Tradition erkennen lassen.

Besonders interessant ist die Verbindung von pädagogischer Funktion und künstlerischem Anspruch. Music Finland ordnet einige spätere Solostücke ausdrücklich auch den pädagogischen Werken zu. Das passt zu Aaltonens institutioneller Rolle als Musikpädagoge und Leiter musikalischer Einrichtungen. Musik erscheint hier nicht nur als Konzertkunst, sondern auch als Ausbildungsstoff und als Medium der Weitergabe von Spielpraxis.

Chor- und Vokalmusik

Aaltonen schrieb auch Chor- und Vokalmusik. Music Finland nennt unter anderem Arktisen meren äärellä, Jumalien keinu, Lacrimosa, Elämän katoavaisuus und Canto dell’umanità. Die Texte stammen teilweise aus dem Umfeld seiner Ehefrau Annikki Maruna beziehungsweise aus geistlich, existenziell oder humanistisch geprägten Zusammenhängen. Die Vokalmusik schließt Aaltonens Werk an eine finnische Chorkultur an, die traditionell stark mit Sprache, Gemeinschaft und kultureller Selbstverständigung verbunden ist.

Der Titel Canto dell’umanità verweist deutlich auf eine humanistische Dimension. Auch Elämän katoavaisuus, also die Vergänglichkeit des Lebens, zeigt eine existenzielle Thematik. Solche Werke machen sichtbar, dass Aaltonens Musik nicht nur national oder landschaftlich, sondern auch moralisch und anthropologisch gelesen werden kann. Menschlichkeit, Tod, Glauben, Hoffnung, Schwäche und Kraft sind wiederkehrende Sinnfelder.

Die Verbindung von Chor und Orchester hat in Finnland eine besondere Tradition. Chormusik war im 19. und 20. Jahrhundert ein wichtiges Medium nationaler, religiöser, gesellschaftlicher und bildungsbürgerlicher Kultur. Aaltonens Tätigkeit als Leiter des Kullervo-Chors und sein vokales Werk gehören daher zusammen. Er kannte die Chorarbeit nicht nur als Komponist, sondern auch als Dirigent und Praktiker.

Bühnenmusik, Ballett und Film

Baker/Encyclopedia.com nennt bei Aaltonen dramatische Musik, Ballettmusik und Filmmusik. Music Finland führt unter anderem Nummisuutarit als Bühnenwerk beziehungsweise Bühnenmusik. IMDb nennt Aaltonen als Komponisten im Zusammenhang mit Nummisuutarit von 1957 sowie mit dem Kurzfilm Jääkenttien halki Suomeen von 1963. Diese Angaben zeigen, dass Aaltonens Tätigkeit nicht auf den Konzertsaal beschränkt blieb, sondern auch angewandte und mediale Musik einschloss.

Bühnen- und Filmmusik erfordern andere Fähigkeiten als autonome Sinfonik. Sie müssen Szene, Handlung, Körper, Sprache, Rhythmus, Bild und dramaturgischen Verlauf berücksichtigen. Für Aaltonen, der aus der Orchesterpraxis kam und als Dirigent wirkte, war diese Form der angewandten Komposition naheliegend. Auch die Ballettmusik, etwa im Zusammenhang mit Lapponia, verweist auf eine Nähe von Bewegung, Landschaftsvorstellung und musikalischer Form.

Die finnische Bühne und der finnische Film waren im 20. Jahrhundert wichtige Medien nationaler Kultur. Werke wie Nummisuutarit, die auf Aleksis Kivis literarischer Tradition beruhen, gehören zum kulturellen Kernbestand Finnlands. Wenn Aaltonen Musik zu solchen Stoffen schrieb, bewegte er sich nicht nur in einem Unterhaltungsfeld, sondern in einer Zone kultureller Selbstdeutung.

Werküberblick

Der folgende Überblick fasst zentrale Werkgruppen und ausgewählte Werke zusammen. Er ist nicht als vollständiges Werkverzeichnis zu verstehen, sondern als kulturlexikalische Orientierung über die wichtigsten Bereiche von Aaltonens Schaffen.

Kulturgeschichtliche Bedeutung

Aaltonens kulturgeschichtliche Bedeutung liegt in der Verbindung von finnischer Nationaltradition, professioneller Orchesterpraxis und internationaler Nachkriegserfahrung. Er verkörpert eine Komponistengeneration, die nach Sibelius und Madetoja nicht mehr einfach einen nationalen Stil begründen musste, sondern mit dessen Erbe umgehen musste. Das konnte auf verschiedene Weise geschehen: durch Fortschreibung, durch Distanzierung, durch Modernisierung oder durch thematische Erweiterung. Aaltonen wählte überwiegend den Weg der Fortführung und Erweiterung.

Seine Musik zeigt, dass finnische Nationalromantik im 20. Jahrhundert nicht abrupt verschwand. Sie blieb als melodische, harmonische, chorische und landschaftliche Grundhaltung wirksam, wurde aber mit neuen Themen verbunden. Hiroshima ist dafür das stärkste Beispiel: Ein finnischer Komponist verwendet die sinfonische Tradition, um auf ein Ereignis zu antworten, das weit außerhalb Finnlands geschah und doch die gesamte Nachkriegswelt betraf. So wird nationale Musiksprache zum Medium internationaler Anteilnahme.

Auch Aaltonens institutionelle Tätigkeit ist kulturgeschichtlich relevant. Die Leitung eines Chores, die Arbeit in Orchestern und die Tätigkeit an einem regionalen Musikinstitut zeigen, wie Musikleben entsteht: nicht nur durch Meisterwerke, sondern durch Ausbildung, Aufführung, Vereinswesen, Chorarbeit, regionale Kulturpolitik und Repertoirepflege. Aaltonen war in diesem Sinn Teil der musikalischen Infrastruktur Finnlands.

Sein Werk erlaubt außerdem eine differenzierte Sicht auf die finnische Moderne. Nicht alle Musik der Moderne ist avantgardistisch, seriell, experimentell oder radikal. Ein erheblicher Teil der europäischen Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts besteht aus traditionsbewussten, aber zeitgenössisch reagierenden Komponisten. Aaltonen gehört in diese Zone: Er bewahrte tonale, nationale und expressive Grundlagen, behandelte aber Themen und Situationen, die durch das 20. Jahrhundert geprägt waren.

Rezeption, Quellenlage und Nachwirkung

Aaltonen ist außerhalb Finnlands kein kanonischer Name von der Bekanntheit Sibelius’, Rautavaaras oder Saariahos. Dennoch ist sein Werk in spezialisierten Quellen gut greifbar. Music Finland CORE bietet eine umfangreiche Werkdatenbank mit Instrumentationen, Kategorien, Datierungen und Bezugsstellen. Encyclopedia.com/Baker bietet einen kompakten biografischen Lexikonartikel mit den wichtigsten Ausbildungs- und Berufsangaben. Musica International führt ihn als finnischen Komponisten mit Lebensdaten und Herkunftsort. IMDb ergänzt Hinweise auf Film- und Bildschirmarbeiten.

Die Nachwirkung der Zweiten Sinfonie Hiroshima ist besonders auffällig. Während viele Werke Aaltonens im spezialisierten Musikbetrieb verblieben, besitzt Hiroshima eine transnationale Erinnerungsdimension. Die Wiederaufführung in Hiroshima 2015 nach rund sechzig Jahren machte deutlich, dass das Werk nicht nur musikalhistorisch, sondern auch erinnerungspolitisch gelesen werden kann. Es verbindet Finnland, Japan, Nachkriegsgeschichte und Friedensmusik.

Für die weitere Forschung bleiben mehrere Aufgaben. Erstens wäre eine vollständige wissenschaftliche Werkmonografie wünschenswert, die Aaltonens Sinfonik, seine Chorwerke, seine Klavier- und Kammermusik sowie die Bühnen- und Filmmusik zusammenhängend untersucht. Zweitens wäre die Rezeptionsgeschichte der Hiroshima-Sinfonie zwischen Finnland, Japan und Osteuropa genauer zu verfolgen. Drittens wäre Aaltonens Rolle im regionalen finnischen Musikleben, insbesondere in Kemi, als Teil einer breiteren Kulturgeschichte der finnischen Musikausbildung zu erforschen.

Sekundärliteratur, Quellen und Recherchewege

Die Quellenlage zu Erkki Aaltonen ist besser als bei manchen anderen weniger international bekannten finnischen Komponisten, aber verstreut. Für eine kulturlexikalische Darstellung sind Music Finland CORE, internationale Musiklexika, Spezialquellen zur Hiroshima-Sinfonie, Werkdatenbanken, Bibliothekskataloge und finnische Musikgeschichten miteinander zu kombinieren.

Ausgewählte Onlinequellen

• Music Finland CORE: Erkki Aaltonen
• Encyclopedia.com / Baker’s Biographical Dictionary of Musicians: Aaltonen, Erkki (Erik Verner)
• Musica International: Erkki Aaltonen
• Hiroshima Peace Media Center: Full score of “Hiroshima” symphony, conveying strength of Hiroshima people, is found
• Hiroshima Peace Media Center: Aaltonen’s Second Symphony “Hiroshima” performed for first time in 60 years
• IMDb: Erkki Aaltonen

Ausgewählte Literaturhinweise