LYRIKATLAS
Der Kompass im Lyrikdschungel

Ernst Moritz Arndt (1769-1860)
Gedicht 3

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 1

1 Auf zur Rache! auf zur Rache!

Analyse

1. Die unmittelbare Doppelung des Imperativs (Auf zur Rache! auf zur Rache!) erzeugt eine energische, fast skandierende Eröffnung, die wie ein Ruf zum Sammeln und Marschieren wirkt.

2. Die Epizeuxis (wörtliche Wiederholung desselben Ausdrucks) verdichtet das Pathos und verleiht dem Vers eine Sprechchorrhythmik, die man sich leicht gesungen oder gerufen vorstellen kann.

3. Der einsilbige Auftakt Auf in stark betonter Stellung gibt dem Vers einen stoßhaften, trochaïschen Impuls, der an einen militärischen Takt erinnert.

4. Das zentrale Wort Rache rahmt bereits den semantischen Kern: Nicht bloß Verteidigung oder Gerechtigkeit, sondern Vergeltung ist der leitende Affekt, der die folgenden Appelle trägt.

5. Die Interpunktionsstruktur mit doppeltem Ausrufezeichen intensiviert die emotionale Dringlichkeit und schließt jeden Haltepunkt aus.

Interpretation

1. Der Vers setzt das Thema der Strophe als ein Programm der Vergeltung: Die kollektive Emotion wird nicht beruhigt, sondern gezielt angefacht, um Handlungsbereitschaft zu erzeugen.

2. Im historischen Kontext nach den Befreiungskriegen stilisiert sich der Sprecher als Anführer eines Volkschors, der die in der Gegenwart empfundene Demütigung (politisch wie moralisch) in einen unmittelbaren Aufstandswillen überführt.

3. Rache fungiert hier als moralisch legitimierte Antwort auf erlittene Fremdherrschaft; der Vers setzt damit den Ton einer ethisch aufgeladenen Mobilisierung.

2 Erwache, edles Volk, erwache!

Analyse

1. Die direkte Anrede (edles Volk) ist eine apostrophische Zuwendung, die dem kollektiven Adressaten Würde zuspricht und ihn zugleich verpflichtet.

2. Die Anapher von Erwache am Anfang und Ende des Verses erzeugt einen Rahmen, der den Schlaf-zum-Wachsein-Topos performativ inszeniert: Sprache wirkt hier als Weckruf.

3. Das Epitheton edles fungiert als rhetorische Aufwertung: Es hebt die moralische Qualität des Adressaten hervor und stellt dadurch seine Pflicht zur Handlung als Ehrenfrage dar.

4. Der fließende, fallende Takt (wiederum mit trochaïschem Eindruck) und das Ausrufezeichen halten die Dringlichkeit der Eröffnung aufrecht und leiten sie in einen moralischen Imperativ um.

Interpretation

1. Das Motiv des Erwachens markiert die innere Wende vom affektiven Racheschrei zur bewussten Selbstbehauptung der Gemeinschaft: Aus Empörung wird Selbstbesinnung.

2. Der Vers verlagert die Verantwortlichkeit auf das Volk als kollektives Subjekt politischer Geschichte; es wird aufgefordert, seiner selbst würdig zu handeln.

3. Der moralische Zusatz edles rechtfertigt das Erwachen als Rückkehr zu einer schon immer vorhandenen, aber verschütteten Tugend und nicht als bloßes Aufflammen von Ressentiment.

3 Erhebe lautes Kriegsgeschrei!

Analyse

1. Die Bewegung der Imperative steigert sich: Vom Racheschrei (Vers 1) über das Erwachen (Vers 2) führt der dritte Vers zur konkreten Handlung – der Erhebung des Kriegsgeschreis.

2. Das Kompositum Kriegsgeschrei bündelt Geräusch, Masse und Aggression in einem Wort; das Adjektiv lautes verstärkt die akustische Präsenz und wirkt wie eine Anweisung an den Chor der Stimmen.

3. Der Lautcharakter (harte Konsonanten, der lange i-Laut in Krieg) färbt den Vers mit einem schneidenden, martialischen Klang, der den Handlungsbefehl akustisch beglaubigt.

4. Der Reimverbund der Strophe wird hier vorbereitet: Kriegsgeschrei korrespondiert später mit inzwei (Vers 6), sodass klanglich eine Klammer zwischen Aufruf und Zielhandlung entsteht.

Interpretation

1. Die Aufforderung, ein Kriegsgeschrei zu erheben, transformiert innere Empörung in kollektive Sicht- und Hörbarkeit; die Gemeinschaft wird als performative Kraft inszeniert.

2. Mit der Akustik des Aufruhrs setzt der Vers auf Einschüchterung nach außen und Selbstvergewisserung nach innen: Der Lärm wird zum Symbol der neu erwachten Souveränität.

3. Der Vers gibt der Rache ein Mittel: Lärm als Vorzeichen der Tat, der sowohl Feinde warnt als auch Verbündete sammelt.

4 Laß in Tälern, laß auf Höhen

Analyse

1. Die Wiederholung von Laß am Versbeginn gestaltet eine ruhige, regulierende Bewegung, die nach der Lautapotheose den Raum absteckt, in dem die Aktion sichtbar werden soll.

2. Die Paarung Tälern/Höhen ist ein klassischer Merismus: Durch das Nennen der Gegensätze wird das Ganze beschworen – vom Tiefsten bis zum Höchsten des Landes.

3. Die Topographie erzeugt Weite und Totalität; die Handlung wird nicht lokal begrenzt, sondern über das gesamte Territorium ausgebreitet.

4. Der Vers schafft zugleich ein optisches Panorama: Die Landschaft wird Bühne, auf der das Politische als sichtbares Zeichen erscheint.

Interpretation

1. Der Aufruf wechselt von der akustischen zur räumlichen Dimension und kündigt an, dass der nationale Wille überall Gegenstand der Wahrnehmung sein soll.

2. Das Land als Ganzes wird zum Träger des Aufstands; die Geographie selbst scheint als Mitsubjekt der historischen Bewegung zu fungieren.

3. Der Vers bereitet das Bild der Fahnen vor, indem er den Blick des Lesers über Täler und Höhen führt und damit eine bildhafte Erwartung erzeugt.

5 Der Freiheit stolze Fahnen wehen!

Analyse

1. Der Genitiv Der Freiheit personifiziert den abstrakten Begriff und rückt ihn in die Position eines Besitzers: Nicht Menschen tragen Fahnen, sondern die Freiheit selbst entfaltete ihr Zeichen.

2. Stolze Fahnen verbindet moralische Würde mit sichtbarer Pracht; das Adjektiv stolze adelt den Gegenstand und verbindet Ethos mit Ästhetik.

3. Die Alliteration von Freiheit und Fahnen schafft eine einprägsame Klangfigur, die das Motto der Bewegung verdichtet.

4. Der Verbmodus wehen setzt auf kinetisches Bilddenken: Die Bewegung der Flaggen im Wind wird zur Metapher einer lebendigen, sich ausbreitenden Idee.

5. Im Reimschema schließt sich Höhen/wehen zu einem Paar, das das topographische Panorama (Vers 4) mit der sichtbaren Manifestation der Sache (Vers 5) verbindet.

Interpretation

1. Der Vers ersetzt das negative Begehren nach Vergeltung durch ein positives Symbol: Freiheit wird nicht nur gefordert, sondern feierlich gezeigt und als schön empfunden.

2. Die Fahne wird zum sakralisierten Zeichen der Gemeinschaft; sie begründet Identifikation nicht durch Hass, sondern durch die Freude an der eigenen Würde.

3. Die Bewegung der Fahnen suggeriert Ausdauer und Dauerhaftigkeit: Die Freiheit ist nicht momentane Erregung, sondern ein Prinzip, das sich im Raum hält und sichtbar macht.

6 Die Schandeketten brich inzwei!

Analyse

1. Das Kompositum Schandeketten verbindet moralische Verurteilung (Schande) mit dem Bild der physischen Fessel (Ketten) und verschmilzt so Ethik und Zwang in einer Metapher.

2. Der Imperativ brich setzt den Kulminationspunkt der Handlungsaufforderungen: Nach Ruf, Erwachen, Geschrei und Zeichen folgt der konkrete Akt der Befreiung.

3. Inzwei ist eine markante, bewusst altertümliche Form, die die wuchtige Zerstörung in einem einzigen, scharf klingenden Wort bündelt.

4. Klanglich schließt inzwei den B-Reimkreis mit Kriegsgeschrei (Vers 3) und rahmt damit die beiden aggressivsten Handlungsmarker der Strophe.

5. Der Vers steht syntaktisch schlicht und ikonisch: Die Kürze des Befehls ahmt die Entschlossenheit des Handelns nach.

Interpretation

1. Die Kettenmetaphorik macht Herrschaft anschaulich und greifbar; der Akt des Brechens stellt Befreiung als irreversible Grenzhandlung dar.

2. Durch die Verbindung von Schande und Ketten wird politische Unterdrückung als moralische Degradation begriffen; Befreiung ist daher zugleich Wiederherstellung der Ehre.

3. Der Vers gibt der abstrakten Freiheit aus Vers 5 eine konkrete Tat an die Hand und verknüpft Symbol und Aktion zu einem geschlossenen Programm.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 1

1. Dramaturgie der Imperative: Die Strophe entfaltet eine klare Progression der Befehlsformen: vom initialen Racheschrei (Vers 1) über das kollektive Erwachen (Vers 2), die akustische Mobilmachung (Vers 3), die räumliche Ausdehnung (Vers 4), das sichtbare Symbol (Vers 5) bis zur physischen Befreiungstat (Vers 6). Diese Abfolge bildet eine in sich stimmige Handlungslogik, die vom Affekt zur Tat führt.

2. Rhetorische Verdichtungen: Anaphern, Epizeuxis, Apostrophe und Alliterationen verleihen der Strophe eine hohe Memorierbarkeit und Chortauglichkeit. Die vielfachen Ausrufzeichen und die starken Imperative erzeugen eine Sprache, die weniger argumentiert als performativ Wirklichkeit schafft.

3. Semantische Bipolarität: Das Feld Freiheit/Ehre wird scharf gegen das Feld Schande/Ketten gesetzt. Dadurch entsteht eine moralische Schwarz-Weiß-Logik, die den Aufruf zur Gewalt symbolisch als Wiederherstellung einer vorgeblich natürlichen Ordnung legitimiert.

4. Raum- und Zeichenpolitik: Die Kombination aus topographischer Totalität (Tälern/Höhen) und ikonischem Symbol (Fahnen) übersetzt die Idee des Nationalen in sichtbare, überall wahrnehmbare Zeichen. Das Land selbst wird zur Bühne der Freiheit, die sich in Fahnen und Klang manifestiert.

5. Klang und Rhythmus: Der wiederkehrende Eindruck eines trochaïschen Schlages, die harten Konsonanten und die Reimstruktur (a a b / c c b: Rache/erwache – Kriegsgeschrei – Höhen/wehen – inzwei) schaffen einen marschartigen Drive. Klanglich werden Aggression, Weite und Triumph orchestriert.

6. Affektökonomie: Die Strophe organisiert Affekte bewusst: Zorn wird gerufen, Würde wird zugesprochen, Lautstärke wird geboten, Landschaft wird symbolisch angeeignet, Triumph wird gezeigt und schließlich wird Unterdrückung handgreiflich beendet. Diese Affektkette kanalisiert diffuse Empörung in eine eindeutige Handlungsnorm.

7. Historische Signatur: In der Nach-Napoleonischen Konstellation klingt ein dezidiert nationaler, vormärzlicher Ton an, der politische Emanzipation mit Rache semantisch kurzschließt. Der Text nutzt damit die Energie des Ressentiments, um ein positives Freiheitszeichen zu mobilisieren und zugleich moralisch zu überhöhen.

8. Funktion der Eingangsstrophe: Als Exordium eines Kampflieds erfüllt die Strophe die Aufgabe, das Thema, den Adressaten und die Richtung zu setzen. Sie begründet die Gemeinschaft performativ und stattet sie mit Stimme, Raum, Zeichen und Tat aus – ein geschlossenes, leicht reproduzierbares Modell der Mobilisierung.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 2

7 Denn der Satan ist gekommen,

Analyse

1. Der einleitende Kausalpartikel Denn bindet die Strophe argumentativ an das Vorhergehende und liefert die Begründung für das geforderte Rache-Ethos des Gedichts: Was folgt, erklärt, warum Zorn legitim ist.

2. Mit Satan greift Arndt auf die stärkste denkbare Chiffre des Bösen zurück. Er wechselt damit aus der politischen in die eschatologische Bildersprache und hebt die Konflikte der Zeit auf eine metaphysische Bühne.

3. Das Perfekt ist gekommen erzeugt akute Gegenwärtigkeit. Es markiert nicht bloß eine ferne Möglichkeit, sondern eine schon eingetretene Katastrophe, die Handeln verlangt.

4. Durch die unbestimmte Setzung ohne nähere Prädikation (ist gekommen) entsteht eine Bedrohungsatmosphäre: Das Subjekt ist absolut klar, seine Absichten bleiben zunächst in der Schwebe und steigern so die Spannung.

Interpretation

1. Satan steht allegorisch für den politischen Gegner der Befreiungskriege, mit hoher Wahrscheinlichkeit für Napoleon bzw. für die von Arndt bekämpfte Fremdherrschaft und ihre ideologische Ausstrahlung.

2. Die Dämonisierung hebt die Auseinandersetzung vom Kontingenten ins Absolute. Damit rechtfertigt der Text radikale Gegenreaktionen: Wer gegen Satan kämpft, handelt nicht nur politisch, sondern moralisch-heilsgeschichtlich.

3. Zugleich kritisiert Arndt implizit die Trägheit der Mitwelt: Wenn Satan bereits gekommen ist, dann haben zögerliche Kompromisse ihren Zeitpunkt verpasst; es steht ein Entscheidungskampf an.

8 Er hat sich Fleisch und Bein genommen

Analyse

1. Die Wendung Fleisch und Bein konkretisiert das Dämonische als leibhaftig und greifbar. Arndt verschiebt das Böse vom Abstrakten in die erfahrbare Welt.

2. Die Formulierung evoziert eine perverse Gegen-Inkarnation: Nicht das göttliche Wort wird Fleisch, sondern der Gegenspieler Gottes eignet sich den Leib an.

3. Die Reflexivkonstruktion sich … genommen legt eine aktive, gewaltsame Selbstermächtigung nahe, die keine Legitimation kennt.

4. Lautlich stützt die Alliteration (Fleisch und Bein) die Eindringlichkeit des Verses; die sinnliche, fast derbe Körperlichkeit erzeugt Unmittelbarkeit.

Interpretation

1. Politisch gelesen personifiziert der Vers die feindliche Macht im Körper eines Tyrannen oder in einem System, das in alle Lebensbereiche einzieht. Das Böse ist nicht mehr nur Idee, es hat Institution, Heer und Verwaltung.

2. Theologisch gelesen steht hier die Parodie der Inkarnation: Arndt markiert die Zeit als antikristlich, wodurch der Kampf gegen die Fremdherrschaft die Aura eines Glaubenskampfes erhält.

3. Gesellschaftlich gelesen deutet Fleisch und Bein auf die Besetzung des Volkskörpers: Der Feind wird nicht nur vor den Toren gedacht, sondern in den Körper der eigenen Gemeinschaft eingelassen – ein starkes Bild für Infiltration und Kollaboration.

9 Und will der Herr der Erde sein,

Analyse

1. Mit will rückt Arndt den Willensakt, den Anspruch, in den Fokus: Hybris wird als psychologischer Motor markiert.

2. Der Titel Herr der Erde greift biblische Motive auf (der Fürst dieser Welt) und steigert den Herrschaftsanspruch ins Totalitäre.

3. Der dreifache Anstieg von Vers 7 bis 9 (Kommen – Inkarnation – Weltherrschaft) entfaltet eine Eskalationslogik, die den Gegner als grenzenlos machtgierig zeichnet.

4. Das Satzgefüge bleibt parataktisch und drängend; der anaphorische Und-Einsatz treibt den Rhythmus voran und häuft Anklage auf Anklage.

Interpretation

1. Historisch ist hier die universalistische Ambition Napoleons anspielbar; zugleich öffnet der Vers sich für eine zeitübergreifende Warnung vor jeder Macht, die keine Grenze anerkennt.

2. Ideologisch legitimiert die Totalitätsgeste das ebenso totale Gegenmittel: Wenn der Gegner Herr der Erde sein will, darf die Gegenwehr nicht halbherzig bleiben.

3. Psychologisch erzeugt der Vers Affekte der Empörung und der Ehre: Er appelliert an die Leserinnen und Leser, sich einer Übermacht nicht zu beugen.

10 Und die Weisheit tappt geblendet,

Analyse

1. Weisheit wird personifiziert und zugleich entmachtet. Das Verb tappen zeichnet tastend-hilfloses Vorankommen ohne Orientierung.

2. Geblendet ist doppeldeutig: Es kann Blendung durch Lüge, Propaganda und Glanz der Macht meinen, aber auch das Überstrahlen durch scheinbare Aufklärung, die blind für das Böse macht.

3. Die Alltagsnähe des Bildes – eine blinde Person, die tastet – kontrastiert wirkungsvoll mit den vorigen metaphysischen Superlativen. So verlegt Arndt das Drama in die Bürgerstube: Es betrifft Denker, Räte, Gelehrte.

4. Klanglich bremst tappt den Fluss; der harte Plosiv schneidet in den Vers und markiert Stockung.

Interpretation

1. Arndt übt Kritik an einer intellektuellen Kultur, die vor lauter Reflexion die Lage verfehlt. Gemeint sein können die Weisen der Zeit: Philosophen, Beamte, Diplomaten, die mit Kompromissen die Fremdherrschaft rationalisieren.

2. Es liegt eine Polemik gegen eine entkernt verstandene Aufklärung nahe: Vernunft ohne sittliche Entschiedenheit wird manipulierbar.

3. Der Vers bereitet emotional den Umschlag vom Denken zum Handeln vor: Wenn Weisheit versagt, sind Mut und Ehre gefragt – oder sie gehen unter.

11 Und Mut und Ehre kriecht geschändet

Analyse

1. Mut und Ehre bündeln die klassischen Tugenden des republikanischen und soldatischen Ethos. Ihre grammatische Singularführung (kriecht) verschmilzt sie zur Einheit – auch stilistisch eine Verdichtung.

2. Das Verb kriecht setzt einen drastischen Kontrast: Statt aufrecht zu stehen, bewegt sich das Tugendpaar am Boden. Das Bild steht für Demütigung und Selbsterniedrigung.

3. Geschändet spricht nicht nur von Verletzung, sondern von Entweihung. Tugenden werden profaniert, als hätte der Feind an heiliger Stelle gehaust.

4. Der Vers verstärkt die taktile Dimension der Strophe: Nach Fleisch und Bein und dem Tappen folgt das Kriechen. Sinnliche Bewegungsverben machen den moralischen Verfall körperlich spürbar.

Interpretation

1. Arndt prangert den Zustand der Gesellschaft an: Diejenigen, die für Widerstand stehen sollten, haben sich schmählich angepasst.

2. Die Ehre ist nicht nur verloren, sie ist geschändet – das erhöht den Druck zur Wiederherstellung; nicht Neutralität, sondern Wiedergutmachung wird gefordert.

3. Indem Mut und Ehre am Boden kriechen, ruft der Vers Scham hervor. Scham wird zur rhetorischen Triebfeder, die den Willen zur Tat in der nächsten Strophenentwicklung plausibel macht.

12 Und will nicht in den Tod hinein.

Analyse

1. Der Schlussvers spitzt die Anklage zu: Der grammatische Bezug auf Mut und Ehre legt nahe, dass selbst diese höchsten Tugenden nicht in den Tod hinein wollen – also Opfer und äußerste Konsequenz scheuen.

2. Die Formulierung in den Tod hinein steigert die Radikalität des geforderten Einsatzes. Der Tod ist nicht bloß möglich, er ist als Raum zu betreten imaginiert.

3. Durch den Endreim mit Vers 9 (sein/hinein) entsteht eine Klammer zwischen Hybris des Gegners und Opferbereitschaft der Eigenen. Der Gegner will sein; die Eigenen wollen nicht hinein. Das legt eine asymmetrische Willenslage offen.

4. Der Satz bleibt indikativ-behauptend; er verzichtet auf Ausruf oder Fragezeichen. Das nüchterne Protokollieren macht die Anklage härter.

Interpretation

1. Primär ist der Vers als Tadel der mangelnden Opferbereitschaft zu lesen. Arndt fordert den Mut, das höchste Gut – das eigene Leben – für Freiheit und Ehre einzusetzen.

2. Sekundär ist eine gegenläufige Lesart möglich: Mut und Ehre könnten sich dem Tod verweigern, weil sie nicht sterben sollen – als Behauptung ihrer Unzerstörbarkeit. Im Kontext des Rachelieds und der vorangehenden Anklage überwiegt jedoch die erste Deutung: Es geht um den Vorwurf der Feigheit.

3. Der Vers hebt die Strophe in den Bereich des sakralisierten Politischen: Opfer, Tod, Ehre – Begriffe, die eine quasi-liturgische Pathosformel bilden und die spätere Handlungsaufforderung grundieren.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 2

1. Dramaturgische Bewegung und Eskalation: Die Strophe entfaltet einen konsequenten Steigerungsgang: Ankunft des Bösen, dessen leibliche Vergegenwärtigung, universalistischer Herrschaftsanspruch, Versagen der Vernunft, Erniedrigung der Tugenden und schließlich die Weigerung zum Opfer. Diese Treppe der Verschärfung begründet das zentrale Pathos des Gedichts: Rache erscheint als notwendige Antwort auf einen totalen Angriff.

2. Theologische Aufladung des Politischen: Arndt verschmilzt politische Erfahrung mit religiösen Bildern. Der Feind ist nicht nur Gegner, sondern Satan; sein Auftreten parodiert die Inkarnation. So wird der historische Konflikt in einen Heilsgeschichtsrahmen gestellt, der moralische Ambivalenzen tilgt und zu entschiedener Parteinahme drängt.

3. Körperbilder und Sinnlichkeit: Die Strophe operiert auffällig körpernah: Fleisch und Bein, tappen, kriechen. Dadurch wird der moralische und politische Verfall nicht nur gedacht, sondern leiblich fühlbar gemacht. Diese Sinnlichkeit bindet den Leser affektiv und erzeugt Empörung und Ekel gegenüber der Erniedrigung von Mut und Ehre.

4. Kritik an Intellekt und Eliten: Die Weisheit wird als geblendet und hilflos gezeichnet. Der Text polemisiert gegen eine bloß rationale, kompromisslerische Haltung, der die sittliche Entschiedenheit fehlt. Das ist zugleich eine Abwertung des restaurativen Verwaltungs- und Diplomatengeistes nach 1815.

5. Scham- und Opferrhetorik: Indem Tugenden kriechen und den Tod scheuen, ruft Arndt Scham hervor. Scham fungiert als rhetorischer Hebel, der zur Umkehr und zur Bereitschaft zum Äußersten – bis hin zur Selbsthingabe – motivieren soll.

6. Formale Mittel der Dringlichkeit: Die wiederholte Anapher Und bündelt die Sätze in Parataxen, die wie Hammerschläge wirken. Lautfiguren (Alliteration, harte Plosive), der Reimverbund sein/ hinein und die knappen, markigen Verben verdichten Tempo und Druck.

7. Ideologischer Ertrag und Risiko: Die Strophe erzielt große mobilisierende Kraft, indem sie das Böse dämonisiert und die eigene Seite moralisch sakralisiert. Zugleich birgt diese Logik das Risiko der Entmenschlichung des Gegners und der Verabsolutierung von Gewalt als heiligem Vollzug. Arndts Text bewegt sich bewusst an dieser Kante, um maximale Entschlossenheit zu generieren.

Insgesamt steht Strophe 2 als düsterer Befund der Gegenwart: Das Böse ist leibhaftig und total, die Vernunft versagt, die Tugenden sind erniedrigt, und selbst vor dem notwendigen Opfer schreckt man zurück. Aus genau diesem Befund gewinnt das Gedicht seine imperative Energie: Erst wenn die Leserinnen und Leser die Scham über das Kriechen spüren und das Nicht-Wollen überwinden, kann das angekündigte Rache-Ethos plausibel werden.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 3

13 Und die Wahrheit traurt verstummet,

Analyse

1. Der Vers personifiziert die Wahrheit als leidendes Subjekt: Sie kann trauern und verstummen. Diese Anthropomorphisierung hebt die moralische Dimension des Gedichts hervor und verschiebt den Diskurs von einer abstrakten Idee zu einer empfindenden Figur.

2. Die Wortstellung verbindet zwei aufeinanderfolgende Zustände: trauert führt in den Affekt, verstummet in die Konsequenz. Das Präterito-Präsenshafte von verstummet erzeugt den Eindruck eines bereits eingetretenen, abgeschlossen wirkenden Schadens.

3. Lautlich fallen die harten Konsonanten in Wahrheit – traurt – verstummet auf. Sie erzeugen Reibung und Schwere; das Stockende der Alliteration (w/t/v) spiegelt die semantische Erstarrung.

4. Das einleitende Und bindet den Vers an Vorangehendes und markiert zugleich Steigerung: Die Klage steht nicht isoliert, sondern gehört zu einer Kette von Verfallsbefunden.

5. Grammatisch liegt eine Ellipse nahe: Es fehlt ein explizites Agens der Unterdrückung. Dadurch wird der Fokus ganz auf den Zustand der Wahrheit gelegt; der Täter bleibt als drohende Leerstelle im Hintergrund spürbar.

Interpretation

1. Arndt entwirft ein Krisenbild der Öffentlichkeit: Wahrheit ist nicht nur übertönt, sondern resignativ verstummt. Damit wird eine Situation moralischer Ohnmacht konstatiert, die Leserinnen und Leser affektiv mobilisieren soll.

2. Trauern impliziert Verlust – nicht der Wahrheit selbst, sondern ihrer Wirksamkeit. Die Norm bleibt bestehen, aber ihr gesellschaftlicher Geltungsanspruch ist gebrochen.

3. Der Verzicht auf die Nennung der Täter öffnet den Vers für verschiedene historische Anwendungen: Zensur, politische Repression oder Propaganda. 1818 weist das besonders auf restaurative Machtverhältnisse nach den Kriegen hin.

4. Die Personifikation ruft ein quasi-religiöses Mitgefühl hervor: Wer Wahrheit liebt, soll die Verstummung als Unrecht empfinden und daraus Handlungsbedarf ableiten – im Geist des Gedichttitels Lied der Rache.

14 Die brandgemalte Lüge summet

Analyse

1. brandgemalt verbindet Bildfelder von Feuer, Brandmarkung und greller Bemalung. Der Ausdruck suggeriert zugleich Stigma (gebranntmarkt) und aufdringliche Inszenierung (schreiend bemalt).

2. Die Lüge erhält, wie die Wahrheit, Personalität. Sie ist nicht nur Proposition, sondern Akteurin mit Stimme.

3. Das Verb summet ruft das Geräusch eines Insekten-Schwarms hervor: ein beharrliches, schwer zu überhörendes, aber inhaltsleeres Geräusch. Im Klangfeld wirken die weichen Nasale und das s-Geräusch suggestiv.

4. Der Binnenkontrast zu Vers 13 ist drastisch: Während die Wahrheit schweigt, erzeugt die Lüge Dauergeräusch. Diese Antiphonie ist die zentrale dramaturgische Achse der Strophe.

5. Metrisch und syntaktisch bereitet der Vers eine Fortführung vor: Das summende Subjekt wird gleich frech gegen etwas oder jemanden gerichtet (Enjambement zum Folgevers).

Interpretation

1. Arndt zeichnet die Lüge als Propagandamaschine, die weniger argumentiert als akustisch besetzt: Raumaneignung geschieht über Lautstärke und Wiederholung.

2. Die Feuermetaphorik (brandgemalt) markiert die Lüge als destruktive, ja dämonische Kraft. Der Anklang an Brandmarkung unterstreicht außerdem ihre moralische Minderwertigkeit, die paradoxerweise dennoch soziale Dominanz gewinnt.

3. Das Summen legt eine Entwertung des Diskurses nahe: Es geht nicht mehr um Wahrheitsfindung, sondern um Geräusch, das die Atmosphäre vergiftet.

4. Historisch lässt sich hier die Erfahrung von Kriegs- und Nachkriegspropaganda lesen: Wahrheitsansprüche werden von gebranntmarkten Parolen übertönt.

15 Frech jede große Tugend an,

Analyse

1. Die Fortsetzung aus Vers 14 entfaltet das Tätigkeitswort: Die Lüge summet … an. Das ungewöhnliche Valenzmuster (ansummen) wirkt absichtlich schief, um Aggressivität und Penetranz zu markieren.

2. Das Adverb frech etikettiert die Haltung: unverschämt, respektlos, selbstsicher. Semantisch verstärkt es die moralische Verkehrung.

3. jede große Tugend verallgemeinert: Nicht einzelne Tugenden, sondern das Ganze des Tugendhaften steht unter Beschuss. Das Attribut groß steigert den Anspruch – es geht um die kardinalen, tragenden Werte.

4. Der Vers bricht syntaktisch offen ab (Komma): Das Aggressionsgeschehen ist anhaltend, nicht abgeschlossen.

5. Lautlich bilden die harten Plosive (Frech, Tugend) und die gedehnte Vokalfolge eine Mischung aus Angriff und Schwere.

Interpretation

1. Die Lüge greift nicht nur Fakten, sondern das Ethos selbst an. In Arndts Perspektive bedroht Unwahrheit das Fundament der Sittlichkeit.

2. Frech deutet auf eine herrschende Kultur der Schamlosigkeit: Der Angriff hat die Grenze vom Verborgenen ins Offen-Zurschaustellte längst überschritten.

3. Die Generalisierung (jede) zeigt ein System, nicht Einzelfälle. Die Strophe klagt eine umfassende moralische Krise an, in der Tugend lächerlich gemacht oder diffamiert wird.

4. Damit verschiebt sich das Problem vom Epistemischen ins Politisch-Ethische: Wer Tugend diskreditiert, zerstört gesellschaftliche Bindekräfte – ein implizites Plädoyer für Gegenwehr.

16 Kühn durch Schwert und Henkerbeile

Analyse

1. Das Adverb kühn erklärt die Quelle der Frechheit: Der Mut der Lüge speist sich aus dem Rückhalt durch Gewaltinstrumente.

2. Schwert (militärische Macht) und Henkerbeile (gerichtliche Exekution) bilden ein Doppel aus Krieg und Justizterror. Die Hendiadyoin verdichtet staatliche oder quasi-staatliche Zwangsgewalt.

3. Die Präposition durch markiert das Medium: Nicht aus eigener moralischer Stärke, sondern vermittels äußerer Drohung wird die Lüge wirksam.

4. Die Wortwahl Henkerbeile ist drastisch archaisierend; sie ruft Bildtraditionen öffentlicher Hinrichtungen auf und verschärft den Ton von Furcht und Einschüchterung.

5. Der Vers funktioniert als kausale Brücke zwischen Angriff (V. 15) und Hybris (V. 17–18): Gewalt erzeugt den falschen Eindruck von Unangreifbarkeit.

Interpretation

1. Arndt prangert die Komplizenschaft von Unwahrheit und Macht an: Lüge ist nicht nur diskursiv, sondern institutionell gestützt.

2. Der Zusammenhang deutet auf Zensur, Verfolgung und Einschüchterung von Wahrheits- und Tugendvertretern. Das Gedicht macht aus moralischem Streit ein existenzielles Risiko.

3. Die Bildsprache formuliert eine Warnung: Sobald Lüge sich mit dem Schwert verbündet, wird sie von Meinung zur Schreckensherrschaft.

4. Für die intendierte Wirkung des Gedichts ist dies der Mobilisierungsmoment: Gegen eine Lüge, die mit Gewalt droht, sei Rache – verstanden als Wiederherstellung der Ordnung – legitim.

17 Meint sie, daß seine Donnerkeile

Analyse

1. Das Pronomen sie bezieht sich auf die … Lüge und leitet in ihre Selbstdeutung über.

2. Mit meint rückt Arndt eine epistemische Hybris ins Zentrum: Die Lüge bildet sich etwas ein; ihr Meinen steht der aufklärerischen Wahrheit entgegen.

3. seine Donnerkeile setzt eine theologische oder mythologische Instanz voraus. Der Genitiv verweist auf den im nächsten Vers genannten Himmel; Donnerkeile sind klassische Strafsymbole (Zeus/Jupiter) und zugleich biblisch konnotierte Zeichen göttlichen Zorns.

4. Die Metapher verschmilzt antike und christliche Bildfelder. Dadurch gewinnt die Vorstellung von Vergeltung mythische Wucht und kulturelle Breite.

5. Der Vers bleibt syntaktisch in der Schwebe; das Nachfolgende wird zur Pointe des Gedankens.

Interpretation

1. Die Lüge irrt nicht nur moralisch, sondern täuscht sich über die Letztinstanz: Sie glaubt, die Transzendenz sei außer Kraft gesetzt.

2. Die Nennung der Donnerkeile bereitet eine theologisch-politische Korrektur vor: Höchste Gerechtigkeit existiert, auch wenn sie momentan verborgen bleibt.

3. Durch die mythologische Überhöhung erhält die Idee der Strafe symbolische Evidenz. Arndt argumentiert nicht juristisch, sondern imaginativ-sakral.

4. Das Meinen der Lüge kennzeichnet eine ideologische Selbstberauschung: Selbstüberschätzung ist ihr innerer Antrieb.

18 Der Himmel nicht mehr schwingen kann.

Analyse

1. Der Himmel fungiert als Metonymie für Gott bzw. die höchste Gerechtigkeit. Damit wechselt der Text von der irdischen Gewalt zur transzendenten Sanktionsmacht.

2. Das Verb schwingen ist körperlich-martialisch; es macht aus göttlicher Strafe eine konkrete Handlung. Der Himmel ist kein abstrakter Begriff, sondern ein Handelnder.

3. nicht mehr markiert den vermeintlichen Epochenbruch: Nach Meinung der Lüge sei die Zeit göttlicher Eingriffe vorbei.

4. Der Endvers schließt die Periode aus Vers 17 und bildet die antithetische Spitze der Strophe: zur verstummten Wahrheit tritt die unterstellte Ohnmacht des Himmels – eine doppelte Entmächtigung des Guten.

5. Klanglich setzt der Endreim keile – schwingen kann keine Paarung, aber die Binnenrhythmik lässt den Satz nachdrücklich ausklingen, wie ein hartes Urteil.

Interpretation

1. Arndt legt der Lüge eine Gotteslästerung in den Mund: Sie erklärt das Gericht Gottes für erledigt. Diese Hybris begründet die Legitimität der im Titel avisierten Rache als Wiederherstellung göttlicher Ordnung.

2. Die Formulierung nicht mehr verrät eine historische Fehllektüre der Lüge: Sie deutet temporäre Straflosigkeit als dauerhafte Entmachtung. Arndts implizite Gegenthese lautet: Gottes Eingreifen mag säumen, aber es erlischt nicht.

3. Durch die körperlich-konkrete Metaphorik (schwingen) wird Gerechtigkeit als Tat vorgestellt, nicht nur als Idee. Das rüstet das Gedicht rhetorisch für Handlungsappelle.

4. Der Schlussvers setzt den emotionalen Ton für folgende Strophen: Empörung über die Lästerung gebiert den Willen zur Gegenaktion.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 3

1. Doppelte Personifikation als dramaturgischer Motor. Die Strophe kontrastiert verstummte Wahrheit und summende Lüge. Beide werden als handelnde Figuren gezeichnet, wodurch ein moralisches Schauspiel entsteht: Ohnmacht der Legitimität vs. Lärmkraft der Usurpation. Diese Gegenüberstellung strukturiert die gesamte Aussage und prägt die Tonlage der Empörung.

2. Vom Geräusch zur Gewalt. Textlogisch eskaliert die Lüge von akustischer Dominanz (summet) zu physischer Einschüchterung (durch Schwert und Henkerbeile). Die Bewegung zeigt, wie Diskursverfall in Repression umschlägt. Damit diagnostiziert Arndt nicht nur eine rhetorische, sondern eine politische Krise.

3. Hybrisdiagnose und Theologisierung der Gerechtigkeit. In den Schlussversen wird die Lüge als metaphysisch verblendet entlarvt: Sie hält die göttliche Strafmacht für obsolet. Arndt kontert, indem er die Idee der Vergeltung in mythisch-theologische Bildfelder (Donnerkeile) zurückbindet. Die Strophe rüstet so die Forderung nach Wiederherstellung von Ordnung mit sakraler Autorität aus.

4. Stilmittel und Ton. Der Text arbeitet mit Alliterationen, harten Konsonanten, antithetischen Bewegungen und archaisierenden Requisiten (Henkerbeile, Donnerkeile). Diese Mittel verdichten die Wahrnehmung von Schwere, Härte und geschichtlicher Größe. Der Ton ist pathetisch-kämpferisch, ohne in bloße Polemik zu verfallen; die Bilder erzeugen Anschauung, nicht bloß Behauptung.

5. Historische Resonanz ohne enge Fixierung. Obwohl 1818 datiert, vermeidet die Strophe konkrete Namen und Behörden. Dadurch wird sie anschlussfähig für unterschiedliche Konstellationen von Zensur und Gewalt. Der zeitgenössische Leser mag an restaurative Regime und polizeiliche Überwachung denken; zugleich behauptet der Text überzeitliche Gültigkeit seines Gerechtigkeitsarguments.

6. Rhetorische Funktion im Rahmen des Lieds der Rache. Die Strophe ist Anklage und Vorbereitung: Sie sammelt moralische Indignation, indem sie das Maß der Entstellung – verstummte Wahrheit, verhöhnte Tugend, triumphierende Lüge – drastisch ausstellt. Erst aus dieser Verdichtung von Unrecht lässt sich die spätere Forderung nach Vergeltung als Wiederherstellung der kosmischen Ordnung legitimieren.

7. Ethik der Verantwortung statt bloßer Vergeltungslust. Trotz des martialischen Vokabulars zielt die Strophe nicht auf blinde Rache, sondern auf Re-Legitimierung: Der Himmel, der seine Donnerkeile sehr wohl zu schwingen vermag, steht als Maßstab über menschlicher Gewalt. Die implizite Botschaft lautet: Wahre Gerechtigkeit ahmt nicht die Lüge nach, sondern dient der Ordnung, die die Lüge verhöhnt.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 4

19 Drum zur Rache auf! zur Rache!

Analyse

1. Der Auftakt setzt mit dem kausalen Drum einen Schlussstrich unter das Vorhergehende und verwandelt Klage oder Diagnose in Handlungsimperativ. Die Logik der Strophe beginnt also mit Konsequenzbildung: Aus dem Bisherigen folgt die Tat.

2. Die doppelte Exklamation (zur Rache auf! zur Rache!) arbeitet mit Epizeuxis und Exclamatio. Die Wiederholung staut den Affekt nicht, sondern steigert ihn taktgebend, fast wie ein Schlachtruf.

3. Klanglich dominiert der harte, abgehackte Rhythmus mit betonten Einsilbern (Drum, auf), was dem Vers ein marschierendes Gepräge gibt. Dies korrespondiert mit Arndts Gattungssignal Lied – gedacht zum Mitsprechen, Mitrufen, Mitgehen.

4. Semantisch wird Rache als kollektiv bindende Kategorie exponiert. Sie wird nicht begründet, sondern vorausgesetzt, was auf eine bereits etablierte Feind- und Leidensnarration im Gedichtzusammenhang verweist.

Interpretation

1. Der Vers legitimiert eine Affektethik: Rache erscheint als moralisch gebotene Antwort auf Unrecht. Die argumentative Lücke (Drum) wird durch Pathos gefüllt – ein typisches Verfahren nationalistischer Mobilisierung.

2. Das auf markiert Erhebung aus Passivität. Rache ist hier nicht private Vergeltung, sondern politisch-kollektives Erwachen zur Tat.

3. Die epische Verdichtung in einen Schlagruf verschiebt die Verantwortlichkeit vom Einzelnen zum Chor: Wer schweigt, stellt sich gegen die Gemeinschaft. Damit entsteht sozialer Druck, der die Rache als Norm verankert.

20 Erwache, edles Volk, erwache!

Analyse

1. Die Anrede wechselt vom unbestimmten Kollektiv zum emphatischen Volk. Mit edles erhält es eine ethische und hierarchische Aufwertung, die Zugehörigkeit als Auszeichnung kodiert.

2. Die Anapher Erwache … erwache! verdoppelt den Weckruf und schließt rhythmisch an Vers 19 an. Der Vers ist als apostrophische Beschwörung gebaut.

3. Lautlich fällt die Assonanz auf -ache auf (Rache/Erwache), wodurch eine Klangbrücke entsteht: Das Erwachen ist der Weg zur Rache, Rache die Frucht des Erwachens.

4. Grammatisch bleibt das Subjekt passiv angesprochen: Es soll aktiv werden, weil es – implizit – bisher schlief. Schlaf fungiert als Metapher politischer Lethargie.

Interpretation

1. Der Vers verknüpft nationale Identität mit moralischer Qualität (edles Volk). Würde und Pflicht werden miteinander verschränkt: Gerade weil es edel ist, muss es erwachen.

2. Die Erweckungssemantik spielt auf religiöse und biblische Topoi (Wach auf, der du schläfst) an und überträgt sie ins Politische. Der Nationalkörper soll sich wie ein Gläubiger zum Heil erheben – hier in Richtung Vergeltung.

3. Die doppelte Wiederholung erzeugt liturgisches Sprechen. Das Lied wird zu einer Art politischer Litanei, die Gemeinschaft stiftet und Handlungsmacht performativ erzeugt.

21 Und tilge weg des Teufels Spott!

Analyse

1. Mit tilge weg steht ein Reinigungs- und Löschverb im Zentrum. Es geht nicht allein um Sieg, sondern um Tilgung von Beschämung.

2. Des Teufels Spott demonisiert den Gegner maximal. Teufel ist nicht nur Schimpfwort, sondern theologische Setzung, die den Konflikt eschatologisch auflädt.

3. Rhetorisch liegt eine Metonymie vor: Spott steht für die fortgesetzte Demütigung, vielleicht auch für fremde Herrschaftszeichen und -gesten, die das Volk ertragen musste.

4. Der Vers bindet an die vorigen Imperative an und verschiebt vom allgemeinen Erwachen zur konkreten Aufgabe: die Entfernung des Schandzeichens.

Interpretation

1. Der Gegner wird moralisch absolut gesetzt, wodurch Kompromisssemantiken ausgeschlossen werden. Wenn der Andere Teufel ist, kann der eigene Akt nur als Reinigung erscheinen.

2. Die Tilgungsmetapher deutet Rache als Restitution: Man löscht nicht nur Schuld, sondern löscht Spott, also die moralische Deformation der eigenen Ehre.

3. Der Übergang von Erweckung zu Tilgung macht deutlich: Für Arndt ist Ehre nicht kontemplativ zu gewinnen, sondern durch aktives Entfernen des Bösen – der Vers schließt ein kontemplatives Christentum faktisch aus.

22 Ist er stark durch Lügenkünste,

Analyse

1. Der Vers führt als concessio ein: Man gesteht dem Gegner Stärke zu – jedoch durch Lügenkünste. Stärke erscheint damit derivativ, nicht substantiell.

2. Lügenkünste verbindet moralisch falsch (Lüge) und technisch geschickt (Kunst). Der Feind gewinnt durch Technik der Täuschung, nicht durch Wahrheit oder Recht.

3. Klanglich wirkt die Alliteration der L-Laute und die Kompositumschwere. Der Satz bleibt syntaktisch offen und verlangt Fortsetzung – eine argumentative Brücke zum Gegenzug.

4. Semantisch wird eine Unterscheidung von Machtquellen angelegt: listige, dämonische Kunst versus legitime, göttlich gestützte Kraft.

Interpretation

1. Der Vers verschiebt die Ebene von der reinen Dämonisierung zu einer Theorie der Macht: Unrecht kann stark erscheinen, ist aber epistemisch hohl.

2. Indem man Lüge zur Ursache erklärt, wird die kommende Gegenhandlung als Wahrheitsvollzug vorbereitet. Rache wird als Enthüllung definiert, nicht als bloße Gewalt.

3. Das Zugeständnis der Stärke steigert die Dramatik: Je stärker die Lüge, desto größer die Bewährung der Wahrheitsmacht, die nun aufgerufen wird.

23 Du reiße höllische Gespinste

Analyse

1. Die Imperativstruktur kehrt zurück: reiße bildet das tätige Pendant zur zuvor benannten List.

2. Gespinste ruft das Bild des Spinnennetzes auf. Es ist feingliedrig, klebrig, schwer sichtbar – eine treffende Metapher für Propaganda, Intrige und ideologische Verstrickung.

3. Das Adjektiv höllische knüpft an Teufel an und stabilisiert die dämonologische Semantik.

4. Der Vers bleibt syntaktisch gespannt und verlangt das Ziel- oder Mittelwort, das im folgenden Vers geliefert wird (inzwei durch deinen stärkern Gott).

Interpretation

1. Rache konkretisiert sich als Ent-Netzung: Man zerstört das, was bindet und blendet. Gewalt wird als Befreiung aus Fesseln rationalisiert.

2. Das Bildfeld verschiebt den Fokus von der feindlichen Person auf dessen Wirkungsgewebe. Damit erscheint die Tat nicht personal-destruktiv, sondern strukturell reinigend.

3. Die Höllenmetaphorik sakralisiert den Akt: Wer reißt, dient nicht der Willkür, sondern der Exorzistik – eine Deutung, die theologische Autorisierung liefert.

24 Inzwei durch deinen stärkern Gott:

Analyse

1. Inzwei (archaisierend für entzwei) vollendet die Handlung: Das Netz wird nicht nur beschädigt, sondern vollständig gespalten.

2. Die instrumentale Bestimmung durch deinen stärkern Gott führt die Quelle der Handlungsmacht ein. Der Vergleichsgrad stärkern setzt implizit eine Konkurrenz voraus: Lügenmacht vs. Gottesmacht.

3. Der Kolon am Schluss deutet auf Fortsatz im Gedichtganzen; zugleich schließt er die kleine argumentative Periode der Strophe ab (Ziel – Mittel – Begründung).

4. Stilistisch tritt hier Theokratisierung ein: Politische Aktion wird als Werkzeug göttlicher Kraft verstanden.

Interpretation

1. Der Vers artikuliert eine Theologie der Providenz im Modus politischer Befreiung: Menschen handeln, aber Gott ist der eigentliche Agens, dessen Stärke die List überbietet.

2. Die Formulierung deinen … Gott bindet Gott partikularistisch an das Volk. Theologisch ist das ein riskanter Zug, weil er den universalistischen Anspruch des Christentums national einhegt; poetisch aber ermöglicht er maximale Identifikation.

3. Die Gewaltsemantik wird entmoralisierend überhöht: Nicht wir zerstören, sondern Gott zerreißt durch uns. Das verschiebt Verantwortung und immunisiert das Handeln gegen inneren Zweifel.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 4

1. Rhetorische Architektur und Klang

Die Strophe entfaltet sich als Steigerungsfigur vom bloßen Aufruf (zur Rache auf!) über den Weckruf an das Kollektiv (Erwache, edles Volk!) zur konkreten Handlungsanweisung (tilge, reiße) und endet in der instrumentalen Theologisierung (durch deinen stärkern Gott). Die wiederholten Imperative, die Epizeuxis und die Anaphern erzeugen eine Sprechbewegung, die performativ Gemeinschaft bildet. Der Gleichklang von Rache/Erwache bindet Affekt (Rache) an Bewusstwerdung (Erwachen), sodass Emotionalität und Rationalisierung des Handelns ineinander greifen.

2. Bildfelder und Gegnerkonstruktion

Arndt arbeitet mit einer doppelten Feindfiguration: Der Teufel markiert den Gegner in transzendenter Überhöhung, während Lügenkünste und höllische Gespinste das Wirken des Gegners als Netz der Täuschung und Verstrickung veranschaulichen. Dieses Netz-Bild erlaubt es, die eigene Aggression als Akt der Befreiung von Fesseln zu deuten, nicht als bloße Destruktion eines Anderen. Die Dämonisierung legitimiert die Ausschaltung jedes Kompromisses.

3. Ethik der Rache als Heilsrhetorik

Die Strophe verbindet Rache mit Heilssemantik: Erwachen, Tilgen, Zerreißen werden als Schritte einer Reinigung dargestellt. Rache erscheint nicht als Niederung des Affekts, sondern als Vollstreckung einer höheren Ordnung. Das moralische Paradox – christliche Liebe versus Vergeltung – wird aufgelöst, indem Vergeltung als Wahrheitstat gegen Lüge ausgegeben wird.

4. Theologische Instrumentalisierung politischer Aktion

Der Schlusssatz durch deinen stärkern Gott ist das ideologische Scharnier: Gott fungiert als Legitimationsquelle und zugleich als Überdeterminierung der menschlichen Tat. Dadurch wird die politische Mobilisierung sakralisiert. Das deinen bindet die Gottesvorstellung an das Kollektiv und verschafft dem Volk metaphysischen Vorrang, was die Wirkung des Liedes auf ein nationalreligiöses Pathos hin steigert.

5. Form und Reimlogik

Die Strophe arbeitet – dem Abdruck nach – mit der Reimordnung a a b c c b (Rache/erwache – Spott – Lügenkünste/Gespinste – Gott). Inhaltlich rahmen Affektsteigerung und Theologie den Mittelteil: Dem Spott und den Künsten der Lüge wird ein göttlich autorisiertes Gegengewicht entgegengestellt. Das Schemagefüge bewirkt semantische Verschränkung von Anfang und Ende: Was als Rache beginnt, endet als Gottesmacht.

6. Historischer Resonanzraum (1818)

Vor dem Hintergrund der Befreiungskriege und der Nach-Napoleon-Zeit wird Rache als politisches Programm verstanden. Die Strophe spricht in der grammatischen Zweiten Person Plural das Volk an und zieht es in einen liturgisch aufgeladenen Chor hinein. Das Stück ist zugleich Liedtext und politisches Manifest, das Erweckungsrhetorik der Erneuerung mit einer Dämonisierung des Gegners verbindet.

7. Ambivalenzen und kritische Tiefenschicht

Die Strophe erreicht ihre Überzeugungskraft durch Pathos, bezahlt aber mit Ambivalenzen: Die Nationalisierung Gottes (deinen Gott) kann zur Ausschließung führen; die Sakralisierung von Gewalt droht, Selbstkritik zu ersticken. Poetisch produktiv ist die klare Metaphernbündelung (Netz, Spott, Lüge); ethisch bleibt eine Spannung zwischen christlicher Nächstenliebe und kollektivem Vergeltungspathos, die der Text zugunsten der Vergeltung auflöst.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 5

25 Durch Gott, vor dem die Teufel zittern,

Analyse

1. Der Vers eröffnet mit einer invokativen Präpositionalkonstruktion (Durch Gott) und setzt damit ein starkes Kausal- und Autoritätszeichen: Alles Folgende steht ausdrücklich unter göttlicher Legitimation und Wirksamkeit.

2. Die nachgestellte Relativkonstruktion (vor dem die Teufel zittern) verstärkt die Transzendenz, indem sie Gott als denjenigen charakterisiert, vor dem selbst dämonische Mächte erbeben; hierin klingt eine biblische Formel an (die Vorstellung, dass die Dämonen zittern, wenn Gott gedacht/benannt wird).

3. Klanglich markieren die scharfen Zisch- und Dental-Laute (Teufel, zittern) eine harte Tongebung, die zur martialischen Thematik der Strophe passt.

4. Syntaktisch handelt es sich um ein Vorlauf-Segment, das die semantische Leitachse der Strophe setzt; die eigentliche Prädikatsspannung wird in den Folgeverse getragen.

Interpretation

1. Der Sprecher reklamiert nicht nur göttlichen Beistand, sondern eine unmittelbare Handlungskausalität: Menschen handeln durch Gott, also als Instrumente einer höheren Gerechtigkeit.

2. Die Dämonologie dient der moralischen Polarisierung: Wer gegen die anstehende Gewalt steht, steht implizit auf der Seite dessen, was vor Gott erzittert; so entsteht ein scharfes Freund-Feind-Schema.

3. Der Vers sakralisiert die bevorstehende Vergeltung, indem er sie in einen kosmischen Rahmen stellt: Nicht bloß politische Notwehr, sondern eschatologisch grundierte Recht-Setzung.

26 Wann wild in Schlachtenungewittern

Analyse

1. Mit der anaphorischen Temporalpartikel Wann beginnt eine Bedingungs- bzw. Zeitkette; der Vers führt in eine Szenographie des Krieges.

2. Das Kompositum Schlachtenungewittern ist ein dichterischer Neologismus, der Schlacht und Unwetter in ein Bild verschmilzt; dies naturalisiert den Krieg als ein Elementargeschehen.

3. Das Adverb wild gibt dem Bild die ungebändigte Dynamik; klanglich stützen die Alliterationsreste (Schlachten…/…ungewittern) und die Binnenkonsonanz das Unruhige.

4. Der Vers bleibt erwartungsoffen; das Prädikat, auf das Wann zuläuft, wird erst später erfüllt, wodurch Spannung aufgebaut wird.

Interpretation

1. Krieg erscheint als Naturgewalt: Dadurch wird das moralische Urteil verschoben – nicht mehr ein bloßes Tun von Menschen, sondern ein eruptives Ereignis, das über sie hereinbricht.

2. Die naturalisierende Metaphorik entlastet die Handelnden von individueller Schuld und verlegt Verantwortung in eine höhere, quasi meteorologische Logik.

3. Gleichzeitig wird heroische Bereitschaft gefordert: Wer in Schlachtenungewittern besteht, zeigt Tugend, nicht bloß Tapferkeit.

27 Der Donner durch die Reihen fährt,

Analyse

1. Donner fungiert als Metonymie für Artilleriefeuer; das Verb fährt verleiht der tödlichen Energie rasende Bewegung.

2. Die Präpositionalgruppe durch die Reihen konkretisiert Kriegsordnung: Es sind nicht bloß Menschen, sondern militärische Formationen, die getroffen werden.

3. Prosodisch schneidet der Vers mit seinen harten Dentallauten (Donner, durch) die Luft; die Phonetik bildet das Zerreißen der Reihen nach.

4. Die syntaktische Fortführung der Wann-Konstruktion hält die Spannung: Noch immer bereiten die Bilder das climaktische Urteil vor.

Interpretation

1. Das Bild arbeitet an der Wahrnehmungsschwelle von Natur und Technik: Donner ist Naturlaut, Kanonendonner ist Kulturlaut – die Gleichsetzung hebt die Gewalt in den Bereich des Schicksalhaften.

2. Der Vers illustriert, wie Kriegsmaschinen durch menschliche Ordnungen schneiden; er evoziert Angst, aber im Kontext der Strophe wird diese Angst in heroische Entschlossenheit umkodiert.

3. Die existenzielle Bedrohung wird bewusst nicht sentimentalisiert; sie dient als Schauplatz für das folgende Ethos der Opferbereitschaft.

28 Wann die Freien fröhlich sterben,

Analyse

1. Wieder die Anapher Wann; diesmal wird das Subjekt explizit: die Freien. Damit wird das politische und moralische Kollektiv markiert, das die Strophe feiert.

2. Die Alliteration Freien – fröhlich produziert eine paradoxale Semantik: Freude am Sterben, Freude im Angesicht des Todes.

3. Der Vers kippt vom Natur-/Technikbild zur Gesinnungsethik; der Fokus liegt nun auf innerer Haltung, nicht auf äußerem Geschehen.

4. Grammatisch bleibt der Satz noch offen; der Kulminationspunkt wird in den beiden Schlussversen erreicht.

Interpretation

1. Der Tod wird nicht beklagt, sondern als freudiges Opfer für Freiheit gedeutet; das ist eine Heroisierung, die an antike und christliche Martyriumstopoi rührt.

2. Die Freien fungieren als Gegenfigur zu den Tyrannen der Schlussverse; Freiheit wird als höchste sittliche Norm gesetzt, die selbst den Tod verklärt.

3. Die Freude am Sterben verweist auf eine Transzendenzhoffnung: Wer im rechten Kampf fällt, steht vor Gott gerecht – eine implizite Heilslogik, die den ersten Vers (Durch Gott…) wieder aufnimmt.

29 Tyrannenschädel gleich den Scherben

Analyse

1. Der Vers bringt eine robuste Vergleichsfigur (gleich den Scherben): Schädel werden mit spröden Keramikscherben verglichen – das ist drastisch und bewusst entmenschlichend.

2. Das Kompositum Tyrannenschädel bündelt Person und System in einer synekdochischen Verdichtung: Der Kopf steht für die Herrschaft.

3. Die Harten Laute (Tyrann-, Scherben) und die Konsonantenballung erzeugen die Haptik des Zerbrechens bereits auf der Lautebene.

4. Der Vers ist semantisch präludierend; das eigentliche Prädikat (zersplittern) folgt im Abschluss.

Interpretation

1. Die Dehumanisierung der Gegner (Schädel statt Menschen) dient der Legitimation von Gewalt als Reinigungshandlung gegen Tyrannei.

2. Die Scherbenmetaphorik ruft ein Bild der Weltneuordnung hervor: Wenn das Alte zerbricht, kann Neues entstehen; Rache wird zur Geburtshelferin eines anderen Zustands.

3. Der Vers moralisiert nicht abstrakt, sondern imaginiert die physische Konsequenz der Gerechtigkeit: Der Tyrann ist brüchig, der Freiheitskämpfer ist schlagkräftig.

30 Zersplittern durch der Tapfern Schwert.

Analyse

1. Das starke, initial gesetzte Prädikat Zersplittern liefert den lang vorbereiteten Satzkern; der Klang bricht wie Glas.

2. Der Tapfern Schwert ist eine altertümelnde Genitivstellung (das Schwert der Tapferen), die die Handlungsträgerschaft dem Kollektiv der Mutigen zuschreibt.

3. Der Endreim auf fährt/Schwert (mit Vers 27) rahmt Technik- und Tatmoment; zugleich korrespondiert Scherben/sterben (V. 29/28) als Binnenreimpaar.

4. Durch die final gesetzte, einsilbige Schlagwort-Kadenz Schwert erhält der Vers epigrammatische Wucht.

Interpretation

1. Der Schluss formt das ethische Programm in ein klares Handlungsaxiom: Tapferkeit ist das Werkzeug, durch das – unter Gottes Vorzeichen – Tyrannei real zertrümmert wird.

2. Die Koppelung von göttlicher Kausalität (V. 25) und menschlicher Exekution (V. 30) etabliert eine Theologie der Vergeltung: Gott autorisiert, die Tapferen vollstrecken.

3. Die Bildlogik ist totalisierend: Wo das Schwert der Tapfern erscheint, hat der Tyrannenschädel strukturell keine Chance – es ist ein rhetorischer Siegessatz.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 5

1. Struktur und Syntax: Die Strophe entfaltet sich als großer, durch Anaphern gegliederter Spannungssatz. Ein invokativer Auftakt (Durch Gott…) setzt den theologischen Rahmen, zwei Wann-Klauseln (V. 26, 28) staffeln Natur-/Technikbild und Gesinnungsethik, und die letzten beiden Verse liefern Vergleich und Vollzug. Die Syntax bildet damit ein Crescendo vom Grund (Legitimation) über Szene (Krieg) und Ethos (Freude am Opfer) zum Akt (Zerschlagung).

2. Klang und Form: Die Reimordnung lässt sich als aabccb lesen (zittern/Ungewittern; fährt/Schwert; sterben/Scherben). Die dominierenden Dental- und Zischlaute sowie die harten Konsonantenballungen erzeugen einen akustischen Eindruck von Schlag, Riss und Sturm; Form und Inhalt arbeiten eng zusammen.

3. Bildfelder: Drei Felder überlagern sich: das theologische (Gott, zittern die Teufel), das naturhafte (Ungewitter, Donner) und das martialisch-leibliche (Reihen, Schädel, Schwert). Diese Trias verschiebt Verantwortung vom Individuum in einen höheren Rahmen und re-legitimiert Gewalt als Teil einer göttlich-natürlichen Ordnung.

4. Sakralisierung der Gewalt: Die Strophe transformiert Rache in eine kultische Handlung. Der Bezug auf Gott, vor dem die Teufel zittern, adelt den Kampf zur Vollstreckung eines vermeintlichen Rechts. Dies ist nicht bloß Patriotismus, sondern eine Just-War-Rhetorik mit eschatologischem Unterton.

5. Heroisches Opferethos: Der paradox formulierte Satz, dass die Freien fröhlich sterben, stilisiert den Tod zum sinnhaften Opfer. Politische Freiheit erhält Heilswert; die Freude verweist auf eine Hoffnung, die den physischen Untergang transzendiert und ihn zugleich rhetorisch konsumierbar macht.

6. Entmenschlichung des Gegners: Mit Tyrannenschädel und Scherben wird der Gegner zum Objekt mechanischer Zerstörung. Diese metaphorische Strategie räumt der Gewalt den Weg, indem sie Mitleidsbarrieren abträgt und die Handlung als notwendige Reinigung inszeniert.

7. Historischer Resonanzraum: Verfasst nach den Befreiungskriegen, artikuliert die Strophe ein politisches Programm der Nationenbildung über Feindbild und Opferbereitschaft. Sie verdichtet die Erfahrung napoleonischer Kriege in eine poetische Rache-Ethik, die sich an ein kollektives Wir der Freien richtet.

8. Ambivalenz und Wirkung: Poetisch ist die Strophe wirkungsvoll – stringent gebaut, klangstark, bildkräftig. Ethisch bleibt sie problematisch, weil sie das Freund-Feind-Schema totalisiert und Gewalt theologisch sanktioniert. Gerade diese Spannung erklärt ihre historische Wirkmacht: Sie ist mobilisierend und mythisierend zugleich.

Damit zeigt Strophe 5, wie Arndt mit theologischer Autorisierung, naturexpressiver Kriegsbildlichkeit und heroischer Gesinnung eine Rhetorik der Vergeltung formt, in der Freiheit durch radikale Zuspitzung auf Tyrannei definiert und im Vollzug der Zerschlagung performativ behauptet wird.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 6

31 Auf! es gilt die höchsten Fehden,

Analyse

Der eröffnende Imperativ Auf! setzt einen abrupten, militärischen Ton und wirkt wie ein Trommelschlag, der die Zuhörerinnen und Zuhörer aus der Passivität reißt. Die syntaktische Verkürzung vor dem nachgestellten Hauptsatz erzeugt maximale Dringlichkeit.

Mit der Formulierung es gilt wird eine feierlich-unwiderrufliche Lage beschworen; sie stellt das Kommende nicht als Option, sondern als Pflicht dar.

Das Substantiv Fehden greift ein vorstaatlich-mittelalterliches Rechts- und Ehrenvokabular auf. Es verweist auf rituell kodierte, persönlich und kollektiv gebundene Gewaltakte, die als legitime Formen der Vergeltung verstanden wurden.

Metrisch zeigt sich ein überwiegend trochäischer Grundschlag mit fallender Tendenz; die Betonungen tragen den befehlshaften Charakter, während die Alliteration Fehden/höchsten (h-Anlaut) den emphatischen Gestus stützt.

Die Steigerungsform höchsten etabliert früh eine Hyperbel und bereitet eine Klimax vor, die die Strophenmitte beherrschen wird.

Interpretation

Der Vers definiert den Konflikt nicht als gewöhnlichen Krieg, sondern als existentiell gesteigerte, nahezu sakral überhöhte Auseinandersetzung. Dadurch wird der moralische Druck erhöht: Wer sich entzieht, versündigt sich an Ehre und Gemeinschaft.

Die Rückbindung an Fehde verklärt Gegenwartskämpfe in ein heroisches, mythisch gefärbtes Vergangenheitsregister. Arndt inszeniert so eine Traditionsbrücke, die nationale Selbstbehauptung als Wiederaufnahme althergebrachter Rechtspraxis verklärt.

Die Dringlichkeit formt eine kollektive Identität im Modus des Alarmrufs: Es gibt keine Zuschauenden, sondern nur Beteiligte.

32 Die stummen Stöcke möchten reden,

Analyse

Der Vers arbeitet mit Personifikation und Prosopopöie: Stöcke – unbelebte Dinge – werden mit Stimme und Redeakt ausgestattet. Die Adjektivierung stumm wird sofort dementiert, indem die Möglichkeit des Sprechens (möchten reden) aufscheint.

Der Konjunktiv (möchten) bringt eine Potenzialität ins Spiel und weckt die Vorstellung, dass selbst das Unbelebte kurz vor dem Ausbruch steht.

Die Alliteration stummen Stöcke (st-) und die Binnenklänge ziehen den Vers lautmalerisch zusammen, was die rhetorische Wucht erhöht.

Interpretation

Der Vers steigert die moralische Anklage: Wenn sogar Stöcke sprechen wollen, wäre menschliches Schweigen skandalös. Der Appell richtet sich gegen Apathie und Feigheit.

Die Prosopopöie setzt eine Vision radikaler Sinnesumkehr: Die Welt selbst revoltierte gegen das Verstummen der Menschen. Daraus ergibt sich die implizite Forderung, dass gerade die Menschen – als eigentlich Verantwortliche – erst recht die Stimme erheben müssen.

Zugleich wird ein pathosgeladenes Weltbild erzeugt, in dem das Politische kosmische Resonanz erhält: Die Umwelt reagiert auf Unrecht.

33 Der stumme Stein Posaune sein,

Analyse

Die Bildlogik wird intensiviert: Nicht nur sollen Stöcke reden, nun wird der stumme Stein zur Posaune. Damit verschiebt sich die Qualität vom bloßen Sprechen zum lauten, durchdringenden, ja apokalyptisch konnotierten Schall.

Der Ausdruck Posaune evoziert biblische Signaturen (Offb 8–11; die Posaunenengel), ebenso das lukanische Motiv, dass die Steine schreien werden (Lk 19,40). Die religiösen Anklänge überhöhen den Aufruf ins Eschatologische.

Die Kürze und Härte der Hebungen (STUM-me STEIN Po-SAU-ne SEIN) erzeugen eine klangliche Verdichtung, die das Bild wie einen Signalstoß wirken lässt.

Interpretation

Das Bild legt nahe, dass die historische Stunde ein Gerichtsmoment ist: Die Posaune ruft zum Erwachen, zur Sammlung, zur Entscheidung. National-politische Pflicht wird mit heilsgeschichtlichem Ernst versehen.

Indem Steine Posaune werden, wird das Verstummen der Menschen noch schärfer denunziert: Wer jetzt nicht spricht, verfehlt nicht nur Politik, sondern Widerhall und Ruf der Geschichte – ja der Transzendenz.

Die religiöse Symbolik dient der Sakralisierung des Zorns: Rache erscheint als gerechtfertigter, ja gebotener Vollzug.

34 Faule Berge sich bewegen,

Analyse

Die Personifikation setzt sich fort, nun in Form einer paradoxen Charakterisierung: faule Berge. Faul ist ein moralischer Vorwurf, auf ein Naturphänomen projiziert; dadurch entsteht eine drastische Übertragung menschlicher Laster auf die Landschaft.

Sich bewegen kontrastiert die normative Unbeweglichkeit des Gebirges. Das Oxymoron – die Bewegung des Unbeweglichen – treibt die Klimax weiter.

Klanglich reagiert die f-Alliteration (Faule… bewegen) weniger markant, die Semantik übernimmt die Dynamik. Die syntaktische Schlichtheit unterstreicht die Bildschlagkraft.

Interpretation

Der Vers entwirft eine Welt in Umsturz: Selbst die trägsten, gewaltigsten Gebilde geraten in Bewegung. Daraus folgt, dass alles, was nicht in Bewegung kommt, wider die Natur der Stunde handelt.

Der moralische Spiegel richtet sich indirekt an das Ihr: Wenn sogar Berge in Bewegung geraten, darf menschliche Trägheit keine Entschuldigung finden.

Historisch gelesen deutet sich das Nachbeben der Befreiungskriege an: Eine Zeit tektonischer Verschiebungen, in der Zögernde als Anachronismen erscheinen.

35 Und ihr nur griffet nicht zum Degen?

Analyse

Der Übergang von der kosmischen Allegorie zur direkten Anklage vollzieht die Wendung vom Allgemeinen zum Duellativen: Das Ihr wird frontal adressiert.

Der Konjunktiv Präteritum griffet (archaisierende Form) verleiht dem Satz eine Anmutung zwischen hypothetischer Rede und sarkastischer Empörung; die Frageform ist klar rhetorisch und zielt auf Beschämung.

Das Lexem Degen aktiviert ein Ehr- und Standesvokabular des Offiziers und des Bürgertums im frühen 19. Jahrhundert. Es ruft die Pflicht zur bewaffneten Verteidigung als Ehrennorm auf.

Der Binnenrhythmus akzentuiert nicht als Schlagwort der Verweigerung; das Fragezeichen markiert den Höhepunkt der moralischen Eskalation.

Interpretation

Der Sprecher konfrontiert seine Adressaten mit der Unangemessenheit ihrer Untätigkeit: Wenn selbst Steine und Berge handeln, ist das Nicht-Greifen zur Waffe eine Schande.

Das Appellative kippt in ein Tribunal: Die Gemeinschaft der Angesprochenen steht unter Anklage, nicht aus Mangel an Fähigkeit, sondern an Willen.

Der Degen symbolisiert nicht bloß physische Gewalt, sondern soziale Verantwortung und Bereitschaft, das Gemeinwesen aktiv zu schützen.

36 Ihr wolltet faul zum Kampfe sein?

Analyse

Die Wiederaufnahme des Ihr verstärkt die persönliche Verantwortungszuschreibung; die Syntax bleibt als rhetorische Frage aufgerichtet.

Mit wolltet wird die Passivität als Willensakt markiert: Faulheit gilt nicht als Schwäche, sondern als bewusste Entscheidung.

Die Wiederholung des Adjektivs faul (vgl. Vers 34) erzeugt eine semantische Brücke zwischen kosmischer und menschlicher Trägheit; nun wird das zuvor metaphorisch Belastete als ethische Verfehlung des Adressaten ausgewiesen.

Die Schlussstellung sein? formt einen offenen, peitschenden Kadenzausklang, der den Vorwurf im Ohr nachhallen lässt.

Interpretation

Der Vers beschließt die Strophe mit einer eindeutigen moralischen Wertung: Wer in dieser Stunde nicht kämpft, begeht eine willentliche Unterlassungstat.

Das Ethos des Gedichts bündelt sich hier: Aktivität ist Gebot, Passivität ist Schuld. Die Passage grenzt Gemeinschaft (die Handelnden) und Anti-Gemeinschaft (die Faulen) scharf voneinander ab.

In der Logik des Textes erscheint Kampfbereitschaft als Prüfstein nationaler Zugehörigkeit; Untätigkeit wird zu einem quasi antinationalen Akt.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 6

Rhetorische Architektur und Klimaxbildung: Die Strophe entfaltet eine klar gesteigerte Bildreihe vom Sprech-Potenzial unbelebter Dinge bis zur apokalyptischen Fanfare und zu tektonischer Bewegung. Diese Klimax dient nicht der Ornamentik, sondern dem moralischen Druckaufbau: Was die Natur selbst zu tun scheint, darf der Mensch nicht verweigern. Die rhetorischen Fragen der letzten beiden Verse bilden den Kulminationspunkt, an dem die zuvor gewonnenen Bilder als Folien der Beschämung gegen das Ihr gewendet werden.

Stilmittel und Klang: Personifikation und Prosopopöie sind die Leitfiguren; Hyperbel, Alliteration und biblisch-apokalyptische Anspielungen (Steine, die Posaune werden; Berge, die sich bewegen) stärken die Suggestivkraft. Der imperative Auftakt und der trochäische Grundrhythmus erzeugen eine Marsch- und Appellstimmung. Archaismen (Fehden, griffet, Degen) verankern den Ton in einem heroisch-traditionalistischen Register.

Semantische Pole und Wertung: Handlung vs. Trägheit bildet die zentrale Antithese. Die Naturbilder fungieren als Norminstanzen: Wenn selbst die faulen Berge sich bewegen, ist menschliche Faulheit keine anthropologische Konstante, sondern ein moralisches Versagen. Die Strophe kodiert Passivität als willentliche Schuld und Kampfbereitschaft als moralische Pflicht.

Sakralisierung des Politischen: Durch die biblischen Resonanzen wird der historische Konflikt (nach den Befreiungskriegen) heilsgeschichtlich aufgeladen. Rache erscheint nicht als privates Ressentiment, sondern als Vollstreckung eines höheren, von Geschichte und Transzendenz gleichermaßen beglaubigten Auftrags.

Adressierungsstrategie und Kollektivbildung: Das anfängliche unbestimmte Pathos (es gilt…) nimmt in den Schlussversen die Form persönlicher Anklage an. So stiftet die Strophe ein Kollektiv der Entschlossenen, indem sie ein Gegenkollektiv der Trägen markiert. Die Redeform macht die Hörerinnen und Hörer zu Mit-Adressaten, die sich entscheiden müssen.

Ideologiekritische Perspektive (reflektierend): Die ästhetische Wucht der Strophe entsteht aus der poetischen Überredungskunst, die Natur- und Offenbarungsbilder mobilisiert, um militante Konsequenzen zu rechtfertigen. Gerade deshalb verdient der Text eine wache Lektüre: Er zeigt exemplarisch, wie Dichtung Affektlogiken der Mobilisierung erzeugt, indem sie Schuldzuweisungen personalisiert und Alternativen moralisch entwertet.

Diese Strophe ist damit eine kunstvoll zugespitzte Anrufung, die die Welt selbst als Zeugin des Unrechts inszeniert, um ein Ethos der Handlung zu erzwingen. Die Bildtriade von redenden Stöcken, posaunenden Steinen und sich rührenden Bergen arbeitet als imaginärer Resonanzraum, in dem Passivität nicht länger denkbar erscheinen soll – und genau darin liegt sowohl die poetische Kraft als auch die problemgeschichtliche Brisanz des Textes.

Vers-für-Vers-Kommentar
Strophe 7

37 Auf! die Stunde hat geschlagen –

Analyse

1. Der auftrumpfende Einsilber Auf! fungiert als militärischer Weckruf. Er durchbricht den Fluss der Rede, markiert einen Einschnitt und erzeugt sofortige Handlungsbereitschaft.

2. Die Redewendung die Stunde hat geschlagen ruft das Bild der Turmuhr und damit der geschichtlichen Stunde auf. Sie verbindet Alltagsakustik (Uhrschlag) mit einer feierlich-eschatologischen Färbung: Jetzt ist der Zeitpunkt der Entscheidung.

3. Der Gedankenstrich am Versende hält den Atem an und verlängert den Alarmzustand. Er schafft einen Spannungsbogen zum nächsten Vers.

4. Klanglich liegt ein markanter Wechsel aus kurzem Imperativ und schwerem, gedehntem Bild vor. Das verleiht dem Auftakt eine hämmernde, marschartige Bewegung.

Interpretation

1. Der Sprecher setzt performativ Handeln in Gang: Sprache wird zum Befehl, der sich an eine Menge richtet.

2. Die Stunde rahmt das Geschehen geschichtsphilosophisch: Das Kollektiv soll sein Tun als Antwort auf eine höhere, gleichsam schicksalhafte Setzung verstehen.

3. Der Gestus der Unumkehrbarkeit – es ist soweit – schließt Zögern aus und legitimiert Entschlossenheit.

4. Das Pathos bereitet eine ideologische Aufladung vor: Aus einem Jetzt wird ein Muss.

38 Mit Gott dem Herrn wir wollen's wagen:

Analyse

1. Die Voranstellung der Präpositionalgruppe (Mit Gott dem Herrn) ist eine Inversion, die den Gottesbezug emphatisch platziert.

2. Wir wollen’s wagen koppelt kollektive Willensbildung mit Mutsemantik; das wir bindet Sprechenden und Hörende zu einem Volks-Wir.

3. Das Doppel Gott/Herr verstärkt den sakralen Ton und erinnert an liturgische Formeln.

4. Der Doppelpunkt öffnet den Vers semantisch nach vorn: Es folgt die konkrete Handlung, die aus der theologischen Legitimationsformel abgeleitet wird.

Interpretation

1. Der Kampf erhält den Charakter eines gerechten oder gar heiligen Unternehmens, da er unter Gottes Schirm gestellt wird.

2. Politische Aktion erscheint nicht als bloße Option, sondern als geistlich gedeckter Auftrag.

3. Die Binnenkohäsion des Kollektivs wird über Religion gestiftet: Glaube fungiert als sozialer Kitt für den bevorstehenden Einsatz.

4. Der Vers verschiebt Verantwortung vom Menschen auf die Vorsehung, wodurch die moralische Ambivalenz von Gewalt rhetorisch entschärft wird.

39 Frisch in den heil'gen Kampf hinein!

Analyse

1. Das Adverb Frisch ist bewegungs- und gemütsverstärkend: Es verheißt Tatkraft, Jugendlichkeit und Unverdrossenheit.

2. Heil'gen Kampf sakralisiert das Politisch-Militärische; die Kürzung heil'gen verdichtet den Sprachrhythmus und verstärkt das Schlagworthafte.

3. Die Präposition hinein erzeugt ein Vektorbild: Das Kollektiv tritt aktiv in ein Feld ein, nicht bloß an dessen Rand.

4. Der Ausruf schließt an den Doppelpunkt des vorigen Verses an und erfüllt dessen Ankündigung mit Handlungspathos.

Interpretation

1. Krieg bzw. bewaffneter Widerstand wird rhetorisch in eine moralisch reine Sphäre gehoben, wodurch Opfer akzeptabel erscheinen.

2. Der Vers verkörpert die romantische Idealisierung des Kriegs als Läuterungs- oder Weiheakt der Nation.

3. Das Momentum der Bewegung (hinein) lädt zum Mitgehen ein; wer außen bleibt, stellt sich implizit gegen Gemeinschaft und Gott.

4. Der Ton verrät den Übergang vom Beschwören zum Vorstürmen: Der Text kippt vom Wort ins Tun.

40 Laßt in Tälern, laßt auf Höhen

Analyse

1. Die Anapher Laßt … laßt … organisiert den Vers als Befehlskette und erhöht die Dringlichkeit.

2. Die Paarung Täler/Höhen bildet eine Merismus-Figur, die die gesamte Landschaft umfasst: vom Tiefsten bis zum Höchsten.

3. Der Vers wechselt vom inneren Entschluss zur äußeren Sichtbarkeit im Raum; die Topographie wird zum Resonanzkörper des Handelns.

4. Syntaktisch bleibt der Vers offen und verlangt seine Fortsetzung im Folgevers, was die Erwartung steigert.

Interpretation

1. Das Kollektiv soll flächendeckend handeln; niemand ist ausgenommen.

2. Natur wird als Bühne der Nation imaginiert: Das Land selbst nimmt Anteil am Aufstandspathos.

3. Die Figur universalisiert den Appell – aus einem lokalen Aufruf wird ein nationales Programm.

4. Die Wiederholung wirkt einübend, als lerne die Menge den Befehl im Chor.

41 Die Fahnen hoch gen Himmel wehen!

Analyse

1. Fahnen fungieren als sichtbares Zeichen kollektiver Identität und militärischer Ordnung.

2. Die Richtung hoch gen Himmel verlängert die Vertikale aus 38/39: vom Gottbezug zur Zeichenhandlung. Die Bewegung führt symbolisch vom Irdischen ins Transzendente.

3. Der Satz predigt nicht nur das Hissen, sondern imaginiert das Wehen bereits als Vollzug; die Szene ist performativ realisiert.

4. Klanglich bündelt der Vers H-Alliterationen (hoch, Himmel), die den Aufwärtsschwung akustisch stützen.

Interpretation

1. Die Flagge wird zum Medium der Weihe: Das Politische sucht die himmlische Anerkennung.

2. Die vertikale Dynamik legitimiert die Sache doppelt – von unten (Volkssymbol) und von oben (Gotteshorizont).

3. Der Vers verschränkt nationale und religiöse Symbolik und überblendet so mögliche Spannungen zwischen christlicher Friedensethik und kriegerischer Aktion.

4. Sichtbarkeit wird zur Pflicht: Wer die Fahne nicht zeigt, verweigert sich dem gemeinsamen Bekenntnis.

42 Die Freiheit soll die Losung sein!

Analyse

1. Freiheit erscheint als oberstes Wertwort und begründet den gesamten Appell rückwirkend.

2. Losung ist doppeldeutig: militärisch als Erkennungswort/Parole und – im protestantischen Raum – als geistliche Tageslosung. Der Vers ruft bewusst beide Sphären auf.

3. Die Modalität soll … sein formuliert eine normative Setzung: Nicht irgendeine Parole, sondern diese und keine andere.

4. Der Exklamationsschluss krönt die Klimax der Strophe und schließt die Spannung aus Vers 37.

Interpretation

1. Der Text kondensiert das Programm in ein einziges Schlagwort und schafft dadurch politische Anschlussfähigkeit und emotionale Mobilisierung.

2. Die Parole greift den Freiheitsdiskurs der Befreiungskriege auf, bindet ihn aber an einen sakralen Rahmen – dadurch entsteht die Legitimationsfigur des heiligen Freiheitskampfes.

3. Die Doppeldeutigkeit von Losung verklammert Frömmigkeit und Militanz; sie ist das semantische Scharnier der Strophe.

4. Der Vers bietet ein moralisches Alibi: Freiheit deckt die Härte des Rache-Motivs, das den Gedichttitel prägt.

Zusammenfassende Untersuchung
Strophe 7

1. Rhetorische Dramaturgie als Klimax: Die Strophe steigert sich von der Alarmszene (Auf!) über die theologische Begründung (Mit Gott dem Herrn) zum entschlossenen Vorstoß (Frisch … hinein), weitet sich topographisch (Tälern/Höhen), verdichtet die Sichtbarkeit (Fahnen) und mündet in die normative Parole (Freiheit). Dieser sorgfältige Aufbau übersetzt Erregung in Handlung.

2. Sakralisierung des Politischen: Mehrere Marker – Gottesruf, heil'ger Kampf, gen Himmel – überführen den historischen Konflikt in eine Heilssemantik. Das erzeugt eine theologisch überhöhte Autorisierung des Kollektivhandelns, die Zweifel moralisch delegitimiert.

3. Raumgreifende Kollektivierung: Merismus und Anaphern verschalten Individuen zur Masse. Die Nation erscheint als akustisch-optischer Resonanzraum, in dem Uhren schlagen, Fahnen wehen und Stimmen im Chor Imperative aufgreifen.

4. Symbolpolitik und Sichtbarkeit: Fahnen und Losung sind Medien der Identitätsbildung. Der Text weiß, dass politische Transformation über Zeichen funktioniert, die man sieht und ruft. Deshalb stehen Hissen und Parolieren am Ende der Stufenfolge.

5. Formale Bindung der Inhalte: Das Reimschema aabccb (geschlagen/wagen – hinein – Höhen/wehen – sein) hält den Pathosstrom in einer kompakten, liedhaften Form. Der Wechsel von deklamatorischen Ausrufen und periodischer Syntax erzeugt einen Zug von Marsch und Chor.

6. Semantische Spannungen: Der Titel Lied der Rache legt Vergeltungsrhetorik nahe; die Strophe selbst betont dagegen Freiheit und Weihe. Diese Überblendung ist typisch für den nationalromantischen Diskurs nach 1815: Gewalt erhält ihren Glanz, indem sie als Freiheitsdienst und Gottesdienst inszeniert wird.

7. Ethik und Ideologie im Spiegel: Der Text verrät, wie politische Sprache Hemmungen abbaut: Durch Sakralisierung, Kollektivierung und Schlagwortverdichtung wird Handeln als notwendig, einmütig und gut gedeutet. Gerade diese Effektivität macht die Strophe historisch wirkmächtig – und zugleich kritisch lesbar.

8. Schlusswirkung: Der Endvers installiert Freiheit als Losungswort, das fortan jede Handlung im Gedichtuniversum signiert. Damit verwandelt die Strophe Pathos in Programm: Aus dem Weckruf wird eine dauerhafte, identitätsstiftende Praxis.

Diese Strophe präsentiert sich als kompaktes Modell nationalistischer Mobilisierungssprache um 1818. Sie erzeugt Handlungsbereitschaft, verleiht dem Handeln Sinn und bindet beides an ein hoch aufgeladenes, religiös überglänztes Freiheitsversprechen.

Gesamtschau
Organischer Aufbau und Verlauf

1. Exposition des Aufrufs (Verse 1–6):

Das Gedicht eröffnet in eruptivem Ton mit einem doppelten Imperativ: Auf zur Rache! Auf zur Rache! – ein rhythmischer Weckruf an das edle Volk. Der Text beginnt also nicht erzählend, sondern performativ: Sprache selbst ist Tat. Die ersten sechs Verse entfalten das Bild eines verschlafenen, gefesselten Volkes, das zur Freiheit erwachen soll. Die Metaphern – Schandeketten, Fahnen der Freiheit – beschwören symbolisch die Befreiung aus Unterdrückung.

2. Beschreibung des Gegners (Verse 7–12):

Es folgt eine dramatische Personifikation des Bösen: der Satan ist gekommen, er hat sich Fleisch und Bein genommen – der Feind erscheint als Inkarnation des Teufels. Die Konkretion dieser diabolischen Macht deutet auf Napoleon, aber in mythopoetischer Transzendenz: es ist das Prinzip der Hybris, der Selbstvergöttlichung des Menschen. Der moralische und geistige Zerfall wird in den Versen 10–12 geschildert: Weisheit tappt geblendet, Mut und Ehre kriecht geschändet. Die Welt ist verkehrt, der Geist ist verfinstert.

3. Die Herrschaft der Lüge (Verse 13–18):

Der zweite Abschnitt vertieft das Bild einer apokalyptisch verkehrten Ordnung: die Wahrheit ist verstummet, die brandgemalte Lüge summet frech jede große Tugend an. Das Bild des brandgemalten suggeriert dämonische Verführung, wie eine blendende Maske des Bösen. Die Lüge scheint sogar göttliche Macht zu beanspruchen, indem sie glaubt, daß seine Donnerkeile der Himmel nicht mehr schwingen kann. Der metaphysische Gegner ist nicht nur politisch, sondern kosmisch gedacht.

4. Erneuter Aufruf und göttliche Legitimation (Verse 19–30):

Arndt wiederholt den Schlachtruf – das Gedicht arbeitet zyklisch und steigert sich. Der zweite Aufruf ist intensiver, weil er jetzt göttlich begründet wird: durch deinen stärkern Gott. Hier verschmilzt nationale Erhebung mit religiöser Mission. Die heroische Vision gipfelt in der Vorstellung der Freien, die fröhlich sterben – Märtyrertum wird zum Ausdruck des höchsten Freiheitswillens.

5. Klimax des Aufrufs und apokalyptischer Pathos (Verse 31–42):

Der Schluss steigert sich zu einer kosmischen Dramatik: die stummen Stöcke möchten reden, der stumme Stein Posaune sein – ein Bild biblischer Wucht (vgl. Luk. 19,40). Selbst die Schöpfung ruft nach Gerechtigkeit. Wer hier nicht kämpft, steht gegen die Ordnung der Welt. Das Finale vereint Pathos, Religion und Vaterland: Mit Gott dem Herrn wir wollen’s wagen – der Kampf wird zum heiligen Akt, die Freiheit zur Losung, fast zu einem Sakrament.

Psychologische Dimension

1. Erregung und Katharsis:

Das Gedicht funktioniert psychologisch als Anrufung und Katharsis zugleich. Der Dichter ruft nicht nur zur Tat auf, sondern will die kollektive Ohnmacht nach Jahren der Fremdherrschaft in Leidenschaft verwandeln. Aus dem passiven Schmerz wird durch Sprache aktiver Zorn.

2. Dualismus von Angst und Erhebung:

Arndt mobilisiert Angstbilder (Satan, Lüge, Henkerbeile), um eine innere Erschütterung zu erzeugen, die in heroischer Erhebung mündet. Psychologisch entspricht das einer Umwandlung von Angst in Aggression, einer Sublimierung destruktiver Energie in moralisch gerechtfertigten Kampf.

3. Identitätsbildung durch Feindbild:

Das Volk wird psychologisch über die klare Grenzziehung zum Feind definiert. Der Feind ist nicht menschlich, sondern dämonisch. Damit erfährt das eigene Selbstbild eine sakrale Erhöhung: man kämpft nicht gegen Menschen, sondern gegen das Böse selbst.

4. Religiös überformte Selbstvergewisserung:

Das Volk wird emotional durch den Rückgriff auf göttliche Legitimation stabilisiert. Angst, Schuld und Ohnmacht werden in das Vertrauen auf den stärkern Gott transformiert. Die psychologische Wirkung: kollektive Selbstermächtigung unter religiösem Schutz.

Ethische Dimension

1. Rache als moralische Pflicht:

Der Titel Lied der Rache verschiebt den Begriff von Rache aus der Sphäre des Individuellen in die des Ethos. Es geht nicht um persönliche Vergeltung, sondern um die Reinigung der Welt von satanischer Ungerechtigkeit. Rache wird als moralisch notwendig umgedeutet.

2. Heiligung des Krieges:

Ethisch problematisch ist, dass Gewalt als göttlich legitimiert dargestellt wird. Der Kampf wird heiliger Kampf, der Tod der Freien als freudiges Opfer. Diese Sakralisierung des Krieges ist eine ethische Ambivalenz: sie erhebt zwar das Motiv der Freiheit, droht aber, das Töten moralisch zu verklären.

3. Pflicht zur Freiheit:

Arndt sieht in der Freiheit eine sittliche Notwendigkeit, nicht bloß ein Recht. Wer nicht kämpft, versündigt sich an der göttlichen Ordnung. Damit entsteht ein kategorischer Imperativ der Tat: Faulheit im Angesicht des Bösen ist moralische Feigheit.

4. Gegensatz von Wahrheit und Lüge:

Ethik erscheint hier als metaphysischer Kampf zwischen Wahrheit und Lüge. Der Feind ist nicht nur politisch, sondern moralisch verwerflich. Das Gedicht begründet so eine Ethik des absoluten Gegensatzes, die keine Neutralität zulässt.

Philosophisch-theologische Tiefenanalyse

1. Mythischer Dualismus:

Arndt arbeitet mit einem streng dualistischen Weltbild: Gott und Teufel, Wahrheit und Lüge, Freiheit und Knechtschaft. Dieser Dualismus ist nicht bloß christlich, sondern apokalyptisch – die Welt steht im Endkampf zwischen Gut und Böse. Philosophisch knüpft das an manichäische und chiliastische Denktraditionen an.

2. Der Satan als historische Figur:

Der Satan hat sich Fleisch und Bein genommen – eine fast inkarnatorische Wendung des Bösen. Der Teufel erscheint als historische Macht, als konkrete Herrschaftsform (Napoleon, oder allgemeiner: Despotismus). Theologisch ist das eine Umkehrung der Inkarnation Christi: die Anti-Inkarnation des Antichristen.

3. Freiheit als göttliche Idee:

Die Freiheit ist nicht nur politisches Ziel, sondern theologische Kategorie. Sie wird in den Rang des Göttlichen erhoben: der Kampf für Freiheit ist Gottesdienst. Damit ist Arndt kein bloßer Nationalist, sondern ein religiöser Idealist, der politische Emanzipation als Offenbarung göttlichen Willens deutet.

4. Das Wort als schöpferische Kraft:

Das Gedicht selbst agiert wie eine Predigt, ja wie ein prophetisches Sprechen. Sprache ist hier performativ-theologisch verstanden: das Wort ruft Wirklichkeit hervor, ähnlich wie das göttliche Es werde. Die dichterische Rede ist Teil des göttlichen Kampfes gegen die Finsternis.

5. Eschatologische Perspektive:

Der Schluss mit der Vorstellung, dass sogar Steine reden und Berge sich bewegen, ist eine Anspielung auf das Weltgericht (vgl. Matth. 24,29ff.). Der Kampf um Freiheit ist also nicht nur historisch, sondern Teil des göttlichen Endplans. Das Gedicht wird so zu einem apokalyptischen Hymnus, der den Weltlauf in die göttliche Eschatologie einbindet.

6. Gott als aktives Prinzip der Geschichte:

Mit Gott dem Herrn wir wollen’s wagen – hier begegnet uns die Überzeugung, dass Gott in der Geschichte selbst kämpft. Das Göttliche ist nicht jenseitig, sondern in der geschichtlichen Tat der Menschen anwesend. Damit steht Arndt zwischen lutherischer Theologie und einem romantisch-prophetischen Geschichtsdenken, das Geschichte als Offenbarungsprozess begreift.

Gesamtschau

Arndts Lied der Rache ist kein bloßes Kampfgedicht, sondern eine theologisch aufgeladene Dichtung, in der Geschichte, Religion und Moral ineinander übergehen. Es ist ein Hymnus der nationalen Selbstaufrichtung, aber zugleich eine Predigt über die Notwendigkeit der göttlichen Ordnung im Chaos der Welt.

Sein Pathos schöpft aus der biblischen Apokalyptik, seine Energie aus der romantischen Idee des prophetischen Dichters.

In dieser Verschmelzung von Zorn, Glaube und Freiheitswillen liegt die Größe – und zugleich die Ambivalenz – des Gedichts: es ruft zu moralischer Erneuerung, aber mit der gefährlichen Macht religiöser Absolutheit.

Moralische Dimension

1. Zwischen Rache und Gerechtigkeit klafft eine ethische Spannung. Das Gedicht ruft den edlen Volkskörper zur Rache auf und verleiht dem Affekt der Vergeltung eine moralische Weihe. Gerade dadurch entsteht eine Reibung zwischen legitimer Selbstbehauptung gegen Tyrannenschädel und der Gefahr, dass Rache den Charakter einer entfesselten Gegengewalt annimmt. Die ethische Frage lautet daher: Wird hier Gerechtigkeit gefordert – oder eine sakral überhöhte Wiedervergeltung?

2. Das Böse wird radikal ontologisiert, wodurch Handlungsspielräume moralisch vereinfacht werden. Der Gegner erscheint nicht als fehlbarer Mensch, sondern als Satan, der Fleisch und Bein genommen hat. Diese Dämonisierung reduziert Ambivalenzen und erzeugt eine Moralmatrix, in der tödliche Gewalt (fröhlich sterben) als heiliges Opfer legitim erscheint. Die ethische Gefahr liegt in der Entmenschlichung des Gegners.

3. Tugenden werden als geschändet dargestellt, was kollektive Pflichtethik freisetzt. Mut und Ehre kriechen geschändet, Wahrheit verstummt – die Aufzählung personifizierter Tugenden erzeugt das Gefühl einer verletzten sittlichen Ordnung. Daraus wird eine Pflicht zur Wiederherstellung des Guten abgeleitet. Ethisch problematisch ist, wie leicht sich aus verletzter Ehre eine Eskalationslogik speist.

4. Theologischer Rekurs als moralische Autorisierung. Der Appell durch deinen stärkern Gott verschiebt Verantwortung von individueller Entscheidung auf transzendente Legitimierung. Das kann moralische Standfestigkeit stützen, birgt aber die Gefahr, dass Gewalthandeln als unantastbar gilt, weil es mit Gott geschieht. Ethisch anspruchsvoll wäre die Differenzierung zwischen Verteidigung des Rechts und sakralisierter Gewalt.

5. Kollektive Freiheit als höchstes Ziel – mit rigoroser Mittelwahl. Die Freiheit soll die Losung sein formuliert ein moralisch hohes Gut; die gewählten Mittel – der Aufruf zur Fehde, das Zerschmettern der Tyrannenschädel – markieren jedoch einen Übergang von defensiver Notwehr zu offensiver Vergeltung. Moralisch anerkennenswert ist die Entschlossenheit gegen Unterdrückung; kritisch bleibt die Feier des Tötens als heilige Tat.

6. Der Kairos des Handelns und die Verantwortung des Einzelnen. Die Stunde hat geschlagen stilisiert den Zeitpunkt zum moralischen Muss. Das entlastet das Gewissen (wir müssen jetzt) und verdichtet kollektive Entschlossenheit. Moralisch reif wäre, das Pathos des Augenblicks durch Kriterien des gerechten Kampfes (Notwendigkeit, Verhältnismäßigkeit, Schutz von Nichtkämpfern) zu prüfen – Kriterien, die der Text nicht ausbuchstabiert.

Anthroposophische Dimension

1. Ahrimanische Versuchung und michaelische Gegenkraft. Das Bild des Satan, der Fleisch und Bein genommen hat, lässt sich anthroposophisch als Verdichtung ahrimanischer Kräfte lesen: Verhärtung, Mechanisierung, Kälte des Intellekts (Weisheit tappt geblendet). Dagegen steht ein michaelischer Impuls von Mut und Wahrhaftigkeit, der das Erwachen der Ich-Kräfte der Gemeinschaft anstachelt.

2. Volksseele, Ich-Erkraftung und Freiheit. Das Gedicht spricht die Volksseele an (edles Volk) und ruft zur Bewusstseinshebung auf (Erwache). Anthroposophisch fruchtbar wird dies, wenn Freiheit als reale Ich-Entfaltung verstanden wird. Problematisch wird es, sobald die Volksseele sakralisiert und das individuelle Gewissen im Kollektivpathos aufgelöst wird.

3. Moralische Phantasie statt Racheimpuls. Aus Steiner-Perspektive wäre gefordert, den legitimen Impuls gegen Unrecht in moralische Phantasie zu verwandeln: kreative, konkrete, dem Einzelfall angemessene Handlungsformen, die nicht in Polarisierung erstarren. Das Gedicht kanalisiert den Impuls primär in bewaffnete Konfrontation; anthroposophisch wäre die Aufgabe, den kämpferischen Willen zu läutern, nicht zu löschen.

4. Klang, Rhythmus und Ätherleib. Der hämmernde Imperativ (Auf!, Erwache!) wirkt – anthroposophisch gedeutet – stark auf den Willen und damit auf die ätherischen Lebenskräfte. Der Sprechgestus hebt, wärmt und bündelt, er kann aber ebenso in Erhitzung und Gruppenerregung kippen. Die Kunst läge darin, den Willen zu wecken, ohne ihn zu fanatisieren.

5. Posaune, Donner, Himmel: Imaginatives Bildfeld. Die biblischen und kosmischen Bilder (Donnerkeile, Posaune) öffnen eine imaginative Ebene. Produktiv wird das, wo es innere Tapferkeit stärkt; kritisch wird es, wo Imagination zur Rechtfertigungsblase wird, die die Wahrnehmung des Konkreten übertönt.

Ästhetische Dimension

1. Strophenform mit Schweifreim (aab ccb) und hymnischem Gestus. Die Sechszeiler folgen überwiegend dem Schema aabccb (z. B. 7–12: gekommen/genommen – sein – geblendet/geschändet – hinein). Diese klassische Schweifreim-Architektur trägt den Wechsel aus Stoßgebet (a-Paarreim) und Rücklauf (ccb) und erzeugt einen hymnisch-pathetischen Zug.

2. Dynamik durch Imperativ-Anaphoren und Refrainstruktur. Wiederholungen wie Auf zur Rache! und Erwache! bilden quasi-refrainhafte Klammern (1–6; 19–24; 31–36; Schluss 40–42). Dadurch entsteht eine Wellenbewegung aus Anruf, Diagnose und Entschluss, die das Gedicht wie ein Marschlied vorantreibt.

3. Bildlichkeit zwischen Personifikation und Kosmologie. Tugenden und Laster werden zu handelnden Figuren (Wahrheit traurt verstummet, Lüge summet), während Natur- und Himmelsmächte (Donner, Himmel) die Schau vergrößern. Die Ästhetik verknüpft moralisches Drama mit Natur-Theater, wodurch das Pathos überindividuell geerdet wird.

4. Kontraste als Formprinzip. Wahrheit/Lüge, Mut/Schande, Freiheit/Ketten, Höhen/Täler – die Ästhetik lebt von binären Gegensätzen. Das schärft die Konturen, vereinfacht aber die Weltwahrnehmung. Als Stilmittel ist es wirksam, als Weltsicht eher monokausal.

5. Steigerungsfiguren und Kulmination. Der Text arbeitet auf Kulminationspunkte hin (Auf! die Stunde hat geschlagen), an denen Bild, Imperativ und Vision (die Freiheit soll die Losung sein) sich überblenden. Ästhetisch entsteht ein Hochton, der das Gedicht schließt und im Ohr nachhallt.

Rhetorische Dimension

1. Apostrophe und Kollektivadressierung. Das Gedicht spricht das edle Volk direkt an. Die Apostrophe erzeugt Nähe und Verantwortung, sie verknüpft Ständigkeit (Ehre, Mut) mit Handlung (greifet… zum Degen). Rhetorisch bindet das den Leser in die Pflichtgemeinschaft ein.

2. Anapher, Epizeuxis und Exklamation als Energiequellen. Die wiederholten Anfangsrufe (Auf…! Erwache…!) und die Doppelung (zur Rache! zur Rache!) wirken wie Trommelschläge. Die vielen Ausrufezeichen steigern Dringlichkeit und affektive Ladung.

3. Autorisierung durch Theologie und Geschichtsbild. Der Rekurs auf Gott (deinen stärkern Gott) und auf den kairotischen Zeitpunkt (die Stunde hat geschlagen) gibt dem Appell eine höhere Weihe. Rhetorisch entsteht so ein Schluss-von-oben, der Einwände unterläuft: Wer wollte sich gegen Gott und die Stunde stellen?

4. Metaphorik des Kriegs und der Reinigung. Schandeketten brich, tilge weg des Teufels Spott, zersplittern – das sind starke, reinigende und zerstörende Bilder zugleich. Rhetorisch bündeln sie Aggression und Heilsversprechen in einem Bewegungsbefehl.

5. Personifikation und Prosopopoiia. Die stummen Stöcke möchten reden, / Der stumme Stein Posaune sein: Die Welt selbst wird zum Zeugen, der zur Sprache drängt. Dies ist ein klassischer Überzeugungszug: Wenn selbst die Dinge schreien würden, wäre Schweigen Schuld.

Klangliche Mikrostrukturen

1. Alliterationsketten als Willensakzentuierung. Häufige Konsonantenbündel verstärken den Impuls: Rache/Erwache, Freiheit/Fahnen, Schandeketten/schwingen. Besonders die Reihungen mit f, r, k/t geben Angriffsschärfe und Vorwärtsdrang.

2. Hartlautdominanz für Kampfsemantik. Plosive und Klasionslaute (k, t, p, d) in Wörtern wie tilge, Teufels Spott, Donnerkeile, Zersplittern erzeugen eine akustische Schlagkraft, die den Marschrhythmus stützt.

3. Vokalspannung zwischen hellen und dunklen Klangräumen. Dunkle Vokale (o, u) in Donner, Froh-, Tod geben Schwere; helle Vokale (e, i) in Erwache, Freiheit, wehen öffnen nach oben. Der Wechsel spiegelt in nuce den Weg von Bedrohung zu Erhebung.

4. Epizeuxis und Rhythmusimpuls. Die Verdopplung Auf zur Rache! auf zur Rache! erzeugt einen perkussiven Auftakt. In der Rezitation entsteht eine zwei-taktige Stoßbewegung, die das Hören physisch mitnimmt und den Willen synchronisiert.

5. Schweifreim als Klangarchitektur. Das wiederholte aabccb-Muster erzeugt Erwartung und Erfüllung: Paarreime (gekommen/genommen) bilden die Ramme, der Rückreim (ccb) gibt Nachdruck und Rückbindung. So schließt jede Strophe klanglich hinten die Argumentbewegung ab.

6. Kadenzenwechsel und Sprechdruck. Nicht streng metrisch, aber regelmäßig fallende und steigende Kadenzen geben dem Vortrag Stoß und Zug. Der Wechsel kurzer Befehlszeilen und längerer Bildzeilen moduliert Atem und Tempo und hält die Spannung hoch.

7. Onomatopoetische Anmutungen. Wörter wie Donner, Posaune, summet tragen lautmalerische Qualitäten: Der Donner rollt, die Posaune schmettert, die Lüge summt wie ein aggressives Insekt. Diese auditiven Miniaturen verstärken die Bildhaftigkeit im Ohr.

Metaebene

1. Gesamtgestus und Sprechhaltung:

Das Gedicht ist ein Aufruf zur kollektiven Selbstvergewisserung und zur Tat. Arndt positioniert sich als prophetischer Mahner, der nicht beschreibt, sondern beschwört. Sein Sprecher erhebt sich über das Individuelle hinaus und spricht im Ton eines alttestamentarischen Propheten oder apokalyptischen Sehers. Die Redeform ist nicht lyrisch-reflektierend, sondern performativ – Sprache wird hier Handlung.

2. Dualismus von Gut und Böse:

Die gesamte Struktur des Gedichts beruht auf einer moralisch-religiösen Dichotomie: Gott und Satan, Freiheit und Knechtschaft, Wahrheit und Lüge. Diese Gegensätze bilden das ethisch-theologische Fundament des Textes. Arndts Welt ist nicht grau, sondern absolut polarisiert – sie verlangt Entscheidung, nicht Ambivalenz.

3. Rhetorische Bewegung als Akt der Erweckung:

Das wiederholte Auf zur Rache! Erwache! fungiert als rhythmische und emotionale Initialzündung. Die Sprache soll nicht überzeugen, sondern aufrütteln. Der Text versteht sich als ritueller Akt der kollektiven Mobilisierung, fast wie eine liturgische Handlung zur Reinigung und Wiedergeburt des Volkes.

4. Transzendenz des Politischen:

Obwohl das Gedicht aus einem konkreten historischen Kontext (nach 1815) stammt, erhebt es diesen in eine sakralisierte Dimension. Der politische Feind wird zum metaphysischen Feind, der Kampf zur heiligen Fehde. So verschmilzt nationales Pathos mit religiöser Eschatologie.

Poetologische Dimension

1. Rhythmus und Wiederholung als Beschwörung:

Die doppelten Imperative (Auf zur Rache! Erwache!) und die anaphorischen Strukturen erzeugen eine sprachliche Wucht, die an Kriegsgesänge und Volkslieder erinnert. Arndt arbeitet bewusst mit der Oralisierung seiner Lyrik: Das Gedicht will gesprochen, gerufen, gesungen werden. Poetische Form wird hier zum Mittel der psychologischen Massenansprache.

2. Die Verbindung von Liedform und Propaganda:

Arndt bedient sich der traditionellen Form des Liedes – mit Reim, Metrum und eingängigen Wiederholungen – um ideologischen Inhalt zu transportieren. Das Lied als populäre Gattung wird so zur Waffe der Erziehung und des nationalen Bewusstseins. Der Titel selbst (Lied der Rache) stellt Poesie und Kampfgeist gleichrangig nebeneinander.

3. Das Verhältnis von Pathos und Ästhetik:

Arndts Dichtung setzt nicht auf subtile Ironie oder formale Verfeinerung, sondern auf Überwältigung. Poetische Schönheit wird der moralischen Dringlichkeit untergeordnet. Die Sprache ist expressiv, aufgeladen, fast überhitzt – eine Ästhetik des Zorns.

4. Religiöse Symbolsprache als poetische Strategie:

Durch biblische Anspielungen (Satan, der Herr, Donner, Fahnen der Freiheit) verwandelt Arndt das nationale Anliegen in ein Heilsgeschehen. Die Poesie dient nicht nur der Darstellung, sondern der Sakralisierung der politischen Idee.

Metaphorische Dimension

1. Satan als Symbol des Fremdherrschers und der moralischen Korruption:

Der Satan ist gekommen, er hat sich Fleisch und Bein genommen – hier wird das Böse inkarnatorisch gedacht: das Fremde, das Unrecht, die politische Unterdrückung erscheinen als teuflische Fleischwerdung. Damit erhält der Feind (implizit: Napoleon bzw. die fremden Mächte) eine metaphysische Dimension.

2. Die Freiheit als göttliche Offenbarung:

Laß der Freiheit stolze Fahnen wehen! – Die Freiheit ist kein abstraktes politisches Ideal, sondern eine heilige Macht, fast eine Theophanie. Sie wird personifiziert und überhöht, als ginge es um eine Offenbarung des göttlichen Willens selbst.

3. Die Natur als Mitstreiterin:

Arndt lässt Täler und Höhen, Berge und Steine reagieren. Diese Naturbilder deuten eine kosmische Beteiligung an der menschlichen Erhebung an – die Schöpfung selbst verlangt die Befreiung. Das ist eine pantheistische Überhöhung des Kampfgedankens.

4. Das Schwert als Symbol der göttlichen Gerechtigkeit:

Wenn Tyrannenschädel gleich den Scherben zersplittern durch der Tapfern Schwert, wird Gewalt religiös legitimiert. Das Schwert wird zum Werkzeug göttlicher Vergeltung, nicht bloß zur Waffe der Menschen.

5. Apokalyptische Bildsprache:

Der Text evoziert Untergangs- und Wiedergeburtsbilder – Donner, Feuer, Erdbeben. Diese Metaphorik verleiht dem Kampf die Dimension eines Weltgerichts: Das Volk Gottes gegen die Mächte der Finsternis.

Literaturgeschichtliche Dimension

1. Einordnung in die Zeit nach den Befreiungskriegen:

Das Gedicht entstand 1818, in der Phase der Restauration. Arndts Racheaufruf reagiert auf die Ernüchterung nach dem Wiener Kongress, auf das Scheitern nationaler Hoffnungen. Sein Ton spiegelt das Unbehagen über die Rückkehr der alten Mächte und die mangelnde politische Einheit Deutschlands.

2. Nationalromantische Aufladung:

Arndt steht in der Linie der patriotischen Dichtung der Romantik, die das Volk und die Nation mythisch verklärt. Wie Körner oder Jahn entwirft er das Bild einer heroischen, göttlich legitimierten Volksgemeinschaft. Seine Lyrik ist weniger privat als programmatisch – Dichtung als Nationserziehung.

3. Rhetorische und ideologische Nähe zur Volksliedtradition:

Die einfache, klangvolle Form knüpft an volkstümliche Strukturen an, um möglichst breite Resonanz zu erzeugen. Doch der Inhalt sprengt das Idyllische: Das Volkslied wird zum Instrument der kollektiven Erhebung.

4. Ambivalenz im historischen Nachhall:

Während Arndts Rhetorik in den Befreiungskriegen als heroisch galt, wirkte sie später problematisch, weil sie den Grundton eines nationalistischen Fanatismus anschlug, der leicht in Intoleranz umschlagen konnte. Damit markiert das Gedicht auch einen Wendepunkt: den Übergang von idealistischer Romantik zu politisch-aggressivem Nationaldenken.

Literaturwissenschaftliche Dimension

1. Sprechakt-Theorie und performative Kraft:

Der Text ist kein Ausdruck individueller Emotion, sondern ein performativer Akt. Der Sprecher will Realität verändern: seine Worte sind Handlungsimpulse. Damit rückt Arndts Gedicht in die Nähe politischer Rede und religiöser Beschwörung.

2. Mythisierung der Geschichte:

Durch die religiös-metaphorische Überhöhung wird der politische Konflikt entgeschichtlicht. Arndt konstruiert ein mythisches Narrativ vom Kampf des Guten gegen das Böse – ein archetypisches Muster, das in vielen nationalen Mythen fortlebt.

3. Diskursanalyse: Sprache als Mobilisierungsmittel:

Aus heutiger Perspektive zeigt das Gedicht, wie Sprache als Machtinstrument wirkt. Arndt nutzt Affektverstärkung, Pathosformeln und dualistische Moralvokabeln, um eine geschlossene kollektive Identität zu stiften. Das Gedicht fungiert somit als Textzeugnis nationaler Rhetorik im Übergang zur modernen Massenansprache.

4. Intertextuelle Perspektive:

Der biblische Ton erinnert an prophetische Psalmen und apokalyptische Visionen. Zugleich sind Bezüge zu älteren deutschen Freiheitsliedern spürbar. Arndt verschmilzt also sakrale Tradition mit politischer Gegenwart – ein charakteristisches Verfahren der frühen Nationaldichtung.

5. Ethik und Ambivalenz der Racheidee:

Aus heutiger literaturwissenschaftlicher Sicht lässt sich Arndts Rache als poetische Problemfigur lesen: Sie verbindet göttliche Vergeltung mit menschlicher Gewalt. Die Ambivalenz liegt darin, dass das moralisch Gute durch die gleiche zerstörerische Energie ausgedrückt wird, die es bekämpfen will. Damit öffnet der Text eine ethische Spannung, die ihn zugleich faszinierend und gefährlich macht.

Gesamtschau

Arndts Lied der Rache ist weniger ein Gedicht im modernen Sinn als eine politische Liturgie. Es steht an der Schwelle zwischen Romantik und Nationalismus, zwischen religiöser Vision und agitatorischer Rede. Seine sprachliche Gewalt, seine biblischen Bilder und sein Pathos der Reinigung spiegeln die Erschütterung einer Epoche, die sich nach Sinn und Einheit sehnt. Doch in der gleichen Bewegung, in der es das Göttliche beschwört, birgt das Gedicht die Versuchung der ideologischen Verabsolutierung. Es ist damit ein Schlüsseltext für das Verständnis jener gefährlichen Nähe von Religion, Politik und Poesie, die das 19. Jahrhundert nachhaltig prägte.

Assoziative Dimensionen

1. Apokalyptische Energie und eschatologische Aufladung

Das Gedicht entfaltet eine fast endzeitliche Bildsprache: der Satan nimmt Fleisch und Bein, die Welt steht in der Hand des Bösen, und die Tugend selbst ist geschändet. Diese Vorstellung hat etwas von einem kosmischen Kampf zwischen Gut und Böse, wie man ihn aus der Offenbarung des Johannes kennt. Arndts Rache ist somit keine bloß politische, sondern eine metaphysische Kategorie: der Versuch, göttliche Ordnung wiederherzustellen.

2. Volk als heiliges Subjekt der Geschichte

Das edle Volk wird angerufen wie ein schlafender Riese, den es zu erwecken gilt. Diese Personifizierung des Volkes zu einer fast heiligen, göttlich legitimierten Instanz spiegelt den romantisch-nationalen Glauben an die Geschichtsmächtigkeit des Volkes. Der Mensch ist hier nicht Individuum, sondern Glied eines göttlich inspirierten Kollektivs.

3. Rache als sakralisierter Akt

Der Aufruf Auf zur Rache! ist kein Aufruf zur persönlichen Vergeltung, sondern zur Wiederherstellung göttlicher Gerechtigkeit. Arndt erhebt die Rache in den Rang eines heiligen Imperativs, der von Gott selbst gestützt wird. Das heil’ge Kampf-Motiv (V. 39) verleiht der Gewalt einen religiösen Heiligenschein.

4. Verlust der Wahrheit und moralische Umkehrung

Verse 10–15 beschreiben eine Welt der pervertierten Werte: Mut, Ehre und Wahrheit sind gebrochen, während die Lüge triumphiert. Dies evoziert ein tiefes Gefühl moralischer Katastrophe, das die Legitimation für das kommende heilige Handeln bildet. Arndt beschreibt so nicht bloß politische Ohnmacht, sondern einen metaphysischen Sturz der Weltordnung.

5. Natur als Mitstreiter und Resonanzraum

In Strophe 6 (Der stumme Stein Posaune sein) wird die Natur personifiziert: Berge, Steine, Stöcke – alles soll sich bewegen und rufen. Diese Metaphorik einer durch Geist beseelten Natur ist tief romantisch; sie deutet an, dass der Kampf göttlich gerechtfertigt ist, da selbst die Schöpfung sich gegen das Böse aufbäumt.

6. Dualismus von Licht und Finsternis

Der Satan steht als dunkle Macht der Lüge dem göttlichen Licht gegenüber. Der Kampf wird damit nicht nur als nationaler Befreiungskrieg, sondern als kosmischer Gegensatz von Dunkel und Licht inszeniert – ein Archetypus, der sowohl religiös (Manichäismus, Apokalypse) als auch mythologisch (Ragnarök, Prometheus-Motiv) anklingt.

Formale Dimensionen

1. Strophen- und Versstruktur

Das Gedicht besteht aus 7 Strophen zu je 6 Versen, also 42 Versen insgesamt. Diese Regelmäßigkeit unterstreicht den marschierenden, rhythmisch-drängenden Charakter. Jede Strophe wirkt wie ein eigener Trommelwirbel – ein Aufruf, eine Stufe der Mobilisierung.

2. Reim und Klang

Vorherrschend ist der Paarreim, der durch Alliterationen (Freiheit – Fahnen – Höhen) und Anaphern (Auf zur Rache! auf zur Rache!) verstärkt wird. Der Klang ist laut, schneidend, rhetorisch zugespitzt. Wiederholungen dienen als Appellformeln – wie Kampfrufe.

3. Rhythmus und Sprachduktus

Der Rhythmus ist überwiegend jambisch, gelegentlich mit trochäischen Einschüben, was eine militärische Spannung erzeugt. Viele Zeilen beginnen mit Imperativen (Auf!, Erwache!, Laß!), wodurch der Text in seiner Gesamtheit als Rede oder Hymnus auftritt.

4. Rhetorische Figuren

Anaphern: Auf zur Rache!, Erwache, edles Volk!

Personifikationen: Wahrheit, Lüge, Mut, Ehre, Berge, Steine.

Antithesen: Mut/Ehre vs. Schande/Lüge, Gott vs. Teufel.

Hyperbel: Der stumme Stein Posaune sein – ein Ausdruck ekstatischer Übersteigerung.

Diese Figuren schaffen eine erregte, fast prophetische Sprache, die an Predigten erinnert.

5. Formaler Gestus der Predigt oder Beschwörung

Der Sprecher steht außerhalb des Geschehens – als prophetischer Rufer. Die Wiederholungsstruktur gleicht der rhetorischen Technik biblischer Propheten oder auch lutherischer Predigtkunst. Der Text ist formal also nicht lyrisch-reflektierend, sondern performativ-appellativ.

Topoi

1. Topos der schlafenden Nation

Das Volk schläft und muss durch göttlichen Ruf geweckt werden – ein Leitmotiv der patriotischen Dichtung nach 1815.

2. Topos des heiligen Kriegs

Der heilige Kampf verbindet Religion und Nation zu einer Einheit: der Krieg wird zur moralischen Reinigung. Damit greift Arndt den mittelalterlichen Kreuzzugstopos auf, transformiert ihn aber in ein nationales Gewand.

3. Topos der satanischen Verführung

Das Böse erscheint in Menschengestalt – eine Allegorie auf Napoleon oder die Mächte der Unterdrückung, zugleich aber eine universal-moralische Figur. Diese Dämonisierung des Gegners war typisch für den patriotischen Diskurs jener Zeit.

4. Topos der Freiheit als göttlicher Ordnung

Freiheit ist hier nicht bloß politisch, sondern theologisch begründet – eine von Gott gewollte Seinsform. Der Kampf um Freiheit ist daher keine Rebellion, sondern eine Wiederherstellung des Göttlichen.

5. Topos der Naturbeteiligung

Die unbelebte Materie wird zum Mitstreiter: selbst Steine, Berge, Täler werden Zeugen des göttlichen Zorns. Das ist ein romantischer Topos, der das pantheistische Weltgefühl jener Epoche widerspiegelt.

Literaturepochentypische Kontextualisierung

1. Zwischen Romantik und Frühnationalismus

Arndts Dichtung steht an der Schwelle zwischen Hochromantik und politischem Nationalismus. Zwar nutzt er die romantische Sprache der Innerlichkeit, aber die Inhalte sind bereits nationalistisch aufgeladen: das religiös inspirierte Wir des Volkes ersetzt das romantische Ich.

2. Reaktion auf die napoleonische Zeit

1818 war Europa zwar politisch befreit, aber die nationale Einigung Deutschlands stand aus. Das Lied der Rache ist also retrospektiv: es klagt den Verrat an der Freiheit an, der in der restaurativen Politik nach 1815 (Wiener Kongress) gesehen wurde.

3. Verbindung von Religion und Politik

Der Text ist ein Musterbeispiel für die sakrale Aufladung politischer Rhetorik. Der nationale Befreiungskrieg wird als Teil göttlicher Heilsgeschichte gedeutet. Damit steht Arndt in der Linie einer protestantisch-patriotischen Theologie, wie sie etwa auch Fichte in seinen Reden an die deutsche Nation anklingen lässt.

4. Romantischer Sprachgestus – aber klassizistische Ordnung

Arndt kombiniert romantische Ekstase mit formaler Strenge. Diese Spannung verweist auf eine Übergangssituation der Literatur zwischen klassischer Maßhaltung und romantischer Leidenschaft.

5. Ideologische Wirkungsgeschichte

Später wird diese Art der Dichtung (vor allem im 19. Jahrhundert) als Nährboden für den völkisch-nationalen Diskurs instrumentalisiert. Die Verbindung von Gott, Volk und Rache ist ein mächtiger, aber gefährlicher Mythos.

FAZIT

1. Prophetische Grundhaltung und dramatische Steigerung

Das Gedicht entfaltet sich als eine Art biblische Beschwörung: vom ersten Aufruf bis zur finalen Losung Die Freiheit soll die Losung sein. Die sieben Strophen bilden eine Bewegung von der Erweckung über die Anklage zur aktiven Handlung – wie eine liturgische Handlung mit Aufruf, Klage, und Erlösung.

2. Der Sprecher als Seher und Priester des Volkes

Arndt selbst nimmt die Rolle eines prophetischen Rufer ein. Seine Sprache will nicht nur überzeugen, sondern verwandeln. In dieser performativen Dimension liegt der eigentliche ästhetische Kern des Gedichts.

3. Einheit von göttlicher Ordnung und nationaler Mission

Arndt verschmilzt religiöse und politische Kategorien. Der Kampf gegen den Satan ist zugleich der Kampf gegen fremde Herrschaft. So wird die politische Rache sakralisiert: das nationale Erwachen erhält den Anschein einer göttlichen Berufung.

4. Rhetorische Ekstase als moralische Waffe

Das Gedicht arbeitet mit Überwältigung: rhythmisch, akustisch, emotional. Es will nicht reflektieren, sondern ergreifen. In dieser Überhöhung zeigt sich eine neue Funktion von Lyrik als kollektives Sprachereignis, nicht als individuelles Empfinden.

5. Ambivalente Wirkung

Das Gedicht ist sowohl Ausdruck eines aufrichtigen Freiheitswillens als auch Zeugnis einer gefährlichen Ideologisierung. Der religiös legitimierte Zorn verwandelt sich leicht in Intoleranz. Diese Ambivalenz macht Lied der Rache zu einem Schlüsseltext für das Verständnis des frühen deutschen Nationalgefühls.

6. Gesamtdeutung

In Lied der Rache kulminiert die romantische Vision einer göttlich durchdrungenen Welt im Dienst einer politischen Idee. Arndts Werk ist eine Hymne auf die Freiheit – doch eine Freiheit, die nur durch Gewalt und göttlichen Zorn wiedergewonnen werden kann. Die Wucht des Gedichts liegt darin, dass es das Religiöse, das Natürliche und das Politische in einem mythischen Zusammenhang verschmilzt.

Es ist also zugleich ein Manifest der Befreiung und ein Menetekel für den späteren deutschen Pathosnationalismus.

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