Clemens Brentano: »Der Spinnerin Nachtlied«

Strophe 1

Vers 1: Es sang vor langen Jahren

Beschreibung: Der Vers eröffnet das Gedicht mit einem Rückblick: Die Sprecherin erinnert sich an ein längst vergangenes Singen, das in unbestimmter Ferne liegt. Die Formulierung „vor langen Jahren“ setzt einen zeitlichen Abstand und legt eine abgeschlossene, vergangene Lebensphase nahe. Konkrete Details fehlen noch; es wird lediglich eine alte, klingende Situation angedeutet.

Analyse: Sprachlich wirkt der Vers schlicht und volksliedhaft: ein einfacher Hauptsatz mit Vergangenheitsform und einer leicht wiegenden Rhythmik. Das unbestimmte „es“ steht an erster Stelle und rückt das Singen selbst, nicht die singende Person, in den Vordergrund. „Vor langen Jahren“ ist eine typische Formel der Volkslied- und Märchensprache; sie öffnet den Text in einen halb historischen, halb märchenhaft verklärten Erinnerungsraum. Damit wird ein Ton von Distanz und Wehmut vorbereitet, ohne ihn schon auszusprechen.

Interpretation: Inhaltlich etabliert der Vers die Grundfigur des Gedichts: Die Gegenwart der Spinnerin wird von einer prägenden Vergangenheit her gedacht. Das namenlose „Singen“ steht symbolisch für eine frühere Zeit des Glücks und der Fülle, die in der Erinnerung noch klingt, aber unwiderruflich verloren ist. Gerade dadurch, dass keine Details genannt werden, erhält die Vergangenheit etwas Allgemeines und exemplarisches: Es geht nicht um eine konkrete Szene allein, sondern um die Erinnerung an eine ganze Lebenszeit, die als Klang, als Musik im Gedächtnis weiterwirkt.

Vers 2: Wohl auch die Nachtigall,

Beschreibung: Nun wird die vage Erinnerung präzisiert: Zu jenem Singen gehörte „wohl auch die Nachtigall“. Die Sprecherin fügt der Szene ein konkretes Naturbild hinzu, den Gesang eines Vogels, der traditionell mit der Nacht und der Liebe verbunden ist. Das „wohl auch“ markiert eine leichte Unsicherheit oder Nachdenklichkeit im Rückblick.

Analyse: Der Vers knüpft direkt an die eröffnete Erinnerung an und konkretisiert das „es sang“ durch ein typisches Nachtliedmotiv. Die Partikel „wohl“ wirkt doppeldeutig: Sie kann ein zustimmendes „ja, gewiss“ bedeuten, aber auch eine leise Vermutung oder ein tastendes Erinnern. Die Stellung der Nachtigall ans Ende des Verses setzt sie klanglich und semantisch in eine starke Position; das Wort ist durch die vorausgehenden l- und weich klingenden Lautfolgen eingebettet und wird so zum Klangzentrum der Strophe.

Interpretation: Die Nachtigall fungiert hier als Chiffre für die ganze Atmosphäre der früheren Liebe: Ihr Gesang steht für Intimität, Dunkelheit, Zärtlichkeit, aber auch schon für spätere Klage. Im Rückblick verschmilzt das Singen der Menschen und das Singen des Vogels zu einem gemeinsamen Klangraum. Das vorsichtige „wohl auch“ deutet an, dass Erinnerung nie vollständig und eindeutig ist; sie rekonstruiert Vergangenes, ergänzt, färbt und mischt. Gerade diese leichte Unschärfe macht den Schmerz der verlorenen Zeit glaubhaft: Man erinnert sich nicht an jede Einzelheit, aber die große, sinnliche Mischung aus menschlichem und naturhaftem Gesang bleibt.

Vers 3: Das war wohl süßer Schall,

Beschreibung: Im dritten Vers bewertet die Sprecherin die erinnerte Klangszene: Sie spricht von „süßem Schall“. Das Vergangene erscheint im Rückblick als etwas wohlklingend Schönes. Wieder steht das Wort „wohl“ im Satz, diesmal vor „süßer Schall“. Die Aussage bleibt damit zugleich betont und leicht schwebend.

Analyse: Grammatisch bezieht sich das Demonstrativpronomen „das“ auf die vorher erwähnten Gesänge, sowohl auf das allgemeine „Es sang“ als auch auf die Nachtigall. „Süßer Schall“ ist eine starke Klangformel, in der die Alliteration von „s“ und „sch“ den weichen, schmeichelnden Ton direkt hörbar macht. Das erneute „wohl“ verstärkt die subjektive Färbung: Es ist nicht nur „objektiv“ schön gewesen, sondern im Empfinden des Ich „wohl süßer Schall“. Gleichzeitig schwingt im Präteritum „war“ mit, dass diese Süße vergangen ist.

Interpretation: Der Vers fasst die emotionalen Qualitäten der verlorenen Zeit zusammen: Sie war „süß“, also lustvoll, tröstlich, wohltuend. Dass der Klang ausdrücklich als „Schall“ bezeichnet wird, unterstreicht die akustische Dimension von Erinnerung: Was bleibt, ist kein Bild, sondern ein Nachhall. Im Zusammenhang des Gedichts wird später deutlich, dass derselbe Klang der Nachtigall, der hier als „süß“ erinnert wird, in der Gegenwart zur „Mahnung“ des Verlustes wird. Vers 3 gehört daher zur hellen Seite der Erinnerung, die den dunklen Gegenton der späteren Strophen schon vorbereitet.

Vers 4: Da wir zusammen waren.

Beschreibung: Der vierte Vers benennt den eigentlichen Kern der erinnerten Situation: Es war jene Zeit, „da wir zusammen waren“. Er macht explizit, dass die Schönheit des „süßen Schalls“ untrennbar mit der Nähe des Geliebten verbunden ist. Das „wir“ tritt zum ersten Mal auf und markiert die frühere Liebesgemeinschaft.

Analyse: Der Vers ist grammatisch ein Nebensatz, der auf die vorherige Aussage bezogen bleibt. Das Temporaladverb „da“ verankert den Klang des Gesangs eindeutig in einer Liebessituation: „süßer Schall“ ist nicht abstrakt, sondern gebunden an ein Du und ein Wir. Dass der Vers eigenständig als abschließende Strophenzeile steht, gibt ihm besonderes Gewicht; er wirkt wie eine Zusammenfassung und zugleich wie ein leiser, wehmütiger Nachsatz. Rhythmisch klingt der Vierheber ruhig aus und setzt einen klaren Schlusspunkt unter die Strophe.

Interpretation: Mit diesem Vers wird deutlich, dass die Erinnerung an den Klang der Nachtigall im Grunde eine Erinnerung an die verlorene Beziehung ist. Das Gedächtnis des Ich hängt am „Zusammen-Sein“, und alles andere – Natur, Musik, Atmosphäre – ist Ausdruck oder Umrahmung dieses Zustands. Zugleich legt der Vers die Folie für die spätere Klage: Wer einst „zusammen“ war, wird nun, im weiteren Gedicht, aus der Perspektive radikaler Einsamkeit sprechen. Damit enthält der Vers bereits die Tragik des Gedichts im Keim: Das „wir“ ist nur noch sprachlich vorhanden, als Echo in einer Zeit, in der dieses Wir faktisch nicht mehr existiert.

Gesamtdeutung der Strophe 1

Die erste Strophe entwirft in vier knappen Versen den Erinnerungsraum, aus dem das ganze Gedicht seine Spannung bezieht. Sie zeigt eine vergangene Szene – oder genauer: eine vergangene Zeit –, in der menschlicher und naturhafter Gesang („es sang“, „die Nachtigall“) zu einem „süßen Schall“ verschmolzen waren, der das Zusammensein zweier Liebender begleitete. In der Konzentration auf Hören und Klang wird deutlich, dass das Gedicht von Anfang an aus der Perspektive eines nachhallenden Gedächtnisses spricht: Was bleibt, sind keine präzisen Bilder oder Handlungsabläufe, sondern eine Stimmung, eine Klangfarbe, in der sich Nähe, Zärtlichkeit und Glück verdichten. Die doppelte Verwendung von „wohl“ („wohl auch die Nachtigall“, „wohl süßer Schall“) macht dabei spürbar, dass dies ein erinnerndes, nicht ein herstellendes Erzählen ist: Das Ich tastet sich an das Vergangene heran, bestätigt es für sich und weiß zugleich, dass es unwiederholbar vergangen ist.

Ästhetisch fungiert die Strophe als Exposition der zentralen Leitmotive: Nachtigall, süßer Klang, das „Wir“ der Liebenden. Sie etabliert eine helle Grundfarbe, die auf den ersten Blick fast idyllisch erscheint. Doch zugleich trägt sie das Moment des Verlustes schon in sich, ohne es auszusprechen: Die Vergangenheitsformen („sang“, „war“) und die Formel „vor langen Jahren“ legen nahe, dass diese Welt nicht mehr existiert. Entscheidend ist, dass der Vers „Da wir zusammen waren“ ganz am Ende steht. Er erklärt die Süße des Schalls als Funktion der Beziehung und lädt die Leser still dazu ein, das Fehlen dieses „Wir“ in der Gegenwart mitzudenken. Die Strophe ist damit eine Art stilles Prologstück: Sie zeigt die geschlossene Welt des Früher – Klang, Natur, Liebe – nur um sie im Rest des Gedichts als verlorene Ganzheit zu reflektieren.

Inhaltlich macht die erste Strophe deutlich, dass „Der Spinnerin Nachtlied“ kein bloßes Natur- oder Stimmungsbild ist, sondern von einer existentiellen Verwundung her spricht. Die Erinnerung an den „süßen Schall“ ist nicht harmlos; sie trägt eine Melancholie in sich, die das Gedicht erst in den folgenden Strophen entfalten wird. Gleichzeitig führt die Strophe vor, wie stark subjektiv und selektiv menschliche Erinnerung funktioniert: Sie hebt wenige, symbolische Elemente hervor – Gesang, Nachtigall, süßer Klang, das Wir –, und in diesen wenigen Elementen konzentriert sich die ganze frühere Lebensfülle. So entsteht ein Spannungsbogen, der für das weitere Gedicht leitend bleibt: Auf der einen Seite das sanft verklärte „damals“, auf der anderen – unausgesprochen, aber vorbereitet – das „jetzt“ der Spinnerin, die allein spinnt und singt. Die erste Strophe ist damit sowohl idyllische Miniatur als auch leiser Auftakt zur Klage, die sich erst in der Konfrontation mit der Gegenwart voll entfalten wird.

Strophe 2

Vers 5: Ich sing' und kann nicht weinen,

Beschreibung: Die Sprecherin beschreibt ihren unmittelbaren Zustand: Sie singt, ist aber zugleich unfähig zu weinen. Der Vers stellt das Ich nun ausdrücklich in den Mittelpunkt und benennt eine Spannung zwischen äußerer Handlung (Singen) und ausgebliebener Gefühlsäußerung (Weinen).

Analyse: Grammatisch liegt ein einfacher, parataktischer Satz mit zwei koordinierten Prädikaten vor („sing'“ / „kann nicht weinen“). Die Konjunktion „und“ verbindet zwei Bewegungen, die eigentlich zusammengehören könnten, hier aber in ein paradoxes Verhältnis treten: Gesang und Tränen stehen nebeneinander, ohne zusammenzufallen. Klanglich wird der Vers von hellen i-Lauten („Ich sing'“, „nicht“) und dem gedehnten „ei“ in „weinen“ getragen; der Binnenrhythmus erzeugt einen leichten Singsang, der die Aussage performativ unterstreicht: Im Sprechen hört man beinahe das „Lied“, von dem die Rede ist. Das „kann nicht“ markiert eine Grenze, eine innere Blockade, die nicht begründet, sondern schlicht festgestellt wird.

Interpretation: Inhaltlich formuliert der Vers eine zentrale Grundspannung der Figur: Die Spinnerin kann ihren Schmerz nicht in Tränen erlösen, sie hält ihn in der Form des Singens gebunden. Das Singen wird damit zu einer Ersatzhandlung: Es tritt an die Stelle der Weinkraft und hält zugleich das Leid präsent, das nicht abfließen kann. Der Vers markiert einen Zustand innerer Erstarrung, in dem Gefühl zwar vorhanden, aber eingeschlossen ist. Zugleich legt er eine poetologische Doppelbedeutung nahe: Das Lied selbst ist die Form, in der das Nicht-Weinenkönnen ausgetragen wird – Dichtung entsteht aus der Unfähigkeit, anders zu reagieren.

Vers 6: Und spinne so allein

Beschreibung: Die Sprecherin ergänzt ihre Selbstaussage um eine zweite Tätigkeit: Sie spinnt, und zwar „so allein“. Der Vers benennt die konkrete äußere Situation – die Arbeit am Spinnrad – und verbindet sie mit der Erfahrung der Einsamkeit.

Analyse: Mit „Und“ wird der Vers eng an Vers 5 angeschlossen: Singen und Spinnen bilden ein Tätigkeitsbündel. Der Satz bleibt elliptisch, das Subjekt „ich“ ist mitgedacht, aber nicht erneut genannt; dadurch rückt der Ausdruck „so allein“ an die betonte Versendung und erhält besonderes Gewicht. Rhythmisch ist der Vers kurz und fast schlagartig: Nach dem längeren, zweigliedrigen Satz von Vers 5 wirkt die knappe Struktur von Vers 6 wie ein kurzer, hingestellter Befund. Sprachlich fällt die Deixis „so“ auf, die die Einsamkeit nicht nur sachlich feststellt, sondern affektiv einfärbt: Es ist nicht irgendein Alleinsein, sondern ein als besonders schmerzlich empfundener Zustand.

Interpretation: Der Vers verankert die innere Spannung aus Vers 5 in einer sehr konkreten Lebenslage. Das Ich singt nicht „abstrakt“, sondern an einem Spinnrad, in einem Raum, in dem niemand sonst anwesend ist. Die Arbeit ist einerseits Bewältigungsstrategie: Spinnen hält Hände und Körper beschäftigt. Andererseits verstärkt sie die Erfahrung der Isolation: Die Spinnerin sitzt bei einer typischen Gemeinschaftstätigkeit der Volksliedtradition – dem Spinnabend – nun eben „so allein“. Der Vers bringt damit die existenzielle Grundfigur der ganzen Dichtung auf den Punkt: Die Liebesgeschichte ist auf einen einsamen, endlosen Arbeitsvorgang zusammengeschrumpft.

Vers 7: Den Faden klar und rein

Beschreibung: Der Vers präzisiert, was genau die Sprecherin spinnt: Es ist „der Faden“, und er wird als „klar und rein“ bezeichnet. Die Aussage bleibt grammatisch an Vers 6 angeschlossen; der Accusativus („den Faden“) hängt noch an „spinne“.

Analyse: Der Vers ist syntaktisch Ergänzung, semantisch jedoch eigenständig stark. Mit „den Faden“ tritt das zentrale Arbeitsobjekt ins Blickfeld, zugleich das zentrale Symbol dieser Strophe. Die Adjektive „klar und rein“ bilden eine feste Paarformel, in der die Alliteration von r-Lauten („klar“, „rein“) und der Gleichlauf von zwei einsilbigen, betonten Wörtern einen kompakten, fast sprichwortartigen Klang erzeugen. Die semantische Verschiebung ist bedeutsam: Was man vom Herz oder Gewissen erwartet, wird hier zunächst auf den Faden bezogen. Das erzeugt eine stille Metaphorisierung: Handwerkliche Sauberkeit und moralische Lauterkeit werden ineinander gespiegelt.

Interpretation: In der Deutung eröffnet dieser Vers eine doppelte Ebene. Wörtlich beschreibt er die Sorgfalt der Spinnerin: Sie arbeitet ordentlich, gleichmäßig, ohne Knoten und Brüche. Symbolisch verweist „klar und rein“ jedoch auf das innere Selbstverständnis des Ich. Der gesponnene Faden wird zur Entsprechung ihres Lebens- und Liebesfadens: Wie der Faden ohne Beimischung und Trübung sein soll, so möchte das Ich seine Treue sehen. Vers 7 ist damit eine Art verschlüsselte Selbstcharakteristik: In ihrem Tun stellt die Spinnerin ihr eigenes Ideal aus. Später, wenn „klar und rein“ vom Faden auf das Herz und den Mond übergeht, wird deutlich, dass dieser Vers den Ausgangspunkt eines umfassenden Reinheitsmotivs bildet.

Vers 8: So lang der Mond wird scheinen.

Beschreibung: Der vierte Vers der Strophe weitet die Perspektive vom Innenraum und der konkreten Tätigkeit auf einen kosmischen Horizont: Die Sprecherin spinnt und singt „so lang der Mond wird scheinen“. Der Zeitraum ihres Tuns wird an den nächtlichen Himmelskörper gekoppelt.

Analyse: „So lang“ leitet einen temporalen Nebensatz ein, der hier die Dauer der beschriebenen Handlung bestimmt. Der Mond tritt zum ersten Mal im Gedicht auf und setzt den Ablauf der Nacht als äußeren Taktgeber. Das Futur „wird scheinen“ betont die Fortdauer: Nicht nur in dieser einen Nacht, sondern prinzipiell, solange der Mond scheint, kann die Szene wiederkehren. Rhythmisch schließt der Vers die Strophe ruhig und ausgreifend ab; der Wechsel von dunklem „o“ („Mond“) und hellem „ei“ („scheinen“) spiegelt die Mischung von Dunkelheit und mildem Licht, die das Szenario bestimmt.

Interpretation: Der Vers erweitert die Einsamkeit der Spinnerin in eine Art kosmische Szene. Ihr Lied und ihr Spinnen stehen nicht im luftleeren Raum, sondern unter dem Licht des Mondes, der in der romantischen Symbolik für Nacht, Innerlichkeit und Sehnsucht steht. „So lang der Mond wird scheinen“ lässt sich doppelt lesen: konkret als Dauer dieser Nachtarbeit und symbolisch als Hinweis auf die Wiederholbarkeit vieler solcher Nächte. Die existenzielle Lage des Ich ist keine Ausnahme, sondern wird zur Struktur: Nacht für Nacht könnte sich dieselbe Konstellation einstellen, unter dem gleichgültig leuchtenden Mond. Damit verschränkt der Vers subjektive Zeit (das ausharrende Jetzt der Spinnerin) mit einer überindividuellen kosmischen Zeitordnung. Die Endlichkeit des Menschen steht vor einem Himmel, der unbeirrt weiterläuft.

Gesamtdeutung der Strophe 2

Die zweite Strophe markiert den entscheidenden Übergang von der erinnerten Vergangenheit zur gegenwärtigen Situation der Sprecherin. Während Strophe 1 den Klangraum des früheren Glücks entfaltet, zeigt Strophe 2 die Gegenwart als Szene des einsamen Ausharrens. In vier Versen wird eine dichte Konstellation sichtbar: ein Ich, das singt, nicht weinen kann, allein spinnt, einen „klar und rein“ gesponnenen Faden in der Hand hält und unter dem Mondlicht arbeitet. Diese Gegenwartsbeschreibung ist keine neutrale Bestandsaufnahme, sondern eine Verdichtung der existentiellen Lage des Gedichts.

Affektiv steht die Strophe im Zeichen einer gespannten Ruhe. Der Satz „Ich sing' und kann nicht weinen“ formuliert die innere Blockade des Schmerzes; die Gefühle sind da, finden aber keinen unmittelbaren, körperlichen Ausdruck. Das Singen übernimmt die Funktion, den Schmerz zu tragen, ohne ihn zu lösen. In „Und spinne so allein“ tritt dazu die Erfahrung äußerster Isolation: Was in Strophe 1 als „wir“ präsent war, erscheint jetzt als Leere. Dass dieser Zustand sich an einer Tätigkeit vollzieht, die traditionell mit Geselligkeit und gemeinsamem Erzählen verbunden ist, verschärft die Einsamkeit noch. Die Spinnerin ist, bildlich gesprochen, die letzte Verbliebene an einem Spinnabend, der längst aufgehoben ist.

Motivisch führt die Strophe zwei Leitfiguren ein, die für das ganze Gedicht prägend sind: den Reinheitsfaden und den Mond. Mit „Den Faden klar und rein“ beginnt die Wanderung der Reinheitsformel, die später Herz und Mond umfassen wird. Sie zeigt, dass die Sprecherin ihre Arbeit, ihr Inneres und die Welt unter denselben Maßstab stellt: Lauterkeit, Unvermischtheit, Treue. Der Faden wird zum Symbol ihres Lebens- und Liebesfadens: bruchlos, sauber, ohne Doppelbindung. Gleichzeitig rückt der Mond die Szene in eine größere Ordnung: Das individuelle Leid ereignet sich unter einem Himmel, der ungerührt seinen Gang geht. Die zeitliche Formel „So lang der Mond wird scheinen“ macht deutlich, dass diese Nacht mehr ist als ein punktueller Augenblick; sie steht stellvertretend für viele Nächte, in denen dieselbe Konstellation wiederkehren kann.

Im Verhältnis zur ersten Strophe wirkt Strophe 2 wie ein harter, aber leise formulierter Kontrast: Auf den „süßen Schall“ des damaligen „Wir“ folgt nun das gebundene Singen einer Einzelnen, die nicht weinen kann. Auf den gemeinsamen Klangraum von Natur und Liebe antwortet der kleine Arbeitsraum der Spinnerin, der nur noch von Mondlicht und innerem Lied erfüllt ist. Form und Sprache verstärken diesen Kontrast, ohne ihn laut auszusprechen: dieselbe einfache Syntax, derselbe ruhige Rhythmus – aber der Inhalt hat sich verschoben von Fülle zu Mangel, von Gemeinschaft zu Einsamkeit, von ungebrochenem Glück zu blockierter Klage.

Damit legt Strophe 2 die existenzielle und poetische Grundsituation des gesamten Gedichts offen. Die Spinnerin ist eine Gestalt an der Grenze: gefangen zwischen Erinnerung und Gegenwart, zwischen dem Wunsch zu weinen und der Unfähigkeit dazu, zwischen einem „klar und rein“ gehaltenen Inneren und einer Welt, in der das Du fehlt. Ihr Singen ist keine dekorative Begleitmusik, sondern der Vollzug ihrer Lage: In jeder Zeile dieser Strophe wird deutlich, dass Sprache und Lied für sie der einzige Ort sind, an dem sie ihre gebundene Sehnsucht wenigstens artikulieren kann. Strophe 2 ist damit die eigentliche „Nachtlied“-Strophe des Gedichts: Sie stellt das dunkle Herz der Erfahrung vor, aus dem die weiteren Strophen – Benennung der Trennung, Gebetsbitte, erneutes Kreisen um Nachtigall und Mond – sich entfalten werden.

Strophe 3

Vers 9: Als wir zusammen waren

Beschreibung: Die Sprecherin setzt erneut an der Erinnerung an: Mit „Als wir zusammen waren“ ruft sie die frühere Zeit der Liebesgemeinschaft auf. Der Vers ist ein eingeleiteter Nebensatz, der eine vergangene Situation markiert, in der das „Wir“ tatsächlich Realität war.

Analyse: Grammatisch knüpft der Vers an die Struktur der ersten Strophe an („Da wir zusammen waren“) und variiert sie nur minimal: Statt „da“ steht nun „als“ am Satzanfang. Beide Konnektoren sind temporale Marker, doch „als“ hebt den Charakter eines einmaligen, abgeschlossenen Zeitraums in der Vergangenheit hervor. Der Vers bleibt syntaktisch unvollständig und verlangt eine Fortsetzung, die im nächsten Vers mit „Da sang die Nachtigall“ geliefert wird. Rhythmisch wirkt der Vers ruhig und wie ein Anlauf: Er bereitet die erneute Verknüpfung von Liebeszeit und Nachtigallengesang vor und stellt das „Wir“ wieder ins Zentrum.

Interpretation: Inhaltlich zeigt sich hier, wie stark die Selbstwahrnehmung des Ich an dieses „Wir“ gebunden ist. Der Vers wiederholt die Grundformel der ersten Strophe, doch nun steht sie nicht mehr am Ende als leiser Nachsatz, sondern bildet den Auftakt zu einer Strophe, in der die Trennung ausdrücklich benannt wird. Die Erinnerung an die gemeinsame Zeit ist nicht bloß nostalgisch, sondern dient als Kontrastfolie: Sie macht schärfer sichtbar, was verloren wurde. Die minimale Variation von „Da wir zusammen waren“ zu „Als wir zusammen waren“ unterstreicht, dass dieselbe Erinnerung nun aus einer veränderten inneren Lage heraus aufgerufen wird; die Szene wird erneut betreten, aber der Ton ist kurz davor, ins Schmerzhafte umzuschlagen.

Vers 10: Da sang die Nachtigall

Beschreibung: Der Vers ergänzt die begonnene Erinnerung: In jener Zeit des Zusammenseins „sang die Nachtigall“. Die früh eingeführte Vogelgestalt wird erneut als Begleiterin der Liebesgemeinschaft genannt. Der Vers knüpft direkt an Vers 9 an und füllt den erinnernden Nebensatz mit konkretem Inhalt.

Analyse: Mit dem einleitenden „Da“ wird der Bezug zwischen der Zeit des Zusammenseins und dem Gesang der Nachtigall zeitlich eng gezogen: Gerade damals sang sie. Im Vergleich zur ersten Strophe („Es sang vor langen Jahren / Wohl auch die Nachtigall“) ist die Formulierung nun direkter und knapper: Das diffuse „Es sang“ ist einem klaren Subjekt-Prädikat-Satz gewichen. Diese Zuspitzung verstärkt die Funktion der Nachtigall als zentrales Motiv. Lautlich wiederholen sich das helle „a“ und das weiche „ll“, die den Vogel bereits zuvor charakterisiert haben, und geben dem Vers eine sanfte Klangfarbe. Zugleich wirkt der einfache Satz wie eine Feststellung, die die Erinnerung verankert.

Interpretation: Der Vers macht die Nachtigall endgültig zum Signaturzeichen der vergangenen Liebeszeit. Ihr Gesang ist nicht nur Beiwerk, sondern gehört wesentlich zu der Harmonie, in der das „Wir“ stand. Die Bewegung der Strophe 3 ist damit zunächst eine erneute Vergewisserung: Ja, damals sang die Nachtigall – genau so, wie es in Strophe 1 angedeutet war. Doch gerade diese Vergewisserung bereitet die Wendung in Vers 11 vor: Der gleiche Gesang, den das Ich hier noch einmal dem Glück zuordnet, wird gleich darauf zur Mahnung des Verlustes. Vers 10 gehört damit in einen kurzen Augenblick der erneuten inneren Präsenz des Glücks, der im nächsten Vers scharf umgedeutet wird.

Vers 11: Nun mahnet mich ihr Schall

Beschreibung: Die Sprecherin schlägt schlagartig in die Gegenwart um: „Nun“ – jetzt, in der aktuellen Situation – „mahnet“ sie der Schall der Nachtigall. Der Vers formuliert den Bedeutungswandel des Vogelgesangs: Aus „süßem Schall“ ist eine Mahnung geworden.

Analyse: Das Adverb „Nun“ markiert einen deutlichen Zeitsprung und ist eines der wichtigsten Signalwörter des Gedichts. Es kontrastiert das eben erinnerte „Als wir zusammen waren“ mit der jetzigen Lage. Inhaltlich und grammatisch wird der Gesang der Nachtigall personifiziert: Ihr „Schall“ wird zum aktiven „Mahner“, der das Ich anspricht und erinnert. Der Vers ist knapp, in sich geschlossen, mit einer deutlichen Betonung auf „mahnet“, das durch die klassische, leicht altertümelnde Endung „-et“ besonders hervorgehoben wird. Lautlich kehren die weichen s- und sch-Laute aus „süßer Schall“ wieder, doch das Verb „mahnet“ gibt ihnen einen neuen affektiven Akzent.

Interpretation: In diesem Vers kippt die Funktion des Nachtigallenmotivs. Was einst „süßer Schall“ war, ist nun eine schmerzhafte Erinnerung an das, was fehlt. Der Gesang der Nachtigall ist damit zum akustischen Gedächtnis geworden: Er zwingt das Ich, sich der Trennung zu stellen. „Nun“ markiert die Gegenwart der Wunde; der Klang, der früher nur Glück begleitete, schneidet jetzt wie eine Erinnerungsklinge in die Seele. Die Natur ist damit nicht neutral, sondern aktiv beteiligt am inneren Prozess der Spinnerin: Sie vermittelt ihr die Wahrheit ihrer Lage, ob sie will oder nicht. Vers 11 zeigt, wie eng in diesem Gedicht Naturwahrnehmung und seelische Selbstkonfrontation verschränkt sind.

Vers 12: Daß du von mir gefahren.

Beschreibung: Der letzte Vers der Strophe benennt endlich den Grund für die Klage: Der Geliebte ist „von mir gefahren“. Der Vers setzt den Inhalt, an den der Schall der Nachtigall nun erinnert: nicht mehr das Zusammensein, sondern die Trennung. Grammatisch handelt es sich um einen abhängigen Nebensatz, der an „mahnet mich“ anschließt.

Analyse: Die Konjunktion „daß“ bindet den Vers eng an Vers 11: Woran mahnt der Schall? Daran, „daß du von mir gefahren“. Die Konstruktion verzichtet auf jede Ausschmückung; kein Adverb, kein Orts- oder Zeitzusatz relativiert oder erklärt das „Fahren“. Gerade die Kürze und Kargheit des Ausdrucks machen seine Wucht aus. Das Verb „fahren“ ist semantisch offen: Es kann schlichtes Wegfahren, dauernde Abreise oder, in manchen Lesarten, sogar den Tod andeuten. Die Perspektive bleibt diejenige des verlassenen Ich: Nicht „du bist gefahren“, sondern „du bist von mir gefahren“ – die Trennung ist radikal personalisiert.

Interpretation: Mit diesem Vers wird die bis dahin nur implizit spürbare Wunde explizit ausgesprochen. Die Strophe schließt mit der nüchternen, aber schmerzgesättigten Benennung des Verlustes. Dass Brentano das verhältnismäßig weiche, unscharfe Verb „fahren“ wählt, verstärkt die Unschärfe der Situation: Wir erfahren nichts über Gründe oder Umstände, nur das Faktum der Distanz. Für die Spinnerin ist dies das entscheidende Wissen: Du bist weg, von mir fort. In der Struktur der Strophe erscheint dieser Vers als „dunkle“ Antwort auf die helle Formel „Als wir zusammen waren“: Die Nachtigall mahnt nicht irgendeine abstrakte Wahrheit, sondern die Erfahrung, dass das einstige Wir in ein asymmetrisches Verhältnis von Dasein und Wegsein zerfallen ist. Damit ist der existenzielle Kern des Gedichts benannt.

Gesamtdeutung der Strophe 3

Strophe 3 bildet den eigentlichen Wendepunkt im Gedicht. Während Strophe 1 die Vergangenheit in zart verklärtem Licht zeigt und Strophe 2 die gegenwärtige Einsamkeit der Spinnerin in Szene setzt, bringt Strophe 3 beide Zeitebenen in eine spannungsvolle Konfrontation. Die Struktur der vier Verse zeichnet genau diese Bewegung nach: Zunächst wird nochmals die glückliche Zeit beschworen („Als wir zusammen waren“), dann der Nachtigallengesang als Kennzeichen dieses Glücks bestätigt („Da sang die Nachtigall“), um anschließend durch das kleine Wort „Nun“ in eine völlig andere Funktion überführt zu werden: derselbe Schall wird zur Mahnung an die Trennung („Nun mahnet mich ihr Schall / Daß du von mir gefahren“).

In dieser Strophe zeigt sich exemplarisch die Art, wie Erinnerung in „Der Spinnerin Nachtlied“ funktioniert. Die Vergangenheit ist nicht bloß ein abgeschlossener Block, den man kontemplativ betrachtet, sondern eine lebendige Kraft, die in der Gegenwart neu aufbricht. Die Nachtigall fungiert dabei als Medium dieser Wiederkehr: Ihr Gesang verbindet „damals“ und „jetzt“ unauflöslich. Was in der ersten Strophe noch als „süßer Schall“ erinnert wurde, erweist sich nun als zweischneidig: Gerade, weil derselbe Klang weiter existiert, schmerzt das Nicht-mehr-Zusammen-Sein umso mehr. Die äußere Natur ist damit weder tröstliches Dekor noch bloßer Spiegel des Inneren; sie wird zum unbestechlichen Zeugen der Geschichte, der die Spinnerin immer wieder mit der Wahrheit ihres Verlustes konfrontiert.

Gleichzeitig bringt Strophe 3 das Liebesschicksal auf eine reduzierte, aber sehr prägnante Formel. Mehr als „du bist von mir gefahren“ erfahren wir nicht. Diese inhaltliche Karge ist poetisch hoch wirksam: Sie lässt alle Fragen nach dem Wie, Warum und Wohin offen und konzentriert den Blick auf das reine Faktum des Getrenntseins. Die Spinnerin lebt nicht von Erklärungen, sondern von der nackten Erfahrung von Nähe und Abstand. Die Strophe vernichtet damit endgültig jede Möglichkeit, die Erinnerung an das frühere „Wir“ als harmlose, süß-melancholische Idylle zu lesen: Im Wort „gefahren“ steckt eine endgültige Trennung, die alles Vergangene überschattet.

So betrachtet, ist Strophe 3 der Knotenpunkt, an dem sich die großen Linien des Gedichts kreuzen: die schöne, musikgetragene Vergangenheit, die einsame, sich in Arbeit und Lied haltende Gegenwart und die offene, schmerzhafte Frage nach der Zukunft, die nur noch als Bitte an Gott formuliert werden kann. Die Nachtigall, die hier vom Glückszeichen zur Mahnerin wird, führt direkt zur späteren Gebetsformel „Gott wolle uns vereinen“: Wenn der Naturklang nur noch an die Trennung erinnert, bleibt als letzte Möglichkeit, die Geschichte in einen größeren Sinnzusammenhang zu stellen. Strophe 3 ist damit nicht nur ein weiterer Erinnerungsblock, sondern das psychologische und poetische Scharnier, an dem die Klageform des Gedichts sich voll ausbildet.

Strophe 4

Vers 13: So oft der Mond mag scheinen,

Beschreibung: Die Sprecherin beschreibt eine wiederkehrende Situation: Immer dann, wenn der Mond scheint, geschieht etwas Bestimmtes. Der Vers nennt zunächst nur das äußere Naturphänomen – den Mondschein –, deutet aber durch die Formel „so oft“ eine regelmäßige Wiederholung an. Die Szene bleibt zeitlich offen, meint jedoch erkennbar immer wiederkehrende Nächte.

Analyse: Grammatisch liegt ein temporaler Nebensatz vor, der anzeigt, wann etwas anderes (im nächsten Vers) geschieht. Das einleitende „So oft“ signalisiert Gewohnheit und Regelhaftigkeit, der Modalverbgebrauch „mag scheinen“ verstärkt den Eindruck einer offenen, potentiellen Wiederholung: Der Mond „mag“ scheinen, und jedes Mal stellt sich derselbe innere Vorgang ein. Mit „der Mond“ tritt ein neues zentrales Naturmotiv auf, das in der romantischen Lyrik mit Nacht, Innerlichkeit und Sehnsucht verbunden ist. Klanglich strukturieren die dunklen o-Laute („So oft“, „Mond“) und das helle ei in „scheinen“ den Vers und spiegeln bereits das Grundbild: dunkle Nacht und mildes Licht.

Interpretation: Inhaltlich weitet der Vers die Situation der Spinnerin in einen kosmischen Rahmen: Ihr Erleben ist an den Lauf des Mondes gebunden. Jeder Mondaufgang wird zum Auslöser eines seelischen Vorgangs, der im folgenden Vers benannt wird. Die Formulierung „so oft“ deutet an, dass das Leid des Ich nicht punktuell, sondern strukturell ist: Die Erinnerung an den Geliebten ist an den Rhythmus der Natur gekoppelt und kehrt zwangsläufig wieder. Der Vers macht damit deutlich, dass die innere Bewegung der Sprecherin mit einer größeren, zeitlich übergeordneten Ordnung verschränkt ist; ihre Einsamkeit steht unter einem unbeirrt weiterlaufenden Himmel.

Vers 14: Denk' ich wohl dein allein,

Beschreibung: Der Vers ergänzt, was in den Mondnächten geschieht: Die Sprecherin denkt dann „dein allein“, das heißt, sie richtet ihre Gedanken ausschließlich auf den Geliebten. Die innere Reaktion auf das Naturzeichen wird explizit gemacht. Das „wohl“ nimmt den Ton leiser Selbstbestätigung oder auch staunender Selbstbeobachtung auf.

Analyse: Syntaktisch schließt der Vers direkt an den vorangehenden Nebensatz an und bildet den Hauptsatz, der die Folge des Mondscheins beschreibt. Die Ellipse des Subjekts („ich“) und der Gebrauch des alten Genitivs „dein“ unterstreichen den volksliedhaften Ton. „Allein“ steht am Versende und erhält so besonderes Gewicht; es bezieht sich nicht nur auf den Gegenstand des Denkens (nur du), sondern resoniert mit der bereits zuvor benannten Erfahrungen des Alleinseins. Das kleine Wort „wohl“ fungiert ähnlich wie in den früheren Strophen: Es färbt die Aussage subjektiv ein, als tastende, aber überzeugte Selbstbeschreibung.

Interpretation: Der Vers zeigt, wie radikal das Bewusstsein der Spinnerin auf das verlorene Du hin fixiert ist. Der Mond löst keine allgemeine Kontemplation, keine diffuse Stimmung aus, sondern lenkt das Denken zielgerichtet auf den einen Menschen. „Dein allein“ formuliert ein scharfes Exklusivitätsverhältnis: Es gibt in diesen Nächten keinen anderen Inhalt, keine Ablenkung, keine zweite Adresse. Gleichzeitig spiegelt der Vers die Doppelbedeutung von „allein“: Die Sprecherin ist äußerlich allein und innerlich ausschließlich auf den Geliebten konzentriert. Das Denken wird als unwillkürlicher, von außen angestoßener Akt gezeigt – nicht als willentliches Grübeln, sondern als etwas, das „so oft der Mond mag scheinen“ einfach geschieht. Damit wird deutlich, wie sehr das Ich als affektiv gebundenes Wesen erscheint, dessen Bewusstsein vom Geliebten gleichsam okkupiert ist.

Vers 15: Mein Herz ist klar und rein,

Beschreibung: Nun spricht die Sprecherin ausdrücklich über ihren inneren Zustand: Ihr Herz, also ihre Gefühls- und Willensmitte, sei „klar und rein“. Der Vers formuliert eine Selbstdiagnose, ja fast ein Selbstbekenntnis: Das Ich erklärt seine innere Haltung gegenüber dem Geliebten und vor Gott.

Analyse: Der Vers ist ein geschlossener Aussagesatz, der syntaktisch unabhängig wirkt und wie ein kurzer, fester Grundsatz im Strophenzusammenhang steht. Mit dem Possessivpronomen „mein“ und dem Substantiv „Herz“ wird das Innere der Sprecherin personalisiert und zu einem eigenen Gegenstand der Betrachtung. Die Adjektivformel „klar und rein“ ist bereits in Strophe 2 eingeführt worden, dort bezogen auf den Faden („Den Faden klar und rein“). Jetzt wandert dieselbe Formel auf das Herz über. Klanglich bildet sie eine kompakte Einheit; die Abfolge zweier betonter Einsilbler mit ähnlichem Lautbestand gibt dem Vers etwas Spruchhaftes. Dadurch erhält die Aussage das Gewicht eines ethischen und religiösen Programms, nicht bloß einer momentanen Stimmung.

Interpretation: Mit dieser Selbstbeschreibung versucht die Sprecherin, eine innere Ordnung und Lauterkeit zu behaupten, die ihrer Liebe Sinn und Würde verleiht. Das Herz soll durchsichtig, unverstellt, frei von Doppelspiel und Schuld sein. Dass dieselbe Reinheitsformel zuvor den Faden bezeichnete, legt eine symbolische Entsprechung nahe: Die sorgfältige, saubere Arbeit am Spinnrad wird zum Bild für die Sorgfalt im inneren Leben. Die Spinnerin versteht ihre Treue zum Geliebten als etwas, das vor einem höheren Maßstab bestehen muss. Gerade im Zusammenhang mit der folgenden Gebetsbitte erhält der Vers eine theologische Konnotation: Ein „klares und reines“ Herz ist ein Herz, das vor Gott bestehen kann. So wird der Liebesschmerz in einen moralisch-religiösen Horizont gestellt; das Ich deutet seine eigene Existenz nicht nur als leidend und begehrend, sondern auch als verantwortliches, sich prüfendes Herz.

Vers 16: Gott wolle uns vereinen.

Beschreibung: Im letzten Vers der Strophe wendet sich die Sprecherin mit einer Bitte an Gott: Er möge sie und den Geliebten „vereinen“. Die Trennung, die bisher nur als menschliches Schicksal erscheint, wird hier ausdrücklich in ein Gottesverhältnis hineingenommen. Der Vers hat den Charakter eines Gebets oder einer frommen Wunschformel.

Analyse: Sprachlich liegt ein verkürzter Wunschsatz im Konjunktiv vor. Das Prädikat „wolle“ markiert den optativen Charakter: Es geht nicht um Feststellung, sondern um das, was Gott tun möge. „Gott“ steht ohne Artikel, direkt am Versanfang, und wird dadurch besonders hervorgehoben. Das Verb „vereinen“ ist semantisch auffällig weit: Es meint zunächst die Wiederherstellung der Beziehung zwischen Ich und Du, kann aber auch, gerade in religiöser Sprache, auf eine endgültige, jenseitige Einheit zielen. Der Vers schließt metrisch und klanglich die Strophe in ruhigem, gewichtigen Ton ab; er bildet zugleich Höhepunkt und Abschluss des inneren Bewegungsbogens.

Interpretation: Mit dieser Gebetszeile öffnet sich das Gedicht endgültig in eine transzendente Dimension. Die Sprecherin erkennt, dass die Erfüllung ihres Begehrens nicht in ihrer eigenen Macht liegt. Die Vereinigung mit dem Geliebten ist nicht mehr nur als diesseitiges Wiedersehen gedacht, sondern als Geschenk, das allein bei Gott steht. Der Vers bündelt die vorhergehenden Aussagen: Die Regelmäßigkeit des Mondscheins, das unablässige Denken an den Geliebten und die Behauptung eines „klaren und reinen“ Herzens finden in der Bitte an Gott ihren Zielpunkt. Das Ich stellt sein Liebesschicksal aus der Ebene des Zufalls heraus in einen Sinnhorizont, in dem Treue, Reinheit und Vereinigung als von Gott gesehene und möglicherweise zu vollendende Größen erscheinen. So wird die persönliche Klage zu einem stillen, theologischen Vertrauensakt.

Gesamtdeutung der Strophe 4

Die vierte Strophe bildet das geistige und theologische Zentrum des Gedichts. Während Strophe 3 den Schmerz der Trennung explizit gemacht hat, zeigt Strophe 4, wie die Spinnerin mit dieser Erfahrung innerlich umgeht und welchen Deutungsrahmen sie ihr gibt. In einer klaren Progression führt die Strophe vom kosmischen Zeichen (Mond), über den inneren Vorgang des Denkens, zur Selbstdeutung des Herzens und schließlich zur Gebetsbitte: Außenwelt – Bewusstsein – moralisch-religiöse Selbstprüfung – Transzendenz. Diese Gestaffelung macht sichtbar, in welcher Ordnung sich die Welt der Spinnerin bewegt.

Zunächst wird die regelmäßige Wiederkehr des Mondes als äußeres Signal markiert, das die seelische Bewegung in Gang setzt. Die Formulierung „So oft der Mond mag scheinen“ zeigt, dass das Leid des Ich nicht episodisch, sondern mit der zyklischen Struktur der Nacht verbunden ist. Der Mond ist der stille Taktgeber eines Daseins, das von nächtlicher Erinnerung und Sehnsucht durchzogen ist. Jede neue Nacht bringt, gleichsam zwangsläufig, den Geliebten ins Bewusstsein zurück. Das Denken ist nicht frei flottierend, sondern an ein Naturzeichen gebunden, das in der romantischen Bildsprache als Träger von Innerlichkeit und Transzendenz gilt.

Im zweiten Schritt tritt die Exklusivität der Bindung hervor: „Denk' ich wohl dein allein“ formuliert ein auf den Geliebten konzentriertes Bewusstsein. Die Spinnerin hat keine alternative Sinnmitte; ihr inneres Leben ist auf dieses „Du“ hin ausgerichtet. Damit werden Treue und Fixierung zugleich sichtbar: Es gibt nur diesen einen, an den gedacht wird, und in diesem Denken erneuert sich jede Nacht die Erfahrung des Verlustes. Die Natur ist dabei nicht neutraler Hintergrund, sondern ein Mitspieler, der das Ich immer wieder in diese innere Konstellation zurückruft.

Vor diesem Hintergrund gewinnt der Satz „Mein Herz ist klar und rein“ besonderes Gewicht. Die Strophe beschränkt sich nicht darauf, das Leiden und das Begehren zu beschreiben, sondern führt eine ethisch-theologische Kategorie ein. Das Herz der Spinnerin will sich als unverfälscht, unvermischt und schuldlos verstehen. Die bereits bekannte Formel „klar und rein“ wird von der äußeren Arbeit (Faden) auf das Innere übertragen. So wird das eigene Liebesverhältnis als etwas verstanden, das einen sittlichen Wert hat, der auch vor Gott Bestand haben soll. Die, menschlich gesprochen, „unproduktive“ Situation des Wartens erhält im Licht dieses Begriffs von Reinheit eine eigene Würde.

In der abschließenden Bitte „Gott wolle uns vereinen“ verdichtet sich die gesamte Bewegung der Strophe. Die Spinnerin versucht nicht, die Trennung mit eigenen Mitteln zu überwinden; sie gibt sie in Gottes Hand. Es bleibt offen, ob sie an ein diesseitiges Wiedersehen denkt oder eher an eine jenseitige Vollendung. Entscheidend ist, dass die Geschichte ihrer Liebe in einen größeren Deutungshorizont gestellt wird, in dem sie nicht bloß privates Schicksal, sondern Teil eines von Gott gesehenen Lebens ist. Das Gedicht artikuliert hier eine leise, unaufdringliche Glaubenshaltung: Die Freiheit Gottes wird anerkannt, und doch wird das eigene Begehren nicht zurückgenommen, sondern beharrlich in der Bitte formuliert.

Strophe 4 verbindet damit die psychologische, moralische und theologische Dimension des Gedichts auf engstem Raum. Psychologisch zeigt sie die Unausweichlichkeit der Erinnerung und die Tiefe der Bindung; moralisch betont sie die Lauterkeit des Herzens; theologisch öffnet sie diese Konstellation in ein Vertrauensverhältnis zu Gott. So betrachtet, ist diese Strophe der Ort, an dem „Der Spinnerin Nachtlied“ über ein bloßes Liebes- und Klagelied hinausweist und zu einer poetisch verdichteten Existenzmeditation wird: Der Mensch als endliches, leidendes, begehrendes Herz, das im Mondlicht der Zeit vor Gott seine Sehnsucht zur Sprache bringt.

Strophe 5

Vers 17: Seit du von mir gefahren,

Beschreibung: Die Sprecherin setzt mit „Seit du von mir gefahren“ einen neuen zeitlichen Ausgangspunkt: Der Vers markiert den Beginn der Trennungszeit, die bis in die Gegenwart hinein andauert. Im Mittelpunkt steht das „du“, der Geliebte, der von ihr weggegangen ist. Der Vers ist als temporaler Nebensatz gebaut und bleibt syntaktisch unvollständig; die Hauptaussage folgt in Vers 18.

Analyse: Das einleitende „Seit“ unterscheidet sich deutlich vom „Als“ in Vers 9: Während „als“ eine abgeschlossene Situation in der Vergangenheit umreißt, beschreibt „seit“ einen Zeitraum, der mit dem Weggang des Geliebten begonnen hat und bis heute fortwirkt. Die Konstruktion „von mir gefahren“ knüpft direkt an Vers 12 an und wiederholt das Verb „fahren“ unverändert, wodurch die Trennung noch einmal betont wird. Dass das Hilfsverb („bist“) ausgelassen ist, verstärkt den Volksliedton und gibt dem Vers etwas Sprichwortartiges: Die Konstellation „seit du von mir gefahren“ steht wie eine feststehende Formel für die ganze nachfolgende Lebenszeit. Klanglich unterstreichen die gedehnten a-Laute („Seit“, „von mir gefahren“) die Schwere und Dauerhaftigkeit des Ereignisses.

Interpretation: Inhaltlich verschiebt der Vers die Perspektive vom punktuellen Schock der Trennung zu ihrer langfristigen, biographischen Wirkung. Nicht nur „damals“ ist etwas geschehen, sondern seit diesem „Fahren“ ist alles anders. Die gesamte Gegenwart der Spinnerin erhält damit ihren Stempel: Sie ist die Zeit „seit du von mir gefahren“. Der Vers bündelt das Gefühl, dass das Leben sich in ein Davor und Danach gespalten hat. Dass die Formulierung erneut den personalisierenden Zusatz „von mir“ enthält, macht deutlich: Es geht nicht um irgendeine Reise, sondern um ein Verlassen im streng persönlichen Sinn. Der Vers legt damit das Fundament, auf dem die folgenden Behauptungen über den Gesang der Nachtigall und das Denken des Ichs aufruhen.

Vers 18: Singt stets die Nachtigall,

Beschreibung: Der Vers formuliert die Hauptaussage, die an Vers 17 angeschlossen ist: Seit der Trennung „singt stets die Nachtigall“. Der Gesang des Vogels erscheint als etwas Dauerhaftes, immer Wiederkehrendes. Die Nachtigall wird erneut als zentrale Naturfigur des Gedichts in die Gegenwartssituation hineingeholt.

Analyse: Grammatisch fungiert der Vers als Hauptsatz zum einleitenden „Seit“-Nebensatz. Das Verb „singt“ steht im Präsens und wird durch das Adverb „stets“ intensiviert, das eine ununterbrochene oder doch ständig wiederkehrende Aktivität bezeichnet. Die Wortstellung – das Verb an erster Stelle, dann „stets die Nachtigall“ – gibt dem Satz etwas Sentenzhaftes und verstärkt den Eindruck einer allgemeinen Lebensregel: Seit der Trennung ist es so, dass die Nachtigall immer singt. Im Vergleich zu den früheren Formen („Es sang vor langen Jahren“, „Da sang die Nachtigall“, „Nun mahnet mich ihr Schall“) ist dies die am stärksten generalisierte Aussage: Der Gesang ist kein einzelner Vorfall, sondern ein permanenter Zustand.

Interpretation: Inhaltlich beschreibt der Vers weniger eine naturkundliche Tatsache als eine subjektive Erfahrung: Für die Spinnerin scheint die Nachtigall „stets“ zu singen, weil jeder ihrer Auftritte emotional so stark besetzt ist. Der Gesang wird zur akustischen Grundkulisse der Trennungszeit. Das „stets“ macht deutlich, dass sich das Ich seiner Vergangenheit und seines Verlustes nie wirklich entziehen kann: Immer wieder, gleichsam unablässig, dringt der Vogelgesang in ihre Gegenwart ein. Zugleich verschiebt sich hier die Funktion der Nachtigall noch einmal: Sie ist nicht mehr nur Begleiterin des Glücks (Strophe 1) und Mahnerin des Verlustes (Strophe 3), sondern ein dauerhaft wirkender Resonanzträger, der die gesamte nachträgliche Lebenszeit akustisch einfärbt. In dieser Perspektive wirkt die Natur wie ein nicht abstellbares Erinnerungsinstrument.

Vers 19: Ich denk' bei ihrem Schall,

Beschreibung: Die Sprecherin beschreibt, wie sie auf den Gesang der Nachtigall reagiert: „Ich denk' bei ihrem Schall“ – ihr Denken setzt ein, während oder ausgelöst durch diesen Klang. Der Vers verbindet den äußeren Laut mit einem inneren Prozess. Die Aussage bleibt noch offen; der Inhalt des Denkens wird erst im folgenden Vers genannt.

Analyse: Syntaktisch bildet der Vers einen einfachen Hauptsatz, der sich direkt an Vers 18 anschließt. Das Ich tritt nun ausdrücklich in der ersten Person auf und markiert den inneren Pol der Konstellation „Nachtigall – Spinnerin“. Die Präposition „bei“ ist bemerkenswert: Das Denken geschieht nicht nur „wegen“ des Schalls, sondern „bei“ ihm, also im Vollzug des Hörens. Es handelt sich um ein simultanes, einbettendes Geschehen. Klanglich wiederholt „Schall“ den bereits etablierten Schlüsselbegriff aus Strophe 1 und 3 („süßer Schall“, „ihr Schall“) und verbindet so die neue Aussage mit der älteren Erinnerungsstruktur. Der Vers hat einen ruhigen Binnenrhythmus, der das Ineinandergreifen von Außen- und Innenwelt spürbar macht.

Interpretation: Der Vers verdeutlicht, wie eng die Naturwahrnehmung mit der seelischen Selbstbewegung der Spinnerin verschränkt ist. Der Gesang der Nachtigall löst nicht irgendetwas in ihr aus, sondern er ist das Milieu, in dem ihr Denken geschieht. Man kann sagen: Ihr Bewusstsein „schwingt mit“ im Schall des Vogels. Während früher der Schall zunächst als „süß“ und später als „mahnend“ charakterisiert wurde, wird jetzt der subjektive Prozess dazwischen gestellt: das Denken, das sich beim Hören einstellt. Der Vers betont, dass dieses Denken nicht frei wählbar ist; es ist mit dem Schall gleichsam gekoppelt. Damit wird das Bild eines Ichs gezeichnet, das von einem äußeren Klang immer wieder in denselben Gedankenraum hineingezogen wird.

Vers 20: Wie wir zusammen waren.

Beschreibung: Der vierte Vers der Strophe gibt den Inhalt des Denkens preis: Die Sprecherin denkt „wie wir zusammen waren“, also an die frühere Zeit der Liebesgemeinschaft. Damit schließt sich der Kreis zur ersten und dritten Strophe, in denen dieselbe Formel bereits vorkam. Der Vers ist syntaktisch als Vergleichs- oder Erinnerungssatz an Vers 19 angeschlossen.

Analyse: Das einleitende „Wie“ knüpft an Vers 19 an: „Ich denk’ … wie wir zusammen waren“. „Wie“ kann sowohl vergleichend („in welcher Weise“) als auch im Sinn von „dass“ bzw. „daran, wie“ gelesen werden. In jedem Fall fungiert der Vers als präzise Bestimmung des Denk-Inhalts. Die Formulierung „wir zusammen waren“ wiederholt die zentrale „Wir“-Formel aus Strophe 1 und 3 fast wörtlich. Dass diese Worte erneut als Strophenschluss stehen, verleiht ihnen erneut besonderen Nachdruck: Wie in der ersten Strophe bildet das „Wir“ den melancholischen Endakkord. Lautlich bewahren die weichen a-Laute und das sanfte „w“ die anfangs etablierte Klangfarbe des Erinnerungsidylls, das nun nur noch im Denken existiert.

Interpretation: Dieser Vers zeigt, dass die Spinnerin im Hören der Nachtigall immer wieder in dieselbe innere Szene zurückkehrt: die Zeit des Beisammenseins. Was in der ersten Strophe noch als relativ offene Erinnerungsstimmung präsentiert wurde, erscheint nun als festes, gleichsam zwanghaft wiederkehrendes Bild. Die Nachtigall singt „stets“, und bei ihrem Schall denkt das Ich immer wieder an „wie wir zusammen waren“. So entsteht ein geschlossener Kreis von Naturklang und Erinnerung, aus dem die Sprecherin nicht ausbrechen kann. Der Vers ist zugleich schmerzhafte Selbstvergewisserung und Weigerung zu vergessen: Indem sie immer wieder an das vergangene „Wir“ denkt, hält sie es am Leben – und hält damit zugleich die Wunde der Trennung offen.

Gesamtdeutung der Strophe 5

Strophe 5 führt die in Strophe 3 etablierte Konstellation von Nachtigall, Trennung und Erinnerung weiter, verschiebt sie aber deutlich vom punktuellen Umschlag zur Darstellung einer dauerhaften Struktur. Während in Strophe 3 der Akzent auf dem „Nun“ lag – dem Moment, in dem der Schall der Nachtigall plötzlich zur Mahnung an den Weggang des Geliebten wurde –, dominiert hier die Perspektive von „Seit“ und „stets“. Die Strophe zeichnet ein Bild der Zeit „nachher“: Seit der Trennung ist das Leben der Spinnerin bestimmt von einem immer wiederkehrenden Zusammenspiel aus Vogelgesang und Erinnerung.

Die innere Bewegung der Strophe lässt sich als vierstufiges Modell lesen. Zunächst wird mit „Seit du von mir gefahren“ der Einschnitt benannt, an dem sich die Biographie der Sprecherin scheidet. Es ist der Anfang einer neuen Zeit, in der nichts mehr ist wie zuvor. Dann wird diese neue Lebensphase durch das Bild „Singt stets die Nachtigall“ charakterisiert: Der Gesang des Vogels ist gewissermaßen zum Soundtrack der Trennungszeit geworden. Anders als in Strophe 1, wo der Schall rückblickend als „süß“ erscheint, und in Strophe 3, wo er „mahnt“, wird er jetzt als ständig wirkendes Faktum präsentiert. Darauf folgt als dritte Stufe das „Ich denk' bei ihrem Schall“: Die Nachtigall löst nicht neutralen Genuss oder sanfte Stimmung aus, sondern ist der Anlass für ein ganz bestimmtes Denken. Schließlich mündet diese Bewegung in den Gedankeninhalt „Wie wir zusammen waren“ – die wiederholte, nie abgeschlossene Rückkehr zur verlorenen Gemeinschaft.

In dieser Struktur verdichtet Strophe 5 das Verhältnis von Mensch und Natur, Zeit und Erinnerung. Die Nachtigall ist nicht mehr nur Symbol des früheren Glücks oder Auslöser eines schmerzhaften „Nun“, sondern wird zum dauerhaften Medium einer Erinnerungsarbeit, die zugleich tröstlich und quälend ist. Tröstlich, weil das „Wir“ im Denken wachgehalten wird; quälend, weil dieses „Wir“ nie mehr in Wirklichkeit zurückkehrt. Die Natur – hier in Gestalt der Nachtigall – trägt dazu bei, dass die Spinnerin ihre Liebe nicht vergessen kann, aber sie bietet keine Lösung an. Der Schall des Vogels hält die Wunde offen, ohne sie zu heilen.

Besonders deutlich wird in dieser Strophe auch die Ambivalenz der Zeit. „Seit“ kennzeichnet den Beginn eines langen „Danach“, „stets“ spricht von unablässiger Wiederholung. Die Spinnerin hat die Trennung nicht „hinter sich“, sondern lebt in einem Zustand der Dauergegenwart des Verlustes. Die Nachtigall ist der akustische Marker dieser Dauergegenwart: Jedes Mal, wenn sie singt, wird das vergangene „Wir“ aktualisiert. So entsteht eine Art spiralförmige Zeitstruktur: Die Tage mögen vergehen, aber die seelische Grundsituation wiederholt sich Nacht für Nacht in derselben Konstellation von Gesang und Erinnerung.

Im Kontext des ganzen Gedichts steht Strophe 5 zwischen der theologisch aufgeladenen Strophe 4 und der Schlussstrophe, in der Gebetsbitte und Einsamkeit noch einmal verdichtet werden. Sie zeigt, dass die Gebetsformel „Gott wolle uns vereinen“ nicht im luftleeren Raum gesprochen wird, sondern aus einem über Jahre oder Jahrzehnte dauernden Zustand heraus, in dem Natur und Innerlichkeit unablässig das frühere „Wir“ wachrufen. Strophe 5 macht die Beharrlichkeit der Spinnerin deutlich: Sie hat weder ihren Geliebten vergessen noch ihre Liebe relativiert. Ihr Denken kehrt immer wieder in dieselbe Szene zurück. Damit bereitet die Strophe das Finale vor: In der letzten Strophe wird dieselbe innere Konstellation noch einmal aufgenommen, nun aber unter der Spannung von erneuter Gebetsbitte, radikal benannter Einsamkeit und dem Wunsch, endlich weinen zu können.

Strophe 6

Vers 21: Gott wolle uns vereinen

Beschreibung: Die Sprecherin beginnt die Schlussstrophe mit einer direkten, wenn auch formal zurückgenommenen Anrufung Gottes. Sie formuliert im Konjunktiv den Wunsch, Gott möge sie und den Geliebten „vereinen“. Der Vers wiederholt wörtlich die Gebetsformel aus Vers 16, steht jetzt aber am Anfang der Strophe und nicht mehr am Ende.

Analyse: Grammatisch handelt es sich um einen verkürzten Wunschsatz im Konjunktiv, in dem das Verb „wolle“ den optativen, bittenden Charakter markiert. „Gott“ steht ohne Artikel exponiert am Versanfang und erhält dadurch größte semantische und rhythmische Betonung; das Ich ist nicht genannt, aber als sprechende Instanz klar mitgedacht. Die Wiederholung gegenüber Vers 16 ist auffällig: Was dort den Schlusspunkt der Strophe bildete, erscheint nun als Auftakt, als Gebetsruf, von dem alles Weitere ausgeht. Damit verschiebt sich die Funktion der Formel vom stillen Resümee zur programmatischen Überschrift der Schlussstrophe. Klanglich wirkt der Vers kurz, konzentriert und gewichtig; er bildet gleichsam ein geistliches Motto.

Interpretation: Inhaltlich zeigt der Vers, dass für die Spinnerin die Bitte um Vereinigung das eigentliche Zentrum ihres Lebens geblieben ist. Indem die Gebetsformel im Schlussabschnitt an den Anfang rückt, wird deutlich, dass alle nun geschilderte Einsamkeit und alles Leid in diesem Horizont gedacht wird: Ihr Alleinsein steht unter der offenen Bitte „Gott wolle uns vereinen“. Zugleich verweist die Wiederholung darauf, dass sich äußerlich nichts geändert hat; die Bitte ist die gleiche, die Erhörung steht weiterhin aus. Der Vers stellt somit die Gleichzeitigkeit von beharrlicher Hoffnung und ausbleibender Erfüllung aus. Die Vereinigung wird nicht als Projekt der Sprecherin vorgestellt, sondern als etwas, das der göttlichen Freiheit überlassen bleibt. Gerade diese Übergabe an Gott gibt dem Gedicht seine leise, aber entschiedene religiöse Tiefendimension.

Vers 22: Hier spinn' ich so allein,

Beschreibung: Im zweiten Vers schwenkt die Sprecherin abrupt von der transzendenten Perspektive zurück in die konkrete Gegenwart: „Hier“ sitzt sie am Spinnrad und ist „so allein“. Der Vers benennt Ort, Tätigkeit und affektive Grundsituation in einem knappen Satz und stellt der Hoffnung auf Vereinigung die faktische Einsamkeit gegenüber.

Analyse: Das Deiktikum „Hier“ verankert das zuvor abstrakte Gebet räumlich: Es verweist auf die konkrete Kammer, auf den Schauplatz des Spinnens. Die Verkürzung „spinn’ ich“ mit vorangestelltem Verb und ausgelassenem „ich“ lässt den Vers fast wie eine Selbstbeschreibung oder Notiz wirken; der Fokus liegt auf der Tätigkeit und dem Zustand „so allein“. Die adverbiale Verstärkung „so“ intensiviert die Einsamkeit und bindet sie an eine emotionale Wertung. Im Rhythmus fällt auf, dass der Vers relativ kurz ist und nach dem eher feierlichen Gebetsvers wie ein nüchterner, fast ernüchternder Nachsatz klingt. Inhaltlich und formal antwortet er auf Vers 6 („Und spinne so allein“), so dass eine deutliche Binnenverklammerung entsteht.

Interpretation: Der Vers bringt die Grundspannung des Gedichts auf einen einfachen Nenner: Vor Gott steht das Ich mit der Bitte um Vereinigung, hier und jetzt sitzt es jedoch einsam am Spinnrad. „Hier“ und „Gott“ markieren zwei Pole, zwischen denen sich das Leben der Spinnerin abspielt. Dass dieselbe Formulierung „so allein“ noch einmal aufgenommen wird, zeigt, dass sich an ihrer Lebenslage nichts geändert hat; sie lebt weiter in der gleichen Isolation, die bereits in Strophe 2 benannt wurde. Zugleich wirkt der Vers im Kontext von Vers 21 wie eine Gegenfolie: Auf die erhoffte Einheit („uns vereinen“) folgt die schroffe Feststellung des Getrenntseins. Die Strophe beginnt damit in einer Art Kreuzstellung von eschatologischer Hoffnung und konkreter, unabgeschaffter Einsamkeit; die Dichtung scheut sich nicht, diese Diskrepanz unversöhnt nebeneinander stehen zu lassen.

Vers 23: Der Mond scheint klar und rein,

Beschreibung: Nun wird das äußere Bild der Szene noch einmal deutlich gezeichnet: Der Mond scheint, und zwar „klar und rein“. Der Vers beschreibt die nächtliche Umgebung, in der die Spinnerin sitzt, und knüpft damit an die Mond-Motive der früheren Strophen an.

Analyse: Syntaktisch handelt es sich um einen einfachen Aussagesatz, der wie ein ruhig hingestelltes Bild wirkt. Der Mond tritt nun als Subjekt auf und wird mit der bereits vertrauten Adjektivformel „klar und rein“ qualifiziert. Diese Formel war zuerst dem Faden (Vers 7) und dann dem Herzen (Vers 15) zugeordnet; jetzt wird sie auf den Himmel übertragen. So entsteht eine dreifache Symbolkette: Faden – Herz – Mond, alle verbunden durch dieselben Reinheitswörter. Klangästhetisch wirkt „klar und rein“ hier besonders hervorgehoben, weil es am Versende steht und den Satz klanglich abrundet. Der Wechsel von dunklem o in „Mond“ und den hellen Vokalen in „klar“ und „rein“ zeichnet den Kontrast zwischen Nacht und Licht nach.

Interpretation: In der Deutung wird deutlich, dass dieser Vers die inneren und äußeren Ordnungen des Gedichts eng ineinander verschränkt. Der „klare und reine“ Mond scheint über einer Szene, in der ein Herz „klar und rein“ sein will und ein Faden „klar und rein“ gesponnen wurde. Die Reinheit des Mondlichts kann als Spiegel der inneren Lauterkeit der Spinnerin gelesen werden; zugleich steht sie in scharfem Kontrast zur Zerrissenheit ihrer Lage. Der Himmel wirkt makellos, ruhig, ungetrübt, während das Ich unter diesem Himmel einsam und sehnsüchtig bleibt. Der Vers macht damit die Diskrepanz zwischen kosmischer Ordnung und menschlichem Leid sichtbar, ohne diese Spannung aufzulösen. In theologischer Perspektive kann man sagen: Die Welt ist im Licht Gottes „klar und rein“, aber der Weg des einzelnen Herzens zu seiner Erfüllung bleibt offen und schmerzhaft. In jedem Fall bündelt der Vers noch einmal das Reinheitsmotiv des Gedichts und verankert es im größten denkbaren Bildraum, dem Nachthimmel.

Vers 24: Ich sing' und möchte weinen.

Beschreibung: Der Schlussvers greift noch einmal die Formulierung des Anfangs auf, variiert sie aber entscheidend: Statt „Ich sing’ und kann nicht weinen“ heißt es nun „Ich sing’ und möchte weinen“. Die Sprecherin beschreibt erneut die Gleichzeitigkeit von Gesang und weinbereitem Schmerz. Der Vers schließt das Gedicht in einer ruhigen, aber innerlich hochgespannten Geste ab.

Analyse: Grammatisch bleibt die Struktur parallel zu Vers 5: Ein Ich-Satz mit zwei koordinierten Prädikaten, verbunden durch „und“. Der Unterschied liegt im Modalverb: Aus „kann nicht“ ist „möchte“ geworden. Die Blockade wird damit nicht einfach aufgehoben, aber anders gefasst: An die Stelle der Unfähigkeit tritt ein Wunsch. Die Wiederholung der Klangfolge „Ich sing’“ stellt eine direkte Verbindung zur zweiten Strophe her; die Variation im zweiten Satzteil sorgt für eine feine Verschiebung. Klangästhetisch schwingen die hellen Vokale „i“, „ö“, „ei“ und die weichen nasalen Konsonanten („sing’“, „möchte“, „weinen“) miteinander und machen die melancholische Musikalität des Verses deutlich. Als Schlusssatz des Gedichts wirkt er wie ein leiser, abwärts gerichteter Schlussakkord”.

Interpretation: Inhaltlich ist dieser Vers die konzentrierteste Formulierung der inneren Situation der Spinnerin. Das Singen ist geblieben; es ist ihre Form, mit dem Leid umzugehen. Aber die totale Blockade des Weinens, die in Vers 5 noch konstatiert wurde, hat sich in einen Wunsch nach Tränen verwandelt. Das Ich sehnt sich danach, seine Trauer endlich in Tränen zu lösen, ohne dass diese Lösung schon vollzogen wäre. Man spürt eine leichte Öffnung: Die Starre beginnt sich zu lösen, doch sie ist nicht überwunden. Der Vers hält den Schmerz in einer Spannung zwischen Beherrschung und Durchlässigkeit. Als Schlussvers des Gedichts verschränkt er noch einmal alle Ebenen: Er ist existentielles Bekenntnis, psychologischer Befund und poetologisches Programm zugleich. Denn auch hier gilt: Das Lied selbst ist der Ort, an dem die „nicht geweinten“ und die „gewünschten“ Tränen in Sprache verwandelt werden. Dichtung wird so zum Medium eines Gefühls, das weder stumm bleiben noch sich einfach ausagieren kann.

Gesamtdeutung der Strophe 6

Die Schlussstrophe bündelt in knapper, hochkonzentrierter Form das gesamte Spannungsgefüge des Gedichts. Alle wesentlichen Motive kehren noch einmal wieder: Gott und Vereinigung, Spinnen und Alleinsein, der „klare und reine“ Mond, Singen und Weinen. Die Strophe ist wie ein Brennspiegel, in dem sich die zuvor entfalteten Linien – Erinnerung, Klage, Reinheit, Hoffnung – kreuzen und in einen letzten, abgewogenen Akkord münden. Dabei fällt auf, dass sie keine Auflösung, kein versöhnendes Ende anbietet, sondern die Grundspannung des Gedichts bewusst offenhält.

Die Bewegung der Strophe lässt sich als Kreuzstellung von Hoffnung und Erfahrung verstehen. Sie beginnt oben, bei Gott: „Gott wolle uns vereinen“ formuliert – erneut und mit allem Gewicht des Strophenauftakts – die eschatologische Hoffnung der Spinnerin. Diese Hoffnung ist nicht abstrakt, sondern ganz konkret auf das Liebesverhältnis gerichtet, das sich durch die Trennung zerspalten hat. Unmittelbar darauf erfolgt der Absturz in den Raum des „Hier“: „Hier spinn’ ich so allein“ benennt schonungslos die unveränderte Realität. Die Gebetsbitte wird nicht durch ein Wunder beantwortet; sie steht im scharfen Kontrast zu einer Existenz, die sich in einsamer, monotoner Arbeit vollzieht. Das Ich lebt buchstäblich „zwischen“ diesen beiden Versen: zwischen der Bitte um Vereinigung und der Erfahrung des Alleinseins.

Der Mondvers weitet das Bild und führt das Reinheitsmotiv zu seinem Höhepunkt. Indem nun nicht mehr nur der Faden und das Herz, sondern auch der Mond „klar und rein“ sind, entsteht eine umfassende Symbolik der Lauterkeit, die Handarbeit, Innerlichkeit und kosmische Ordnung verbindet. Die Welt, in der die Spinnerin lebt, ist – im Bild – von Klarheit und Reinheit geprägt, aber diese Reinheit ist nicht identisch mit Erfüllung. Der Mond scheint ungetrübt; gerade dadurch tritt die Spannung zur menschlichen Lage noch schärfer hervor. Es ist, als ob die Welt in einer Ordnung stünde, zu der das individuelle Schicksal noch nicht ganz passt. Die Strophe zeigt damit sehr fein, wie eine religiös gedeutete kosmische Ordnung nicht automatisch das subjektive Leid aufhebt, sondern es zunächst einmal in einen größeren, unaufgelösten Horizont stellt.

Im Schlussvers kehrt das Gedicht an seinen eigenen Anfang zurück und verschiebt ihn zugleich. „Ich sing’ und möchte weinen“ ist eine Variation von „Ich sing’ und kann nicht weinen“, die das innere Geschehen nicht als geschlossene Blockade, sondern als sehnsuchtsvolle Zwischenstufe zeigt. Das Ich ist nicht mehr ganz so stumm im Schmerz wie zu Beginn; es hat seine Lage durchdacht, erinnert, vor Gott gebracht, in Reinheitskategorien reflektiert. Doch am Ende steht keine Katharsis, kein befreiender Tränenstrom, sondern ein „möchte“ – ein Wunsch, der gerade dadurch, dass er nicht erfüllt wird, die offene Wunde benennt. Der Schluss ist deshalb keine sentimentale Entlastung, sondern ein sehr feiner, ernster Offenlassungsakkord.

Poetologisch gesehen stellt die letzte Strophe deutlich heraus, was Dichtung in diesem Gedicht leistet: Sie ersetzt nicht Gottes Antwort und nicht die Rückkehr des Geliebten, sondern bietet einen Raum, in dem die unaufhebbare Spannung zwischen Gebet und Alleinsein, kosmischer Ordnung und persönlicher Wunde gehalten werden kann. Die Spinnerin kann ihre Lage nicht ändern, aber sie kann sie so sagen, dass sie vor ihr selbst und vor Gott Bestand hat. Die Sprache wird zur Form, in der der Wunsch nach Vereinigung, die Erfahrung der Einsamkeit, das Ideal der Reinheit und die gebrochene Möglichkeit des Weinens zusammenkommen. Die Strophe schließt mit einem singenden, weinbereiten, aber nicht weinenden Ich – einer Gestalt, die gefährdet und doch bewahrt ist, und deren Würde gerade in der Art liegt, wie sie ihre unerlöste Situation im Lied aushält. In diesem Sinne führt die Schlussstrophe die Grundfigur des Gedichts zur Vollendung: Der Mensch als endliches, liebendes Herz, das unter dem „klar und rein“ scheinenden Mond seine ungesicherte, aber beharrliche Hoffnung vor Gott hin singt.